Crónicas Cinéfilas

El Topo: Espías y Más Espías.

2011-12-21T12:00:00.000-05:00

Le tenía muchas ganas a la película de Tomas Alfredson, con un reparto sacado de mi lista de actores favoritos, a saber: Gary Oldman es George Smiley, acompañado de Tom Hardy, Benedict Cumberbatch, y Colin Firth entre otros. Recibida con muy buenas críticas, se veía muy prometedora, y los tweets de gente que ya la había visto destilaban entusiasmo. Un amigo mío, sin embargo, disentía violentamente con los críticos. Y después de verla, tengo que estar más con mi amigo que con la crítica: El Topo (Tinker, Taylor, Soldier Spy, 2011) es una película gélida, maravillosamente ambientada, con actores fantásticos, pero un guión un tanto patoso.

Esta nueva adaptación de la novela de John LeCarré (ya había sido una miniserie televisiva en los 70 con Alec Guinness) confía en el carisma de sus actores para crear los personajes. Supongo que siempre es un tema delicado el intentar la caracterización de un espía, quien precisamente vive de aparentar quien no es. Por un lado hay un problema de cantidad: los personajes se acumulan sin dar tiempo a conocerlos. También se resiente la calidad: el guión no nos da mucho a lo que agarrarnos emocionalmente, y cuesta empatizar con el repertorio que se pasea por las oficinas del MI6. Los actores resuelven la papeleta hasta cierto punto, porque parecen conocer a los personajes que interpreta. Pero esto no quita el aire gélido de la historia, y no es precisamente porque tenga lugar durante la Guerra Fría.

Esto resulta aún más evidente cuando aparecen dos personajes específicos: Kathy Burke, que ha envejecido muy mal, es la cansada voz de la razón, y la primera que se preocupa por Smiley a nivel personal. El remate llega el momento en el que Tom Hardy aparece en escena: en cuestión de un minuto, proporciona la emoción y la empatía que el resto de los personajes nos habían negado hasta ese momento, porque parece el único ser humano. (No me canso de repetirlo: ¡qué estupendo es Tom Hardy le pongan lo que le pongan!)

A los problemas derivados del amplio reparto se añade un argumento complicado, probablemente derivado de la novela (que no he leído). Si estamos hablando de una historia de espionaje (del de verdad, no las fantasías de acción a lo James Bond), se necesita un guión sólido, dónde se sepa quién es quién, de dónde viene la información y, sobre todo, por qué es importante. Al principio la intriga se sostiene con la trama, pero hacia el final con tanto nombre, pseudónimo, engaño, oficinas, información, países, cuando se descubre quién es el topo, no se sabe de dónde ha salido. (Cuidadín, el resto del párrafo frase destripa la película, seleccionad el texto por vuestra cuenta y riesgo). No hace falta ser un espía al más alto nivel para darse cuenta de que el culpable es el que más parecía ser una mala persona y es un traidor fuera de su trabajo. Lo que me llama la atención de la historia es cómo las claves de todo parecen tenerlas los personajes femeninos, pero son todas secundarias, y sin poder influir en los acontecimientos). La cara de una de ellas se oculta deliberadamente, y aún no sé si es porque se la quiere dejar de lado, o para indicar que es un peón más de la complicada partida de ajedrez.

Por otro lado, la película es un regalo a los ojos y los oídos. La película clava el look de los 70, como si se hubieran metido en una máquina del tiempo; Alberto Iglesias trae con su música el suspense que la enrevesada trama deja escapar por sus rendijas. Y ver a tanto actorazo junto siempre es un regalo, aunque un guión mejor hubiera permitido sacarles más partido. Lo mejor, el montaje final, a ritmo de Julio Iglesias masacrando "La Mer" en francés.

La Invención de Hugo: Un juguete con poca cuerda

2011-12-09T15:00:00.000-05:00

Martin Scorsese ha sacado película nueva, así que tocaba ir a verla, aunque con muchas reservas a costa del trillado trailer con que se anunciaba. Sin los gángsters ni Nueva York que son marca de la casa del director (la acción tiene lugar en París), La Invención de Hugo es una película con encanto prefabricado y previsible, con ciertos brochazos maravillosos que nos recuerdan que detrás de la cámara está uno de los mejores cineastas de la historia.

La película está basada en un cómic en blanco y negro, que en la versión cinematográfica se ha vuelto una paleta de colores basada en naranja y azulón (teal en inglés, xarxet en catalán), como se puede apreciar en la foto. Esta paleta ya se ha criticado por ser demasiado habitual en películas de acción y terror Hollywoodienses, porque se usa ya casi por defecto. Aunque en un principio esperaba que la paleta cambiara (y lo hace un poquito en la segunda mitad de la película), la manipulación digital de photoshop barato me ha puesto de mal humor. ¿Qué narices hace Scorsese imitando a Michael Bay?

El argumento es bastante previsible, con una tendencia irritante a enfatizar las metáforas en el diálogo ("¡eres como una máquina, estás roto y necesitas que te arreglen!"), y a hacer explícitos los motivos y los pensamientos de los personajes. En manos de otros, esto hubiera sido un bodrio, pero el reparto maravilloso en el que hasta los papelitos pequeños tienen un actorazo, la factura visual, y una hechizante banda sonora de Howard Shore salvan la historia, y hacen que la película merezca la pena. Bueno, Sasha Baron-Cohen y sus gracietas están un poco fuera de tono, pero puede llegar a ser tolerable.

