Messiah of Evil (1973): La pesadilla que no conoces

Como Halloween cae en domingo este año, podemos dedicar el fin de semana a las historias de miedo. Messiah of Evil  es una película setentera que posee una imaginería perturbadora y surreal, con fotografía de un catálogo de modas y decoración de los 70 y ecos de H.P. Lovecraft. Lo mejor es que es una de las películas que podemos descargar gratis y legalmente de la red.

La premisa es la siguiente: una mujer viaja a el pueblo costero donde vive su padre, quien en sus últimas cartas parecía indicar que había contraído una enfermedad. El lugar parece un tanto deshabitado, y la gente con la que se encuentra son un tanto extraña. Al caer la noche, las calles se vuelven más animadas... y peligrosas.

Messiah of Evil es un cruce de La Noche de los Muertos Vivientes (Night of the Living Dead, 1968) con David Lynch, con las paulatinas pérdidas de cordura que nos encontramos en las historias de Lovecraft. Algunas de las imágenes son realmente memorables, nunca porque enseñen tripas o demasiada sangre, sino por la extrañeza e inquietud que transmiten. La película crea la sensación de que el espectador está atrapado en una pesadilla, gracias a una fotografía y montajes surreales. El único problema de la película es también el producto cineastas que acababan de salir de la universidad, y entre todas las referencias y homenajes, ponen a una protagonista y tres personajes que parece que se han escapado de una película de Antonioni. Los protagonistas son una panda de post-hippies, que se creen la pera, pero que son pura pose y están huecos por dentro. (Le tengo un poco de manía a Antonioni...)


La película también se conoce como Dead People, y está escrita y dirigida por Willard Huyck y Gloria Katz, guionistas de American Grafitti (1973), Indiana Jones y el Templo Maldito (1984), y (para su deshonra) Howard el Pato (1986). Esta obra demuestra que apuntaban talento, aunque probablemente trabajar a la sombra de George Lucas les haya hecho caer en el olvido.

Por lo que parece que no se estrenó en países de habla hispana, así que gracias a la Red tenéis la oportunidad de ver una película de cuasi-culto. Lamentablemente, la copia que está disponible en el dominio público utiliza pan-scan (es decir, la imagen está recortada a los lados), y no he encontrado subtítulos, pero aún así, merece la pena.

Si todavía no te he convencido para que te descargues la película, gratis y legalmente, de archive.org, échale un vistazo a este fragmento de la película (si te atreves...).

Y si no te gusta el terror y pasas de Halloween, puedes leer mis otras recomendaciones de películas que puedes ver online, gratis y de manera legal.

Acción Telugu: Risas y espectáctulo desde la India

Hace unos meses hizo las rondas un vídeo con el título "Los Peores Efectos Especiales", un fragmento una película de acción india, que mezcla la acción hyperbólica imitando a Michael Bay con un presupuesto limitado, dando como resultado una opereta increíble y barata. El momento álgido es el derrape de un caballo bajo un camión; . Lo que tenéis que ver es la persecución completa, que no tiene desperdicio. (Si os fijáis, el pobre caballo derrapando no es de cartón, sino de verdad y con las piernas atadas).


Investigando un poco, me he encontrado que la película es India, no es una película de Bollywood. La película viene del sureste de la India, de la región de Andhra Pradesh. Bollywood está en Bombay, mientras que en esta región tienen Tollywood, por ser la industria cinematográfica en el idioma Telugu, el dialecto más hablado en la India. Las películas hechas en Telugu también tienen canciones y coreografías, humor vulgar, mezcladas con escenas  de acción "espectaculares", pero sin el presupuesto necesario. Este género de películas son famosas por sus escenas de acción que desafían a la física y a la lógica. Son como las películas de Mariano Ozores en los 80, pero con coreografías multitudinarias y escenas de acción a lo bestia.

El vídeo de arriba pertenece a la película Alluda Majaka (1995), dirigida por E.V.V. Satyanarayana. Aparte de los efectos especiales baratos, es una película controvertida por desafiar los valores familiares de la India (el protagonista flirtea con su suegra); fué repetidamente censurada y protestada por diversos grupos feministas, políticos y críticos de cine. El protagonista es Chiranjeevi, uno de los denominados Megastars indios, y famoso por su poco talento interpretativo y sus películas de acción esperpénticas. Para que veáis el disparate que es, aquí podéis ver otro clip de la misma película, aunque no lo parezca, con el héroe de bailando y cantando alegremente.

Otro famoso actor Telugu es Nandamuri Balakrishna, que tiene un carisma que repele a las balas, como podemos ver en este vídeo.



Estas películas son de hace 15 años, más o menos. Los avances en efectos especiales, que hacen que uno pueda hacer virguerías con el ordenador de tu casa y un poco de talento, pueden ser una baza para la exportación del cine en Telugu al resto del mundo. Si unimos los desafíos a la lógica y a la gravedad a unos efectos especiales decentes, tenemos escenas increíbles pero bastante efectistas; te ríes, pero también te quedas asombrado. Aquí tenemos el clímax de Magadheera (2009), que hay que verlo para creerlo. Ya le gustaría a Michael Bay hacer algo tan memorable como esto con diez veces el presupuesto.

Fallece Sally Menke, montadora de las películas de Tarantino

Tarantino ya no va a ser el mismo después del fallecimiento de su montadora, Sally Menke. No sólo porque fue la única editora con la que trabajó, también porque le va a ser difícil encontrar a un sustituto que sepa poner orden a sus complejas y ricas narrativas. El montaje es uno de las artes invisibles del cine, y en el caso del trabajo de Menke con Tarantino, ella era tan buena que su mano pasaba desapercibida.

En los extras de Death Proof (2007) y de Malditos Bastardos / Bastardos Sin Gloria (Inglourious Basterds, 2009) podemos ver cuánto aprecio Tarantino le tenía a su editora, como comenta el director Edgar Wright. Tarantino le recordaba a su equipo que Sally Menke estaría editando sola después del rodaje, así que les pedía que le dijeran hola en las "colas" de película* para alegrarle la tarea.