La joyita escondida de La invención de Hugo se encuentra en la segunda mitad de la historia, en la que Scorsese escribe una carta de amor al cine mudo, en particular a las películas de Georges Méliès. Los ratos en los que nos lleva a las ferias donde se proyectaban las primeras películas, y nos muestra como se rodaban, nos transporta a un tiempo en el que hacer películas era cosa de magia, y poder verlas significaba caer en el hechizo del celuloide. Vemos películas que se hacen por amor al séptimo arte, no para arrasar en taquilla; de la misma manera, Scorsese brilla en sus homenajes a Harold Lloyd, a Buster Keaton, a Chaplin y a Méliès, mientras que el resto de la película parece más hecha por un director a sueldo. A ver si para la próxima le dejan un presupuesto más modestito a tito Marty, y así se nos luce como acostumbra.

Jim Henson, cineasta de vanguardia

2011-11-25T21:43:00.000-05:00

Hace un par de semanas tuve la oportunidad de visitar el Museum of the Moving Image en Nueva York, donde actualmente hay una exhibición dedicada a Jim Henson. Aparte de poder ver a Epi y Blas cerquita y de verdad, se estaban proyectando una serie de cortos y documentales en los que trabajó Henson. En la retrospectiva se destaca que sus comienzos fueron como diseñador gráfico, y que uno de sus primeros trabajos cinematográficos fue Time Piece (1966), un corto surrealista que sigue las peripecias de un hombre (el propio Henson), creando una melodía con cada acción. El corto obtuvo una nominación al oscar, probablemente bien merecida por el virtuosismo visual y rítmico de la pieza. Mejor lo veis en el vídeo de abajo.

Hace tiempo que caí en la cuenta de que los cortos que ponían para enseñar a contar a los niños tendrían su sitio en una sala de arte y ensayo como piezas experimentales. Y si no me creéis, echadle un vistazo a la canción del pinball para aprender a contar hasta 12; aquí tenéis la versión con todos los números en inglés. Seguro que se os pega la tonadilla.

Así, resulta que gracias a Jim Henson no sólo apredimos los colores, cerca y lejos, los números y las letras, sino que también estábamos viendo cine de vanguardia (aunque a muchos se les haya olvidado al hacerse mayores).

La Cabina: El horror de lo cotidiano

2011-10-31T12:39:00.000-04:00

Celebremos Halloween en español, con el mediometraje que más impacto tuvo en la cultura española de los 70: La Cabina (1972). Dirigido por Antonio Mercero y con guión de Mercero y de Jose Luis Garci, nos cuenta la historia de un hombre (Jose Luis López Vázquez) que se queda atrapado en una cabina de teléfono y no puede salir. Mercero siempre ha tenido mucha mano para calar en la conciencia colectiva española, como también demostró con las series Verano Azul y Farmacia de Guardia. En este caso, los horrores que evoca La Cabina traspasan las fronteras; en su día ganó un Emmy (uno de los pocos programas españoles en conseguirlo). Casi 40 años después, los 35 minutos que dura la película siguen dando escalofríos. Aquí tenéis la película íntegra.

(Si no habéis visto La Cabina, y no queréis que os estropee lo que pasa, no sigáis leyendo.)

Mercero afirmó que la historia no era una alegoría, aunque si admitió que se presta a muchas interpretaciones. A pesar de que no fuera su intención, resulta evidente por qué La Cabina tuvo tal impacto en España: vemos una crítica de una sociedad autocomplaciente, que en lugar de ayudar al hombre con problemas se mofa de él y lo considera un espectáculo. Si nos acordamos que todavía le quedaban cinco años a la dictadura de Franco, también se entiende el terror a ser secuestrado por una razón inexpicable y acabar tirado en una caja oscura, olvidado por el resto de la sociedad, y sin poder ni siquiera pedir ayuda.

Después de que este mediometraje se emitiera por televisión, y durante muchos años, la gente que tenía que utilizar las cabinas de teléfono ponía el pie entre la puerta y la jamba de la cabina de teléfono, para que no se cerrara.

Cuesta tomarse en serio los anuncios anti-piratería

2011-08-05T20:19:00.000-04:00

La industria internacional del cine ha lanzado una cruzada contra la piratería, incluyendo campañas para convencer a los consimidores de que piratear películas (o música, o lo que sea) es malo malísimo y te convierte en un criminal de cuidado. Lo peor es que algunos de los anuncios en cuestión estan un poquiiiito pasados de rosca, y cuesta un poco tomárselos en serio. Aquí tenéis un par de ejemplos.

En Japón, antes de que proyecten la película, ponen la advertencia que se ve en el vídeo de abajo. Como siempre, los japoneses se superan en originalidad y capacidad para decir cosas muy serias de una manera entrañable.

En los DVDs de Reino Unido ponían este anuncio, tan malo que parece una parodia. Nótese cómo en el vídeo se menciona que la piratería financia el terrorismo y amenaza nuestra vida diaria. La efectividad de este anuncio es bastante dudosa: en las copias piratas tendrán la cortesía de quitar esta chapuza, mientras que los que lo hemos comprado legalmente tenemos que aguantar el vídeo (que no te puedes saltar). No os perdáis la estrategia FUD que destila el anuncio.

Como ya saben los habituales de este blog, no hace falta recurrir a la piratería para disfrutar del cine. Hay muchas películas que ya estan online, gratis y se pueden ver de manera legal.