Descanse en paz.






* Colas de película: la parte de película que va antes y después de una toma, que normalmente se descarta. No confundir con los avances de películas, que en Argentina también se llaman colas.

La Venganza de la Mujer Pantera: Una Obra Maestra Incomprendida

La Mujer Pantera (Cat People, 1942) es una película de culto cinéfilo, tanto que en 1982 Paul Schrader realizó un remake con Nastassja Kinski. El prestigio no es desmerecido: a pesar de ser una película de serie B, es una historia compleja, bien escrita y fabulosamente realizada. Los críticos de cine suelen olvidar de la secuela a esta película, La Venganza de la Mujer Pantera, (Curse of the Cat People, 1944), que es una de las películas más bonitas que haya visto. Es otra de esas buenas películas que incluso los  más cinéfilos se han perdido. Y lo mejor de todo es que está disponible online, gratis y legalmente en archive.org, como tantas otras películas que ya he reseñado.




La Venganza de la Mujer Pantera (también conocida con el título más literal La Maldición de la Mujer Pantera) continúa con la historia de la película original, que poco tiene que ver con la venganza. Voy a evitar contar el argumento para no estropeárselas a quienes las han visto. Fue dirigida por Gunther von Fritsch, y Robert Wise, quien fue llamado para completarla cuando a von Fritsch se le pasó el plazo de rodaje. Algunas críticas se quejan de que esto es una secuela floja, porque no tiene nada que ver con el género de terror. El error de estas críticas está precisamente en considerar La Mujer Pantera una película de terror, puesto que así fue publicitada en su día. Aunque es cierto que tiene ciertas escenas que dan bastante miedo (la escena en la piscina es famosa), lo que el film relata el drama de una inmigrante cuya herencia cultural resulta ser (literalmente) una maldición que no es comprendida por el hombre a quien ama.

Esta aparente paradoja es típica de las películas de Val Lewton, a quien RKO le encargaba la producción de las películas de serie B (que eran las películas que se proyectaban en segundo lugar en un programa doble), con presupuesto ínfimo y reutilizando los decorados de las películas de serie A. Se suponía que debían ser películas de género, normalmente de terror, y así es como eran presentadas. El resultado, sin embargo, eran películas en las que los personajes eran de psicología compleja; en lugar del susto fácil, tenemos conflictos humanos en los que no hay buenos ni malos, sino gente con serios problemas personales. A pesar de los presupuestos limitados, Lewton supo rodearse de buenos buenos equipos que hacían que la factura de la película fuera tan buena como la de las películas más caras. En el caso de las dos películas que nos ocupan, fueron rodadas en los decorados de El Cuarto Mandamiento (The Magnificent Ambersons, 1942), otra película magistral.

La Venganza de la Mujer Pantera tiene ese título porque la RKO quería que estuviese claro que era una secuela y que tuviera un título impactante. El cartel de la película también engaña porque pinta la película como si fuera de terror. El título original de la película era "Amy and Her Friend," que refleja con mucha más fidelidad el argumento de la película. Amy es la niña protagonista de la película, interpretada por Ann Carter en una ejemplar actuación infantil. Es una niña distinta, sin amigos, e incomprendida por su padre, que sin ser autoritario se empeña en que se vuelva una niña normal, y le ordena que "haga amigos" (como si fuera tan fácil). Hasta que un día se hace amiga de una señora a la que sólo ella puede ver... pero que no es todo lo imaginaria de lo que sus padres creen. Y hasta aquí puedo leer.

Lejos de ser una película de terror, sino un cuento melancólico. Los personajes son mayormente femeninos, encarnando diferentes casos de soledad, incomprensión e aislamiento. Esta es otra de las razones por las que la película es memorable, es una historia protagonizada por mujeres, cada una representa diferentes modos de vida, que cada una más o menos ha elegido para sí misma buscando la felicidad, pero sin encontrarla la mayoría de las veces.

La Mujer Pantera y La Venganza de la Mujer Pantera son un excelente programa doble para el otoño. Mientras que la película original es fácil de conseguir en DVD, parece que la secuela está descatalogada en su versión castellana, y no parece haber versión en español latino. Como ya he dicho, podéis encontrarla íntegramente online. Si estáis interesados en adquirir las dos películas, tendréis que buscar el estupendo DVD estadounidense, con las dos películas, subtítulos en español comentarios y entrevistas.

Pósters Polacos de Películas: Una Manera Diferente de Publicitar Cine

Polonia tiene una larga tradición de pósters iconoclastas. Desde de los años 40 hasta finales de los 80, los diseñadores gráficos polacos hacían sus propias interpretaciones de las películas que se estrenaban en su país. Aparentemente la tradición continúa, aunque son pósters de edición limitada en lugar de publicidad. Algunos son mucho mejores que el original, otros son raros, y otros convierten una comedia ligera en una película de terror. Si os interesa, el tema, existe una base de datos con casi 7.000 pósters; y si hay alguno que os guste particularmente, podéis comprarlos online. He aquí algunos de mis favoritos.

La Guerra de las Galaxias (1978)

Alien, El Octavo Pasajero (1980)

Aliens (1987)

Cabaret (1973)

La Mujer del Teniente Francés (1983)

Aterriza Como Puedas (1984)

Dumbo (1961)

Golpe en la Pequeña China (1988)

El Resplandor (póster en edición limitada, 2007)

 Ser o no Ser (1962)

Tootsie (1984)

Memorias de África (1987)

Apocalipsis Now (1981)

Locuras de Verano (Summertime): La Anti-Comedia Romántica

Si Locuras de Verano (Summertime, 1955) se hubiera hecho recientemente, la habrían convertido en una comedia romántica en la que una quasitreintañera estadounidense viaja a Venecia para encontrar el amor, y después de muchas peripecias, lo encuentra. Por fortuna, esta película se rodó en Venecia a mediados de los 50 con Katharine Hepburn a la cabeza del reparto y David Lean como director. Es una película maravillosa, sin visos de comedia romántica tontorrona.*

En Locuras de Verano, Katharine Hepburn interpreta a una solterona que elige Venecia como destino para sus vacaciones, huyendo de su propia soledad. En lugar de ir con una agenda calculada, como otros turistas estadounidenses, ella gusta de perderse en la ciudad armada con su tomavistas.Y cuando el amor le sale al encuentro, no sabe cómo tomárselo, porque realmente sólo sabe estar sola.