Super 8: JJ Abrams quiere ser Spielberg

2011-08-01T10:49:00.000-04:00

La cartelera veraniega está un poco desolada, así que he acabado viendo Super 8 (2011) en el cine al lado de mi casa. Aunque es entretenida y de buena factura, para los que hemos crecido con las películas de tito Steve, la película es previsible y formular.

Según IMDB, JJ Abrams quería rendir homenaje a las películas de Spielberg de los 70 y 80, desde Tiburón (Jaws, 1973), a Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind,1979), a E.T. El Extraterrestre (1982), así como a las películas que produjo en los 80. Y no hace falta que lo diga: desde la pandilla de niños que se enfrenta a circunstancias extraordinarias, a las familias monoparentales con problemas de comunicación que superan al enfrentarse a una crisis de exageradas proporciones. Tenemos un misterio terrorífico que se revela paulatinamente, en un pueblo del medio oeste americano en el que nunca pasa nada. Todo acompañado de una banda sonora que recuerda mucho a John Williams, pero que está compuesta por Michael Giachinno (uno de mis compositores recientes favoritos).

Abrams tiene muy buena mano para plantear misterios (sólo hay que ver la serie Perdidos (Lost, 2004-2010)). Es un director y guionista competente, pero le falta brío y sello propio. Quiere ser Spielberg, y para ello ha conseguido que Spielberg mismo produzca la película, pero no tiene una narrativa particularmente expresiva o llamativa. Spielberg también copiaba a los maestros (David Lean más que nadie) y es una enciclopedia cinematográfica andante. Abrams creció en Hollywood, y utiliza La Guerra de las Galaxias (Star Wars, 1977) como principal referente, y parece aspirar a hacer más de lo mismo. Bien hecha, entretenida, pero sin desafiar convenciones o tomar muchos riesgos.

Donde más se nota la diferencia con Spielberg es que el reparto principal, compuesto por actores en la temprana adolescencia, le falta un poquito de espontaneidad. Y aunque son todos muy buenos, en especial los protagonistas Joel Courtney y Elle Fanning, tienen un poquito de "niños Hollywood" que nada tiene que ver con el candor de Henry Thomas y Drew Barrymore en E.T. (1982), o del precoz Christian Bale, que aún pone los pelos como escarpias en El Imperio del Sol (Empire of the Sun, 1987). De todas maneras, los chicos tienen su gracia y su gancho; Cary (Ryan Lee) es un pirómano precoz muy divertido, por ejemplo. Pero también se ve el ramalazo de Abrams en el personaje de Charlie (Riley Griffiths), un aspirante a cineasta que rueda una película casera con la pandilla (de ahí el "Super 8" del título). Charlie tiene un vocabulario y una soltura inusitadas para un chico de su edad que vive en mitad de la nada (Ohio es muy grande), y con pocos medios. Habla como hablaría Abrams, que ha crecido entre cámaras gracias a su padre productor.

Mis objecciones son fruto de que me estoy volviendo un poco gruñona, pero he pasado un buen rato con la película. Es una buena razón para salir de casa, asustarse, reír y emocionarse acompañada/o de unas palomitas al refugio del aire acondicionado de la sala.

Woody a la francesa: Medianoche en París

2011-07-26T11:15:00.000-04:00

Hace un par de semanas estuve en Francia por trabajo y, peripecias de la vida, una semana después de callejear por París, me encontré viendo los mismos sitios en una pantalla de cine. Woody Allen vuelve a París 15 años después de Todos Dicen I Love You (Everyone Says I love you, 1996), sin números musicales pero con encanto y mucha clase.

Me he perdido las últimas películas de Allen desde Vicky Cristina Barcelona (2008), más por accidente que nada. Sus películas suelen durar muy poquito en las carteleras a este lado del Atlántico, los críticos y el público quieren poco a Woody Allen y no entienden su humor. Muchos por acá celebran Medianoche en París como su vuelta a plena forma, pero creo que nunca la ha terminado de perder. Es una película encantadora, pero que apela a una élite intelectual (y social) que a lo mejor no cala entre aquellos que no saben quién es Cole Porter o Gertrude Stein. Me ha gustado, pero es cierto que está lejos de las comedias estelares del director.

Hace años que Woody Allen se dedica a hacer películas sobre las desdichas de la gente rica, que como ya dijo en una entrevista, son iguales vayas donde vayas. Desde que ha descubierto cuánto le quieren en Europa, se dedica a rodar en Reino Unido, España o Francia porque le ofrecen financiación (esta película está producida con dinero español) y refugio creativo. Así que sus protagonistas son los mismos ricachones con crisis de diversa índole, pero con las Ramblas, el Soho o Monmatre como fondo. Igual que en Vicky Cristina Barcelona (2008) se notaba que las oficinas de turismo de Barcelona habían puesto dinero para que se vieran todos los sitios típicos de la ciudad, en Medianoche en París la película abre con las postales típicas parisinas (por cierto, los mismos sitios a los que mi amiga Natalia me llevo en mi fugaz visita a la Ciudad de la Luz).

Como cualquier película deWoody Allen, el reparto es estupendísimo. Owen Wilson encaja brillantemente en el rol del equivalente de Allen sin esfuerzo ni estridencias, su actitud es muy parecida a la que ha lucido en las películas de Wes Anderson en el pasado. Es un escritor Hollywoodiense de Hollywood que aspira a ser novelista, y se enamora de París y de su historia. Rachel McAdams es su prometida, pija hasta la médula; quizá intencionadamente, la química entre ambos es mínima. Michael Sheen está muy divertido en el papel de sabelotodo irritante, que parece estar pidiendo una lección de humildad. Del resto, lo más destacable son los intérpretes de los personajes históricos, como F. Scott Fitgerald, Hemingway, Picaso, Buñuel, y (el más divertido de todos) Dalí, interpretado por Adrien Brody con una grandilocuencia acorde con la del pintor de Cadaqués.

Medianoche en París es una oda a los artistas del pasado, así como a la preponderancia de la nostalgia como inspiración. Es una visión romántica de los orígenes del arte del pasado, y de la continua insatisfacción que pervade la creación artística, presentada como una fantasía que a lo mejor no lo es tanto. Tiene momentos muy divertidos, aunque la broma recurrente es saber quiénes son los personajes históricos que aparecen en la historia. En resumen, Medianoche en París es una delicia, quizás algo menos transcendente a lo que aspira.

Balada Triste de Trompeta: El horror, el horror...

2011-07-07T08:09:00.002-04:00

Después de muchas peripecias, por fin he visto Balada Triste de Trompeta (2010), la última película de Álex de la Iglesia. Rocambolesca y barroca, es una película incómoda a la vez que cautivadora. Está lejos de ser una película redonda, sus cualidades inclasificables han dividido a los críticos, pero los riesgos que ha tomado De la Iglesia para contar esta historia, tan retorcida como personal, hacen que merezca la pena el mal rato que se pasa.

El humor de Balada Triste de Trompeta es negro tizón, negro del que no se quita, negro tan negro que es incómodo y llega un punto en el que no tiene gracia. Desde mi punto de vista, es porque no es una comedia, sino una película de terror. La brillantísima secuencia de créditos iniciales lo deja claro: el montaje hace claros los paralelos entre los políticos, los religiosos, con los payasos y las figuras del cine de terror y fantástico. La imaginería fascista y católica es puntuada con una música para los pasos de semana santa. Es una historia de sufrimiento continuo y sus efectos devastadores. Es como si Michael Haneke se fuma un porro y se pone a contar la historia de España como si fuera una película de acción Hollywoodiense.

La parte más floja es la de los personajes, que se ven un tanto desdibujados. Javier (Carlos Areces) es de quien más sabemos, pero eso no nos ayuda a entender el porqué de su conducta (y su locura). Queda claro que és un imbécil, pero hasta los imbéciles pueden tener encanto (como ya nos ha demostrado otras veces De la Iglesia). Las contradicciones que motivan el triángulo amoroso de la película no parten de la naturaleza inconsistente del ser humano, sino de poner los personajes al servicio de un argumento que tiene menos importancia de la que parece. A veces parece que hay una metáfora entre escena y escena; Natalia (Carolina Bang) se divide entre el payaso político Sergio (interpretado por Antonio de la Torre) y el payaso religioso, Javier. El principal problema es una tendencia a forzar situaciones memorables, como los artistas circenses en una batalla luciendo sus trajes a un payaso psicópata armado con una metralleta, pero sin dejar que la psicología de los personajes avanze los eventos de la historia. El reparto, compuesto de los habituales del director, es lo que salva un poco los desvaríos argumentales. (Todavía no me he recuperado de oír a Manuel Tejada, galán español de los 80, diciendo "joder").

En España la película ha salido en DVD hace poco. En Argentina tiene que estar ya en las pantallas ; no he encontrado fecha de estreno en el resto de países hispanohablantes, En los EEUU nos tenemos que esperar hasta agosto para verla en pantalla grande, y aún y así su distribución será limitada.

Los títulos de películas y sus locas traducciones

2011-06-16T17:02:00.001-04:00

Los títulos de las películas no se traducen igual en todos los países de habla hispana. Una práctica común a ambos lados del Atlántico son los títulos que tienen poco que ver con el original, particularmente si es difícil traducir el título de manera concisa o coherente, o si hay alguna referencia cultural (Dial M for Murder se refiere a las letras del alfabeto que se asocian a los números en lo que era el disco del teléfono). Mientras que en los países latinoamericanos las traducciones tienden a ser más literales, muchas veces desafiando a la gramática, España sigue una larga tradición de traducir los títulos del francés en lugar del inglés, porque los franceses también traducen como les da la gana. Otras veces, en España ni se molestan en traducir el título, y lo dejan directamente en inglés.

Tened en cuenta que la traducción de los títulos es cuestión de márketing, no de lingüística. Cuando Disney estrenó Aladdin (1992), en España la promocionaron como "Aladdín" (con acento) en vez de Aladino, para así no tener que cambiar el logo en los muñequitos, pegatinas y otro merchandising.

Uno de los mayores dilemas de este blog es elegir la traducción de los títulos de películas, especialmente los títulos que vienen de EEUU. Aunque este blog está dirigido principalmente a España, porque es mi cultura y la que conozco mejor, no quiero dejar fuera a mis amigos latinoamericanos que visitan este sitio (que sois bastantes).

Como podéis ver en esta lista, los títulos macarrónicos tienen una larga tradición a ambos lados del Atlántico.