La película está basada en una obra de teatro, pero aparte del diálogo y la actuación ciertas escenas, poco tiene de teatral. David Lean es probablemente el director que mejor sacaba partido a los rodajes en exteriores. Antes de rodar los desiertos de Lawrence de Arabia o las nevadas estepas de Doctor Zhivago, Lean nos mostró las plazas y canales venecianos para hacernos sentir que nosotros también estábamos allí. Es más que una postal, es un viaje en el que nosotros también callejeamos por los rincones de la ciudad. En ciertas partes de la película, la ciudad cobra vida a través de sus estatuas, que parecen observar y comentar las acciones de la protagonista.

Como en otras películas de Lean, es el espacio el que refleja las ansiedades y anhelos de la protagonista. La Hepburn está espléndida como siempre, como la secretaria triste y reprimida. Busca aventuras, pero también le aterran, así que está atrapada en su conflicto.

Summertime no es una comedia, aunque como ya dije parece que tiene la premisa de una comedia romántica. Es el drama de una mujer que no sabe sacarle partido a su vida, y son los edificios de Venecia los que le suspiran la razón de su tristeza. Una buena manera de rematar el verano que está a punto de acabar (el 22 de Septiembre).

* Hace poco se estrenó En la Boda de mi Hermana (When In Rome, 2009), que es un ejemplo de la comedia romántica mema a la que me refiero.

Los dibujos animados que no sabías que son japoneses

El término anime se refiere a la animación japonesa. Estos días algunos lo asocian a series un tanto frikis que ponen en algunos canales de televisión. El estilo nipón es fácil de reconocer: personajes cabezones y de ojos grandes, y en algunos casos acompañados de robots gigantes. O eso es lo que muchos piensan. De lo que no se dan cuenta es que llevamos toda la vida viendo dibujos animados japoneses, sin asociarlos con el anime. Y nos encantan. No lo niegues, tú también eres un poco friki.

Hay series que todos asociamos con el anime japonés: Bola de Dragón , Los Caballeros del Zodíaco, Mazinger Z y Campeones para los niños, Candy Candy y Dos Fuera de Serie (Juana y Sergio) para las niñas. Doraemon y el humor burro de Shin Chan para todos (esta última, a pesar de los horarios a los que se emite en España, no es una serie para niños). En otros casos te das cuenta cuando piensas un poco: Heidi y Marco, por ejemplo, son de las dos primeras series en las que trabajó Hayao Miyazaki (ahora venerado por películas como El viaje de Chihiro, El Castillo Ambulante y Ponyo en el Acantilado). Pero hay muchísimas más. En los 80 los estudios japoneses eran los más eficientes y baratos para hacer animación, y muchas productoras europeas encargaban las series a productoras japonesas.

Preparaos para la lista de series y para un ataque de nostalgia aguda, sobre todo si seguís los enlaces a las versiones de las canciones en castellano.

(Si os salen cuadraditos en algunos títulos, es porque el texto esta en japonés y no tenéis instalada las extensiones adecuadas.)

- Vicky El Vikingo (小さなバイキング ビッケ Chīsana Viking Bikke) : Una de las mayores sorpresas de mi vida fue ver figuritas recientes de Vickie el Vikingo en las tiendas de Tokio. Aunque la historia está basada en una novela para niños sueca, la producción es enteramente japonesa. La canción en japonés carece de la marcha de la versión europea y su "¡hey, hey, Vicky!" (era la misma melodía, que luego tradujeron a distintos idiomas).




- La Abeja Maya (みつばちマーヤの冒険  Mitsubachi Māya no Bōken). Otra adaptación de una novela infantil (en este caso alemana) que los japoneses convirtieron en el referente común de la mayoría de los niños europeos durante los años 70 y 80. La versión de la canción en japonés es muy sosa, sobre todo cuando todos nos sabemos la versión en castellano. Tampoco os perdáis la versión en español latino, que es bastante majeta.




- Ulises 31 (宇宙伝説ユリシーズ31 Uchū Densetsu Yurishīzu Sātīwan), estaba financiada en parte por la francesa DIC Internacional (la productora de El Inspector Gadget). El robotijo Nono es el típico robot ingenuo y mono que se puede encontrar en muchas series anime (un día de estos hablaré de mi obsesión por los tachikomas). Atención a la intro superochentona, que poco tiene que ver con la versión de la canción que se escuchaba en Europa.




-Sherlock Holmes (名探偵ホームズ Meitantei Hōmuzu), también tenía financiación europea, en este caso la RAI.  Esta serie era un pasote, una adaptación libre de las historias de Arthur Conan Doyle con toques de steampunk. Según la Wikipedia, en uno de los episodios Lestrade intenta suicidarse por su fracasada operación para atrapar a Moriarty (una manera radical de entender el honor en consonancia con la cultura japonesa); en España, el doblaje se ocupó de disimular el intento de suicidio. Para rematarlo, seis de los episodios fueron dirigidos por Hayao Miyazaki, justo antes de que se pasara a la producción de largometrajes animados con Nausicaä del Valle del Viento.
La cabecera japonesa es muy lírica y relajante, mientras que la versión castellana tiene una canción típica de las series de dibujos de los 80, grupo musical infantil incluido.