Dial M for Murder (1954)

Crimen Perfecto (España)
Con M de Muerte (Venezuela)
La llamada fatal (Argentina)

North by Northwest (1959)

Con la Muerte en los Talones (España), del francés La mort aux trousses.
Intriga internacional (Argentina / México / Uruguay / Venezuela)
Perseguit per la mort (Cataluña).

The Sound of Music (1965)

Sonrisas y Lágrimas (España)
La novicia rebelde (Argentina / México / Peru)

Seconds (1966)

Plan Diabólico (España), traducido del francés L'opération diabolique.
El Otro Señor Hamilton (Argentina)

Airplane! (1980)

¡Aterriza Como Puedas! (España)
¿Y Dónde Está el Piloto? (Argentina / Chile / Perú / Venezuela)

Raiders of the Lost Ark (1981)

En Busca del Arca Perdida (España)
Los Cazadores del Arca Perdida (Argentina / México / Perú)

Indiana Jones and the Temple of Doom (1984)

Indiana Jones y el Templo Maldito (España)
Indiana Jones y el Templo de la Perdición (Argentina / México / Perú)

Beverly Hills Cop (1984)

Superdetective en Hollywood (España)
Un Detective Suelto en Hollywood (Argentina / Perú / Uruguay)
(los títulos en español son los únicos que hacen referencia a Hollywood)

Home Alone (1990)

Solo en Casa (España)
Mi Pobre Angelito (Argentina / Mexico / Perú)

Dead Man Walking (1995)

Pena de Muerte (España)
Mientras Estés Conmigo (Argentina)

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

¡Olvídate de mí! (España)
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (Argentina / Chile / Perú)

Kick-Ass (2010)

Kick-Ass: Listo para Machacar (España)
Kick-Ass: Un Superhéroe sin Poderes (Argentina / México)

The Alamo Drafthouse: Prohibido Mandar Mensajes SMS

2011-06-11T16:02:00.000-04:00

Esta semana ha hecho las rondas en internet un vídeo en el que una cliente llamaba a un cine protestando porque la habían echado de la sala mientras estaba enviando mensajes de texto por su móvil. El cine en cuestión es una cadena en Texas, The Alamo Drafthouse, los cines preferidos de Tarantino y donde Robert Rodriguez estrena todas sus películas. Cada cine es un templo donde el cine es lo primero y para demostrarlo (y hacer publicidad), aprovecharon la llamada de esta cliente reclamando su derecho a utilizar el teléfono en medio de la película y la convirtieron en un anuncio.

Aquí tenéis el vídeo en inglés (la transcripción ayuda a entender lo que dice esta niñata; los que sepáis más inglés podéis apreciar como se mofan de su acento).

El anuncio ha sido recibido en su mayoría con aplausos por parte de los cinéfilos, aunque siempre hay unos cuantos imbéciles que reclaman su derecho a molestar a los demás. El cine lo advierte bien claro antes de que empiece la película: si hablas o utilizas el teléfono durante la proyección te echan sin derecho a reclamar; si alguen te está molestando durante la película, llamas al ujier para que echen a los elementos indeseables. De hecho, en lugar del típico anuncio pidiendo que apagues el móvil, en The Alamo Drafthouse ponían este corto del bocazas de Lars Von Trier, en el que se lía a martillazos con un espectador que quiere ponerse de cháchara en un teatro.

Las normas anti-energúmeno del Alamo Drafthouse no son lo único que hace estos cines un ejemplo de templo cinéfilo. Lo primero, porque puedes ir una hora antes para disfrutar de los extras que proyectan antes de que empiece la película, mientras ves el menú y te preparan la cena. Por ejemplo, cuando fui a ver Quemar después de leer (Burn After Reading, 2008), pusieron entre otras cosas un corto de los hermanos Cohen con Steve Buscemi, el vídeo de casting de un Brad Pitt adolescente para una película de terror, y una escena de El Retorno de los Tomates Asesinos (Return of the Killer Tomatoes, 1988) con otro jovencísimo George Clooney. Como aperitivo a El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 2007) proyectaron una extensa colección de trailers de Westerns de todas las épocas. Antes de Machete (2010), pusieron clips de películas de kung fu y colecciones de frases cliché de la historia del cine reciente. Cuando empieza la película, te traen silenciosamente tu cenita, que puedes ir comiendo mientras ves la película. Es el plan completo para pasar una velada cinéfila.

Pero no acaba ahí: además de organizar festivales de cine fantástico y de terror, también organizaron una serie de eventos especiales por todo EEUU, el Alamo Drafthouse Rolling Roadshow, en los que proyectan películas en los sitios donde tienen lugar: Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977) en el Devil's Tower en Wyoming, o Tiburón (Jaws, 1975) en la playa de Martha's Vineyard, con el público sentado en flotadores en el agua mientras buzos les tiraban de los pies de vez en cuando para dar más susto.

The Alamo Drafthouse es un ejemplo de cómo se puede montar un negocio basado en la cinefilia y el respeto a los espectadores. Es un templo friki en donde no sabes qué te espera. Hace un par de años, llenaron una sala para la proyección de Star Trek II: La Ira de Khan (Star Trek II: The Wrath of Khan, 1982) con una presentación de los guionistas de la nueva saga. Después de 10 minutos, la copia "se rompió", y apareció Leonard Nimoy con las latas de la última película, que así tuvo su estreno mundial de tapadillo, con un montón de cinéfilos devotos de la serie como testigos. Sin ser trekkie, se me ponen los pelos de punta cuando veo el vídeo.

Los cinéfilos del mundo envidian a Austin, Texas por tener una cadena de cines tan devota a la cinefilia y al frikismo.

¡Agáchate, maldito!: La maestría olvidada de Sergio Leone

2011-03-24T11:02:00.002-04:00

Cada vez que se da una lista de las obras maestras de Sergio Leone, se suele dejar fuera Giù la testa (¡Agáchate, maldito! / Érase Una Vez La Revolución / Los Héroes de Mesa Verde, 1971), y aún no encuentro por qué. Se reconocen siempre los méritos de la trilogía del dólar, cuando ¡Agáchate, maldito! es también parte de una segunda trilogía con Hasta Que Llegó Su Hora / Érase Una Vez El Oeste (C'era una volta il West, 1968) y Érase una vez en América, (Once Upon A Time In America, 1984). Esta es una de esas buenas películas que te has perdido, más que nada porque es una película ambigua, extraña y ni siquera se puede calificar como una película de género, porque tiene lugar durante la revolución mexicana.También probablemente tenga la culpa la existencia de varias versiones de la película, con diferentes títulos, y cada una con omisiones que impiden entender la historia. Afortunadamente, hace 6 años salió a la venta la versión completa en DVD, reconstruida a partir de las diferentes versiones de acuerdo con el montaje original.

Los protagonistas son Juan Miranda (Rod Seiger), el líder de una banda de bandidos compuesta por sus hijos y su padre, y Seán Mallory (James Coburn), un terrorista irlandés experto en dinamita. Si los personajes de los spaghetti westerns de Leone eran ambiguos, aquí tenemos a dos tipos quienes resulta algo difícil calificar de héroes. Miranda es un cobarde que sólo piensa en su propio provecho, que ignora que en su país está en medio de una revolución, mientras que Mallory es un fugitivo que ha acabado en una revolución distinta a la suya. Ninguno de los dos me resultaron particularmente simpáticos (particularmente Miranda), pero a medida que la película nos deja conocer a los personajes más, conseguí entenderles, sin que realmente se rediman. Mientras que se puede adivinar lo que motiva a Miranda, el personaje de James Coburn es un héroe romántico, ambiguo y oscuro; parece que ya no tiene nada que perder, y se apunta a luchar en la revolución de otros, porque la suya no le salió muy bien. (Y nadie le ha sacado partido a la cara de Coburn mejor que Leone.)

Lo más fascinante de ¡Agáchate, Maldito! es su interpretación de lo que es una revolución.

La revolución, la revolución. Yo sé muy bien cómo empieza. Llega un tío que sabe leer libros, y va donde están los que no saben leer libros, que son los pobres, y les dice: "¡Ha llegado el momento de cambiar todo, aquí hay que haber un cambio!." Y los pobres van y hacen el cambio. Luego, los más vivos de los que leen libros se sientan alrededor de una mesa, y hablan y comen, hablan, hablan y comen, y mientras ¿qué fue de los pobres diablos? Todos muertos.

Pero la película nos cuenta la historia paralela a lo que describe Miranda: los intelectuales (como Mallory o el doctor Viega) ciertamente la organizan y facilitan , pero la revolución en realidad no es una lucha de ideales, sino una serie de luchas individuales, con motivaciones personales. Miranda es un héroe por accidente, sus "hazañas" son actos egoístas que da la casualidad que benefician a la revolución de Emiliano Zapata. La revolución también es una serie de desigualdades: en los enfrentamientos no vemos ninguna batalla, sino un bando masacrando al otro, que apenas tiene oportunidad para la defensa.

También tenemos en esta película un Leone que experimenta con la cámara incluso más de lo habitual, con zooms setenteros, y cámara lenta en unos flashback oníricos; Enno Morricone cumple con creces con una banda sonora evocadora que parece revelar lo que piensan los personajes. Las explosiones en la película, que sirven para demostrar la habilida de Mallory como dinamitero, son espectaculares aún hoy (ya las querría el lelo de Michael Bay para sí). Y el México de Leone, como en otras ocasiones, se parece muy sospechosamente al desierto de Almería y a la sierra de Burgos.

Nunca me abandones: Dramón británico del siglo XXI

2011-03-18T09:31:00.001-04:00

La principal razón por la que fui a ver Nunca Me Abandones (Never Let Me Go, 2010) es por la combinación de Kazuo Ishiguro, autor de la novela original y de Lo que Queda del Día (The Remains of the Day, 1993), y el guión adaptado de Alex Garland, que además de haber escrito la novela en la que se basó La Playa (The Beach, 2000), ha sido el guionista más interesante con el que ha trabajado Danny Boyle en la pasada década (a saber: 28 Días Después (28 Days Later, 2002), y la infravalorada Sunshine: Alerta Solar (Sunshine, 2007)). El trailer era bastante intrigante, aunque también destripa el quiz de la historia. Si os gustan las películas en plan dramón británico, como las adaptaciones de E.M. Forster que hizo James Ivory, Nunca Me Abandones es la versión moderna de aquellas. No veáis ni leáis demasiado sobre la película; id al cine y dejaos llevar.

En los siguientes párrafos no desvelo mucho la película, pero a lo mejor doy demasiadas pistas. Avisados quedáis.