 

-El Bosque de Tallac / Jackie y Nuca (シートン動物記　くまの子ジャッキー Seton Dôbutsuki Kuma no ko Jakkī), otra adaptación de un relato para niños, en este caso del fundador de los Boy Scouts. Esta es una producción exclusivamente japonesa, de Nippon Animation para TV Asahi.
La canción está en español, pero si os fijáis veréis que el título y los créditos están todos en japonés.



- Ruy El Pequeño Cid (リトル・エル・シドの冒険, Little El Cid no Bôken). A pesar de que España cuenta con una larga tradición de animadores con talento, la historia del héroe épico castellano la contaron los japoneses. Don Quijote, sin embargo, sí es española. No he podido localizar un vídeo en versión japonesa, así que aquí está el vídeo en castellano para que os deis cuenta de las similitudes con series como Heidi.




-Nils Holgersson (ニルスのふしぎな旅 Nirusu no Fushigi na Tabi),. Al igual que Heidi, Vicky el Vikingo y La Abeja Maya, Nils Holgersson es una adaptación de otra novela sueca para niños. Para los que estáis más puestos en cuestiones de anime, algunos de los episodios fueron dirigidos por Oshii Mamoru, más conocido por las versiones cinematográficas de Ghost in the Shell. A falta de la versión en español de la cabecera, no os perdáis la versión japonesa con frases en inglés (o "japonglés" más bien).

- La Aldea del Arce (メイプルタウン物語 Maple Town Monogatari). Inspirada por los cuentos de Peter Rabbit, esta serie estaba producida por los estudios Toei Animation, que por aquel entonces también estaba produciendo Bola de Dragón y un poco más tarde Sailor Moon. La canción en la versión castellana tuvo cierta fama porque estaba compuesta e interpretada por Emilio Aragón y Rita Irasema.

-Belfy y Lillibit (森の陽気な小人たち ベルフィーとリルビット Mori no Yōki na Kobitotachi: Berufi to Rirubitto),. Probablemente muy pocos se acordarán de esta serie; de pequeña tuve una temporada obsesiva con los personajillos de Belfy y Lillibit y la canción de la cabecera, que era mucho más pegadiza en su versión castellana.

Hay muchas más series infantiles que también son producciones niponas; las aquí listadas son las que conozco mejor. Descubrí esto hace unos años, cuando empecé a buscar las series favoritas de mi infancia, y vi que todas eran japonesas. Conclusión: soy friki desde pequeñita, pero seguro que no soy la única.

Redescubre a Buster Keaton: Películas Online, Gratis y Legal

Continuando con la serie de recomendaciones de películas disponibles online, hoy os dedicamos a uno de los grandes del cine mudo hollywoodiense: Buster Keaton. Keaton era un cómico genial con cara de alcachofo, un atleta que combinaba la comedia con desafíos a los que los especialistas más experimentados no se atreverían ni de lejos. Once de sus películas están disponibles en el dominio público. Y lo que es mejor, dos de ellas son obras maestras del cine mudo que después de tantos años aún son entretenidísimas.

El Maquinista de la General (The General, 1926) es una espectacular película que tiene lugar durante la guerra civil americana, en la que los buenos son los confederados (que perderían la guerra), y que está inspirada en hechos reales. Considerada una de las mejores películas de la historia del cine, El Maquinista de la General tiene varias persecuciones con locomotoras espectaculares, y es famosa porque en el clímax de la película despeñaron una locomotora de verdad con el afán de hacer una película realista. Keaton, famoso por hacer sus acrobacias sin dobles, hace virguerías saltando de locomotora en locomotora.

El Héroe del Río (Steamboat Bill Jr.,1928) nos muestra a un Buster Keaton en plena forma, realizando algunas de las acrobacias más increíbles que se hayan visto en la gran pantalla, sin dobles y sin muchas medidas de seguridad. Además de ser una emocionante película de aventuras, también es una excelentísima comedia. La primera película del ratón Mickey, Steamboat Willie (1928), es una imitación de algunas escenas de esta película.

Aunque no sepáis inglés, no tenéis excusa para no ver estas películas, puesto que son mudas. La mayoría de la información se transmite visualmente y los intertítulos (los carteles, para entendernos) son escasos. Preparaos unas palomitas y disfrutad de las excelentes comedias de Buster Keaton.

Y si todavía no estáis convencidos, aquí tenéis un aperitivo con muchos de los mejores momentos de sus películas.

Scott Pilgrim vs The World: La Crónica

Salí muy decepcionada después de ver Scott Pilgrim vs The World (creo que en español será Scott Pilgrim contra el Mundo, se estrena en Octubre en España y en Argentina). La película lo tiene todo para gustarme: dirigida por Edgar Wright (Zombies Party / Muertos de Risa (Shaun of the Dead, 2004); Arma Fatal (Hot Fuzz, 2007), Scott Pilgrim es adaptación de un cómic con muchas referencias videojueguiles. La película está llena de buenas ideas, buen diálogo, es divertida... y sin embargo me ha dejado muy fría. Y es una pena, porque el trailer prometía mucho.



El fallo letal de la película es su artificialidad. Aunque por acá hay mucho crítico aviejado que le echa las culpas al estilo de los videojuegos, no es el caso. De hecho, las referencias a los juegos de 8 bits son lo mejor de la película. Lo artificial son los personajes, o más específicamente, las interpretaciones de los personajes. Me resultaba difícil creerme a estos personajes; Michael Cera tiene el carisma de una alcachofa y no soporta el peso de esta película. Es un blandengue. Las chicas, aunque están algo mejor, pecan también de caer en la caricatura.

No es de las películas en las que la gracia está en captar todas las referencias, que es algo típico del humor norteamericano. No hace falta saber mucho de videojuegos, ni haberse leído el cómic. Pero creo que son estas referencias lo que hace que a mucha gente le encante esta película. También apela a un tipo específico de frikismo (frikis norteamericanos de 25 a 35 años) que entiendo, pero con el que no siempre empatizo. Tengo la impresión de que la recepción en Europa será aún más fría que en EEUU, porque es un sentido del humor que no cuaja al otro lado del charco.

La frustración que siento después de ver esta película me ha hecho buscar inmediatamente uno de los capítulos de la serie de televisión Spaced, que también dirigió Edward Wright (no sé si se ha emitido en países de habla hispana). Spaced también está llena de referencias a películas, cómics y videojuegos, y tiene momentos caricaturescos; es la razón por la que me hacía ilusión ver esta película.  Los protagonistas de Spaced (interpretados por Simon Pegg y Jessica Stevenson, que también eran los guionistas) son de carne y hueso, entrañables y divertidos. Te los crees, y por eso cuando la serie se vuelve una feria de referencias a la cultura popular, entiendes la broma y la sigues.

En vez de ir a ver Scott Pilgrim, ved Spaced en YouTube ya mismo. Están disponibles las dos temporadas enteras, 14 capítulos de media hora (en inglés, no he encontrado subtítulos). También está llena de referencias a videojuegos, películas y cómics, también hay quitanovias y pagafantas, y tiene un estilo audiovisual ecléctico y rompedor. Spaced demuestra que no hace falta tener un gran presupuesto para llegar al corazón.

Los dibujos animados de Superman (1941-42) disponibles online

Tres años después de la publicación del primer cómic de Supermán, Max Fleischer creó varios cortos con el superhéroe de protagonista. En esos tiempos, Supermán sólo volaba en la cabecera (de aquí viene el "¿Es un pájaro? ¿Es un avión? ¡Es Supermán!", y era más rápido que las balas, más poderoso que una locomotora, y podía saltar edificios altos de un solo salto (en lugar de volar). Para nuestra fortuna, los 17 cortos están todos en el dominio público.

La elegancia de la animación por sí sola merece nuestra atención, aunque el mayor atractivo (creo yo) es como representan la ideología estadounidense de los años 40. Es fascinante ver cómo en 1942, una vez EEUU había entrado en la Segunda Guerra Mundial, la serie se convierte en propaganda de guerra. Los enemigos enseguida pasan de ser científicos locos a Japoneses y Nazis, y cualquiera que fuera extranjero. Por supuesto, nada puede vencer a los estadounidenses, porque tienen a Supermán de su lado.


El índice con todos los títulos de los cortos y links a nuestro querido Archive.org la podéis encontrar en la Wikipedia. Si no os apetece tener que andar bajando archivos, también están disponibles en YouTube, en una playlist que include todos los capítulos (aunque fuera de orden).

Y si ni siquera os apetece seguir los enlaces de arriba, aquí os pongo un par de los cortos más llamativos: The Mechanical Monsters, que también incluye una breve descripción de los orígenes del personaje y parte de la inspiración para la malograda Sky Captain y El Mundo del Mañana (Sky Captain and the World of Tomorrow, 2004); y Japoneurs, o cómo Supermán vence a los japoneses él solito.

¡Buen fin de semana!

¿No tienes tiempo para el cine? Películas en 5 segundos

Al igual que hay remakes de trailers muy chulos, también hay "resúmenes" de películas en 5 segundos. Todos son de coña, claro, y cuentan versiones muy especiales de las películas (ahí está la gracia del montaje).También hay versiones diferentes en español y en inglés (la versión original es muy fácil de entender). ¿Cuáles son vuestras favoritas?

Titanic (Castellano)


El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey (Inglés)


Spiderman (Castellano)


Toy Story (Español Latino)


Toy Story (Inglés)



Batman

John Ford pasaba de los cinéfilos sesudos

En 1971, Peter Bodganovich decidió hacer un documental sobre John Ford (El Hombre Tranquilo, 1952; Centauros del Desierto, 1954). Pertrechado con una lista de preguntas sesudas, aspiraba a descubrir los secretos del buen hacer del mítico director. Lo que no se esperaba es que Ford se cerrara en banda, y le diera respuestas de artesano más que de genio inspirado del cine. Las largas preguntas de Bodganovich reciben respuestas tajantes. La entrevista abajo incluida (con subtítulos en castellano) es para no perdérsela, dado que a John Ford le importaba un pito lo que este empollón creyera saber sobre el cine.



Bodganovich seguía la estela de los críticos de Cahiers du Cinéma que también se habían vuelto cineastas (Jean-Luc Godard, Eric Rohmer o Claude Chabrol), y probablemente esperaba emular el éxito de François Truffaut entrevistando a Hitchcock en El Cine Según Hitchcock (libro imprescindible para los cinéfilos, por cierto). Ya había trabado amistad con Orson Welles gracias a una serie de entrevistas, que aparecerían compiladas muchos años después en el libro This is Orson Welles.

No le tengo tirria especial a Bodganovich, aparte de la manía que tiene en aparecer en los extras de DVDs en los que no pinta nada. Gracias a su trabajo como periodista, Orson Welles dejó entrever su trabajo creativo. Pero siempre pecó un poco de listillo, y nunca supo buscarle las vueltas a sus entrevistados; a Welles mismo consiguió sacarle poco acerca de Ciudadano Kane. Bodganovich se encontró con la horma de su zapato gracias a John Ford: aunque a los cinéfilos nos pueda encantar teorizar y analizar películas, a veces los cineastas hacen su trabajo como artesanos, no como artistas.

Posters Minimalistas

Está de moda el rehacer pósters de películas famosas con distintos estilos. Los minimalistas son mis favoritos, y el estudio madrileño Hexagonall ha estado haciendo las rondas por internet con estas inspiradas reinterpretaciones.

Tron vs. Saul Bass, por Hexagonall

Dracula, versión Hexagonall

 La influencia de Saul Bass, uno de los diseñadores gráficos en relación con las películas, es evidente en series de imágenes como Lost vs. Saul Bass o Tron vs. Saul Bass Y por si ya no me gustaban lo suficiente, han rehecho los pósters de todas las películas de dos mis directores favoritos: Tim Burton y Tarantino. Os invito a que veáis el resto de imágenes en la página de Hexagonall: Film Posters y Film Posters 2.