Presentada como un drama intimista, de período incierto, realmente una distopia de una realidad alternativa, aunque no resulta evidente. Nada revela la dirección artística, ni en el vestuario, ni en el lenguaje. Es la historia de un grupo de niños, cómo al crecer buscan una identidad que les ha sido negada. Un amor imposible por culpa de las circunstancias, en el que las causas quedan a medio explicar. Es desgarradora de primeras, y sinceramente perturbadora cuando piensas en el contexto semi-invisible de los eventos.

El reparto tiene a lo mejor de la nueva hornada de actores británicos, que se pueden comer Hollywood haciendo historias tontas, pero hacen estas peliculitas estupendas en su país: Carey Mulligan, Andrew Garfield, y Keira Knightley. La resignación y la mesura con la que viven su tragedia vital, sin estridencias, es una de los logros de la película; su sumisión resulta inquietante a posteriori.

La mayor pega que le puedo poner a la película es que al final queda algo fría, y le echo la culpa a la dirección y un poco a la fotografía. Visualmente parece un catálogo de moda de los 90 (¿Blueberry? ¿Cómo rábanos se llamaba la marca aquella?), con estilo pero diciendo muy poco. Se echa de menos un poco más del toque Merchant-Ivory, tratando los espacios con detalle y dando un poco de amor y magia a los paisajes. Le falta pulso, le falta engañar un poco más al espectador: hacernos creer que es una película de época, que se revela como distopia de ciencia ficción. Never Let Me Go tenía todos los ingredientes para convertirse en una de mis películas favoritas (¡dramón a lo British y ciencia ficción!), pero se quedaa medio gas. O quizás necesite verla otra vez, y dejar que la película repose un poco más.

No he leído la novela, pero como siempre dicen que es mejor. Ishiguro no me impresionó mucho con Lo que Queda del Día, pero pondré esta en la lista.

La ceremonia de los Oscar 2011

2011-02-27T23:38:00.002-05:00

Estoy siguiendo la ceremonia de los Oscar desde una minúscula habitación de hotel en el centro de San Francisco. Con el riesgo de que esta sea una entrada un poco desbaratada, aquí iré escribiendo mis impresiones mientras veo la ceremonia. Los premios de mi quiniela que acierte los iré poniendo en azul, para hacer la cuenta.

James Franco y Anne Hathaway son una pareja extraña para presentar los Oscar, pero parecen tener mas chispa que Steve Martin y Alec Baldwin el año pasado. Anne Hathaway es muy pizpireta, y James Franco parece un poco fumado, pero de momento los dos tienen cierta gracia.

Tom Hanks otorga dos oscars--espero que sea una indicación de que la ceremonia va a ser ágil y rapidita.

Kirk Douglas con todos sus años eclipsa a todo el mundo, y como es realeza de Hollywood, se puede permitir abrir el sobre y tener a la sala en vilo mientras cuenta sus batallitas antes de anunciar la ganadora de mejor actriz secundaria. La ganadora, Melissa Leo, suelta un "fucking" calculado para llamar la atención, en medio de un discurso que la presenta como una mujer ambiciosa pero fuera de lugar en esta ceremonia.

Aaron Sorkin recoge su cantado premio al guión adaptado por La Red Social, haciendo un homenaje al guionista de Network, Paddy Chayefsky (una película que está más vigente que nunca, a pesar de tener 35 años).

¡Qué alegría ver a Christian Bale subir al escenario! (y qué preparado se tenía el discurso).

Por lo visto, la historia de las bandas sonoras cinematográficas se resumen en John Williams, Maurice Jarre, y Elmer Bernstein por una partitura que era originalmente para un musical teatral. (Y me encanta que haya ganado una de mis partituras favoritas y más originales del año.)

Colleen Atwood recibe su tercer oscar por diseño de vestuario, y se dedica a leer malamente su discurso. Se supone que ya tenía experiencia.

La canción de Randy Newman para Toy Story 3 suena exactamente igual que sus otras canciones nominadas. Este hombre no compone, tira de fotocopiadora. La canción de Tangled también suena a típica baladita de Disney, porque Alan Menken también lleva muchos años repitiendo fórmula. La canción de la Paltrow es típica baladita de oscar. La rara es la canción de 127 horas, que es bien bonita. (¿Se nota cuál es mi favorita?). Y se lleva el oscar Randy Newman por más de lo mismo. Hace años que esta categoría es una broma. 4 canciones nominadas, y sobran 3...

Hillary Swank presenta a Katherine Bigelow (presentan a la presentadora de la presentadora del premio...). Y gana Tom Hooper, que ya me lo temía porque se había llevado el premio del sindicato de directores.

Como el año pasado, y para hacer la ceremonia más ligera, los oscar honoríficos los resumen y luego invitan a los premiados a que paseen el premio.

Odio, odio, odio como preparan a los nominados a mejor actor y actriz (y encima ahora lo han copiado en los Goya), aunque este año no hagan lo de tener a un actor para cada nominado. Es cursi, memo y vergonzoso. Sandra Bullock consigue hacerlo un poquito más ameno que de costumbre, y tiene su gracia, pero sigue siendo bastante incómodo de ver.

Olé tito Spielberg, y su lista de películas que han perdido el oscar de Mejor película (entre ellas, Toro Salvaje y Ciudadano Kane). Otra de las tonterías modernas de la academia. ¿Para qué tantas películas nominadas a la categoría mayor?

(Por cierto, han destripado esta noche tanto El Discurso del Rey como Valor de Ley. Manera de animar a la gente a ir al cine...)