Indiana Jones y la Última Cruzada,
parte de la serie Films in Black and Red
de Olly Moss.

El estudio madrileño no es único en esta moda: Olly Moss, diseñador gráfico británico, también ha diseñado pósters minimalistas no sólo de películas, sino también de Lost (de nuevo), y ha hecho versiones de portadas de videojuegos como si fueran cubiertas de libros publicados por Penguin en los 70. Sus series de pósters minimalistas se publican ahora cada mes en la revista especializada en cine Total Film.

Chungking Express: Las Buenas Películas que te has Perdido

Hace unos meses descubrí una pequeña película perfecta: Chungking Express (1994), de Wong Kar Wai. Una historia extrañamente romántica, en la que la melancolía es casi divertida y los corazones rotos se atraen para consolarse. Es difícil explicar el encanto de esta película: sus protagonistas sufren de las heridas del desamor, pero la película no es pastelona; no es un dramón pero no es una comedia; es gamberra, pero con estilo. El final feliz no es encontrar un nuevo amor, sino consuelo y simpatía. Es la película perfecta para los que sufren de desamores. La fama de esta película creo que ha sido eclipsada por otra película de Wong Kar Wai, la también excelente Deseando Amar (In the Mood for Love / Fa yeung nin wa, 2000), romántica y descorazonadora (un Breve Encuentro versión Hong Kong), y en mi opinión menos redonda que la película que nos ocupa.


Buena parte de la atracción de la película reside en su reparto, encabezado por Takeshi Kaneshiro y Tony Leung (también protagonistas de El Acantilado Rojo, y que no parecen haber envejecido en 16 años), y Faye Wong, a la que reconocerán los jugadores del Final Fantasy VIII como la cantante de la cursi Eyes on Me, y Brigitte Lin, otra estrella del cine chino.

La banda sonora de la película es minimalista y repetitiva pero con un buen motivo. El California Dreamin' de The Mamas and The Papas ilustra la extraña obsesión del personaje de Faye Wong, que se dedica a limpiarle el piso al hombre del que está enamorada a escondidas, y como buena obsesión, el tema se repite una y otra vez. El tema que toca otro par de veces como motivo de amor desencantado es el Dreams, pero en vez de los Cramberries, es la propia Faye Wong que lo canta en chino (y muy bien). Todo esto, con la preciosísima fotografía de Christopher Doyle y un montaje ágil y quebrado hacen de esta película un vídeo musical sentido y conmovedor pero lejos del melodrama.

Escrita a la carrera, y dirigida por Kar Wai como distracción a su épica china Ashes of Time (una película hipnótica y bellísima), Chungking Express es una brisa fresca perfecta para un verano caluroso como el que estamos pasando en el hemisferio norte.
Chungking Express está disponible online  para verla desde tu ordenador en Europa gracias a Mubi (si no es así, hacédmelo saber). No es gratis, pero no es caro (3 euros?). ¡Vedla ya!

Por si no os he convencido, aquí está el trailer japonés de la película (el que más justicia le hace, porque el resto son demasiado seriotes).

Celebra el cumpleaños de Hitchcock

Hoy es el centésimo undécimo cumpleaños de Alfred Hitchcock si estuviera vivo. Para celebrarlo, puedes ver alguna de sus películas. Aunque puede que algún supercinéfilo haya caído en la cuenta y colado una de sus películas en las parrillas de programación de la televisión de hoy, también podéis ver alguna de sus películas online, gratis y legalmente. La mayoría de estas películas son las que rodó en Gran Bretaña, con las que se forjó la reputación que le permitió trabajar en Hollywood.


Para los que le tengáis más miedo a la versión original en inglés, podéis ver alguna de sus películas mudas, que suelen contar la historia con imágenes y sin necesidad de mucho diálogo en los intertítulos. Hitchcock no sólo era el maestro del suspense, sino también de la narrativa visual, y sus historias siguen teniendo mucho gancho.


De sus películas mudas disponibles online, mi recomendación va para The Lodger: A Story of the London Fog (1927) (me mata el título en España, El Enemigo de las Rubias). The Lodger es la película más temprana de Hitchcock que se conserva entera, y la que él mismo consideraba su primera película de verdad. Es la historia de un falso culpable, perseguido por la ley, un motivo que se repetiría en posteriores filmes del director, como Falso Culpable (The Wrong Man, 1956), Con la Muerte en los Talones (North by Northwest, 1959), entre otras. El protagonista es Ivor Novello, que pronto se convertiría en un compositor de renombre en Gran Bretaña, hasta el punto que ahora da nombre a los premiso más prestigiosos de la música británica.

Mis dos recomendaciones dentro de la lista de películas de cine sonoro van para Alarma en el Expreso (The Lady Vanishes, 1938), una divertida película de suspense que saca mucho jugo al rodaje en un tren, y Los 39 Escalones (The 39 Steps, 1935), una buena adaptación de la novela de John Buchan que aún hoy sigue siendo trepidante.

No desdeñéis el resto de las películas disponibles, Hitchcock sólo hizo una película aburrida en su vida, y porque era mayor y estaba cansado de Hollywood (Topaz, 1969, me dormí dos veces antes de conseguir verla entera). Están, entre otras:

• Sabotage (1936), basada en la novela de Joseph Conrad El Agente Secreto.
• El Agente Secreto (Secret Agent, 1936), que a pesar de tener el mismo título que la novela de Conrad, es una historia totalmente distinta, con John Guielgud y Peter Lorre.
• La Posada de Jamaica (Jamaica Inn, 1939), con Charles Laughton y basada en una novela de Daphne Du Maurier, que también escribió Rebecca (la siguiente película de Hitchcock ya en Hollywood).
• Atormentada (Under Capricorn, 1949), que hizo ya en Hollywood con Ingrid Bergman y Joseph Cotten. Fue su segunda película en Technicolor después de La Soga (Rope, 1948)

¡Que tengáis un buen fin de semana en compañía de tito Hitch!

 Lista de las películas de Hitchcock disponibles en Archive.org


(Por cierto, en la lista aparece Daniel Boone, que no es una película de Hitchcock, se ha colado porque hay un tipo con el mismo apellido en el reparto.)

Perdidos (Lost): El Epílogo que necesitábamos

Hace unos días se "filtró" el epílogo de Perdidos (Lost) en la red, titulado The New Man in Charge. El vídeo completo ha sido retirado por la Disney, porque es uno de los extras del DVD, y ha sido reemplazado por un "teaser" (un aperitivo visual) que es el principio del vídeo.

Para los que hayan seguido la serie, este epílogo ata unos pocos cabos que se habían quedado sueltos al final de la serie. Y para los que somos fans de Michael Emerson (Benjamin Linus) y su inquietante actuación, es un regalito extra. En el vídeo completo se explica, entre otras cosas, por qué no nacen niños en la isla, qué pasó con Walt, de dónde vienen las provisiones, qué era la estación de Hydra, para qué era el sillón y la película que recordaban a La Naranja Mecánica, y cuál era la función de la estación The Lampost (¿El faro? No he visto la serie doblada, no sé). Y todo en 12 minutos.

El clip aquí abajo es sólo el principio, y tiene subtítulos cortesía de http://llegaronparaquedarse.blogspot.com/




Lost ha sido la única serie que he seguido "en directo" en los últimos años. Empecé a verla en DVD, y me enganché; creo que mi amor por los puzzles es la razón por la que me mantuve fiel a la serie, incluso cuando en la segunda temporada el argumento se fue por las ramas. Aunque no soy superfanática, he estado siempre a la última; gracias a la Lostpedia siempre conseguía saber de quién era quién y dónde había aparecido. El último capítulo de la serie me pareció una buena manera de cerrar la historia emocionalmente, aunque con respecto al argumento me sigue pareciendo que Damon Lindelof y Carlton Cuse hicieron un trampas y nos dejaron sin respuestas importantes. The New Man in Charge se encarga de explicar unas pocas cosas de manera clara y concisa, que era más lo que me esperaba del último capítulo de la serie. Los agujeros en el argumento seguirán ahí, pero también es la gracia de la serie; aún después de que se haya terminado, intentaremos solucionar este rompecabezas que probablemente no tenga solución.

Las crisis económica es buena para el cine de terror

 Dentro de la desastrosa situación económica en la que vivimos me quedaba una esperanza. Como aficionada al cine de terror, suponía de que gracias a la crisis tuviéramos mejores películas de miedo. Las crisis han sido un estupendo caldo de cultivo para hacer películas sobre las cosas que más miedo le dan al público.

Por ejemplo, la crisis de los años 30 dio lugar a películas como el Dracula de Todd Browning, Frankenstein (1931)y Bride of Frankenstein (La Novia de Frankenstein, 1936) de James Whale. A finales de los 60, cuando se cocía el intento de revolución social del 68, tenemos Rosemary's Baby (La Semilla del Diablo, 1968) o Night of the Living Dead (La Noche de los Muertos Vivientes, 1968). Más tarde, a medida que la crisis del petróleo de los 70 se agudizaba, tenemos cosas como The Exorcist (El Exorcista, 1973), Texas Chainsaw Massacre (La Matanza de Texas, 1974), y Jaws (Tiburón, 1975), por nombrar unas pocas.

¿A qué se puede deber esto? Mi teoría es que las películas de terror no dan miedo por que sí, sino que se basan en los temas que más miedo nos dan en un determinado momento. Hay artículos acad'emicos y libros a porrillo que interpretan diversas películas y subgéneros de terror de acuerdo con su contexto social.

Podría parecer que el género de terror está un poco de capa caída. En Hollywood se dedican a hacer remakes de películas de los 70 y 80 (Nightmare on Elm Street (Pesadilla en Elm Street) es la última, también han sacado versiones nuevas de Halloween y Texas Chainsaw Massacre (La Matanza de Texas)). Así que estoy un poco decepcionada.

O no. Probablemente [REC] sea la mejor película de miedo de los últimos 10 ó 15 años. (Y no me pienso dignar a ver el remake americano, porque todavía me dura el cabreo por que no estrenaran el original en las pantallas grandes de EEUU.) La secuela [REC]2 da un poco menos de miedo, pero se agradece el que no se limitaran a hacer más de lo mismo (y el final con puzzles dignos de un videojuego es un pasote). A este lado del charco, Paranormal Activity no está mal, aunque es difícil creerse a los personajes protagonistas (sobre todo a él, que es claramente un capullo desde la primera escena).

Si he de aventurarme a interpretar estas pelis a la luz de la crisis económica, la verdad es que es bastante fácil. (También es lo que hago todos los días en mi trabajo académico.) Tanto [REC] como Paranormal Activity, tienen como premisa que el horror ya está en casa, y que en cualquier momento se puede volver contra nosotros. El hogar se convierte en un enemigo del que no hay escapatoria, porque no se puede ir a ningún otro sitio. Si pensamos en que una de las pesadillas de la gente son las hipotecas, por las que el hogar se vuelve un infierno porque no se puede mantener (particularmente en España, donde no vale con darle la casa al banco para que se la queden como pago). Empezamos a ver un patrón. El argumento es más interesante si nos fijamos en la ola de J-horror (películas de terror Japonesas) de principios de la década del 2000, cuando Japón estaba atravesando su crisis hipotecaria. En estas películas, los protagonistas empiezan una nueva vida en una casa que al final se vuelve contra ellos (Ju-On, o Dark Water, por ejemplo). Si lo pensamos así, El Orfanato también tiene un argumento parecido (aunque a mí me sigue pareciendo un refrito de Los Otros, El Espinazo del Diablo y El Laberinto del Fauno).

La película que más abiertamente trata con los horrores de la crisis económica, y las hipotecas en particular, es Drag Me To Hell (Arrástrame al Infierno, 2009). La protagonista es una administradora bancaria, quien ha de volverse implacable ante los impagos de la hipoteca de una vieja gitana. El resto es lo mejor de Sam Raimi en 20 años.

Así mirado, a lo mejor tengo razón. Acabo de nombrar cinco películas de de los últimos 2-3 años que son realmente buenas. La mayoría españolas, donde la crisis económica está siendo desoladora. El miedo que uno pueda pasar en la sala oscura de un cine no es nada comparado con bregar con las crecientes deudas.

Plan Diabólico (Seconds): Ciencia-Ficción de Primera

Plan Diabólico (Seconds, 1966) es una imponente película de ciencia ficción desasosegante que ha envejecido muy bien. La premisa es la siguiente: ¿qué pasa cuando se tiene la oportunidad de empezar una vida nueva, con nuevo aspecto y nuevas posibilidades de vida? La respuesta es que quizá sería mejor no saberlo.

Tenía curiosidad por ver esta película después de que apareciera en la lista de las películas cerebrales de ciencia ficción. Era la única película de la lista que no conocía, y dado que a lista parecía salirse de lo habitual, e incluía películas  que venero como The Man in the White Suit, estaba muy intrigada por ver Seconds.

Dirige John Frankenheimer, director de películas como El Mensajero del Miedo (The Manchurian Candidate), Siete Días de Mayo, El Hombre de Alcatraz. Música de Jerry Goldsmith (una de sus primeras bandas sonoras) y títulos de crédito de Saul Bass (ahí es nada). Con un estilo visual que resalta la perversión de la historia, la narración deja huecos para dar lugar a más preguntas que respuestas, creando una creciente sensación de inquietud que se queda contigo hasta después que acabe la película. Parece más un capítulo magistral de The Twilight Zone que una película de Hollywood.

La película está protagonizada por Rock Hudson, que interpreta un papel al que el público no estaba acostumbrado, lejos de las comedias con Doris Day o los melodramones de Douglas Sirk. Probablemente su insistencia en conseguir el papel principal era algo personal: un protagonista que debe dejar atrás su vida, cuestionarse quién es, y transformarse en alguien que no es. Dado que Rock Hudson tuvo que ocultar su homosexualidad durante toda su carrera, llegando a casarse para guardar las apariencias, el papel de Mr. Wilson le venía como un guante. Según IMDB, éste fue uno de sus papeles favoritos.

Parece que este cambio de registro fue una de las razones por las que esta película no ganó mucho dinero en la taquilla. En Hollywood, lamentablaemente. no obtener beneficios significa que la película no es buena, así que Seconds cayó un poco en el olvido. Aunque no creo que vaya a obtener el reconocimiento que merece (es muchísimo más interesante que El Mensajero del Miedo, que es mucho más popular), los cinéfilos aficionados a la ciencia ficción la seguiremos reivindicando. No os la perdáis si un día de estos la ponen en la televisión.





Nota: todavía no he encontrado cuál es la mejor manera de poner los títulos de las películas, para incluir el título original y la traducción. Probablemente siga el modelo de Dirigido Por..., aunque queda el problema de que los títulos cambian de un país hispanohablante a otro. Tened paciencia, espero que se me ocurra una buena solución pronto.

Ver Cine Online, Gratis y Legal

Ir al cine se está volviendo muy caro, estés en el país que estés. Así que voy a empezar una sección de recomendaciones de películas que están disponibles online y gratis. Y lo mejor de todo, de manera legal. No son los últimos estrenos, pero pensar el que una película sea mala porque sea antigua es tener las miras un poco estrechas. Hay muchísimas películas maravillosas, muchas de ellas obras maestras, que están en el dominio público. Eso sí, todavía no he encontrado ninguna en español (si sabéis de algún ejemplo, hacédmelo saber), pero también es posible encontrar subtítulos (muchas de ellas son mudas, así que no hay que leer mucho).

La mayoría de las películas disponibles en el dominio público están en archive.org, en la sección "Moving Images: Feature Films." Los hay en diferentes formatos, para que los puedas ver en tu ordenador, la PSP o el iPod. Los archivos más grandes suelen verse mejor, aunque formatos comprimidos como Ogg Video consiguen que el archivo sea más ligero pero sin perder mucha calidad de imagen.

En general, archive.org está lleno de tesoros por descubrir. Sólo en la sección arriba mencionada hay como 2.000 películas. El objetivo de esta sección es servir de guía y seleccionar algunas de las mejores películas del archivo. Si encuentro otras películas online en otras fuentes que estén disponibles a nivel internacional, también las mencionaré en esta sección.

Una última recomendación: si queréis ver películas en vuestro ordenador, os recomiendo que tengáis VLC. Además de tener los códecs de vídeo a la última, es bastante fácil añadir subtítulos desde un archivo.

Editado: Las entradas posteriores recomendando películas concretas llevan la etiqueta "ver películas online."

Nueva música para 2001: Una Odisea del Espacio, versión orquesta de instituto

No sé de dónde habrá salido esta inolvidable versión de "Así habló Zaratustra," pero me da que es una orquesta con muy poco fuelle. Cerrad los ojos, e imaginad el principio de 2001: Una Odisea del Espacio... si es que podéis parar de reír.



Via FailBlog.

Postdata: Misterio resuelto. No es una orquesta de instituto, sino la Portsmouth Sinfonia, una orquesta donde el requisito para formar parte de ella es no ser músico, o si uno lo es, tocar un instrumento que sea totalmente nuevo. Empezó como una broma, y acabaron sacando cuatro discos (los dos primeros producidos por Brian Eno) y tocando el el Royal Albert Hall,

Aquí tenéis dos piezas más para vuestro deleite: la Overtura de Guillermo Tell (Rossini) y En el Salón del Rey de la Montaña de Peer Gynt  (Edvard Grieg).