La ceremonia ha sido un tanto sosa, el sentido del humor de James Franco parecía fuera de lugar, y los premios en su mayoría predecibles (he acertado 13 este año....). ¿Y a qué viene cerrar con un coro de niños? Vaya memez...

Otro día hablo de por qué El Discurso del Rey me recuerda a Carros de Fuego.

Mejor Película

The King's Speech

Actriz Principal

Natalie Portman, por Cisne Negro

Actor Principal

Colin Firth, por El Discurso del Rey

Actriz Secundaria

Melissa Leo, por The Fighter

Actor Secundario

Christian Bale, por The Fighter

Dirección

Tom Hooper por El Discurso del Rey

Guión Original

El Discurso del Rey

Guión Adaptado

La Red Social, de Aaron Sorkin

Película de Habla No Inglesa

En un Mundo Mejor (Dinamarca)

Película de Animación

Toy Story 3

Fotografía

Origen

Montaje

The Social Network

Dirección Artística

Alicia en el País de las Maravillas

Vestuario

Alicia en el País de las Maravillas

Banda Sonora

La Red Social, de Trent Reznor y Atticus Ross

Canción

We Belong Together, Toy Story 3.

Sonido

Origen

Montaje de Sonido

Origen

Efectos Especiales

Origen

Maquillaje

El Hombre Lobo

Documental (Largometraje)

Inside Job

Documental Corto

Strangers No More

Corto de Ficción

God of Love

Corto de Animación

The Lost Thing

Mi Quiniela de los Oscars 2011

2011-02-26T23:13:00.000-05:00

A medida que me vuelvo mayor me importan menos los Oscars, pero no quiero perder la oportunidad de comentar las películas nominadas este año, por lo menos las que he visto. Esta edición de los Oscar la veré por primera vez en la zona horaria donde tienen lugar, puesto que tengo que estar en California por cuestiones de trabajo. No me da mucho tiempo a pensarme la quiniela, y este año estoy menos puesta, así que a saber cuántos oscar acierto este año.

Lo que está claro es que ganan las películas más pequeñas, y que las grandes superproducciones, incluso cuando son buenas, como es el caso de Origen, no tienen mucho que ofrecer en cuestión de calidad. También es verdad que puede que los premios estén muy repartidos, dado que estas películas más pequeñas tienen que hacer campañas enfocadas a premios específicos. Si tengo oportunidad, escribiré otro artículo mientras veo la ceremonia.

Mejor Película
The King's Speech (porque es una de esas películas que le gustan a todo el mundo, si no, le tocará a La Red Social)

Actriz Principal
Natalie Portman, por Cisne Negro (además de bordarlo, también hace sus propios números de danza)

Actor Principal
Colin Firth, por El Discurso del Rey (otro que lo tiene todo para llevárselo: tartamudez, drama, and flema británica)

Actriz Secundaria
Melissa Leo, por The Fighter (se ha llevado el resto de los premios este año; una pena, porque me encantaría ver a la Bonham Carter subirse al escenario)

Actor Secundario

Christian Bale, por The Fighter (porque lleva siendo un actorazo desde pequeñito, y eso de perder peso y hacer de drogadicto pinta mucho)

Dirección
David Fincher, por La Red Social (aunque Aronofsky se lo merezca más. El director de El Discurso del Rey me tiene mosca, porque se llevó el premio del Sindicato de Directores)

Guión Original
El Discurso del Rey (la historia conmovedora del año, aunque el guión más original del año haya sido Origen)

Guión Adaptado
La Red Social, de Aaron Sorkin (porque Hollywood está deseando darle un oscar)

Película de Habla No Inglesa
Biutiful (porque las otras no me suenan, y a Bardem le deben haber nominado por algo)

Película de Animación
Toy Story 3 (aunque a mí me gusta más El Ilusionista, de la que hablaré pronto)

Fotografía
Valor de Ley (porque otra cosa no, pero cada fotograma es un poema)

Montaje
127 horas (aunque Cisne Negro también era un reto para el editor)

Dirección Artística
Alicia en el País de las Maravillas (porque el diseño visual era lo único coherente y llamativo)

Vestuario
La Tempestad, de Sandy Powell

Banda Sonora
La Red Social, de Trent Reznor y Atticus Ross (de lo mejor de este año junto con Daft Punk metiendo caña en Tron: Legacy)

Canción
If I Rise, de 127 horas (porque el resto suenan a típica canción de oscar)

Sonido
Origen

Montaje de Sonido
Tron: Legacy (era lo único que merecía la pena, junto a Daft Punk)

Efectos Especiales
Origen (esas persecuciones en el hotel ingrávido son inolvidables)

Maquillaje
El Hombre Lobo (que sería un truño, pero tenía a Rick Baker dándole al latex y las prótesis)

Documental (Largometraje)
Exit through the Gift Shop (porque Banksy está de moda, y si gana la va a liar)

Documental Corto
Killing in the Name

Corto de Ficción
Na Wewe

Corto de Animación
Day and Night, de Pixar (el único que he visto, y era una pequeña maravilla)

House: Una Casa Encantada Extraña y Terrorífica

2011-02-21T23:13:00.000-05:00

La crónica de hoy no tiene nada que ver con la serie de televisión que protagoniza mi adorado Hugh Laurie, sino con una terrorífica historia de fantasmas japonesa de 1977, con el título original en inglés House (ハウス (Hausu)). Después de que hayan pasado 33 años, la película está haciendo las rondas por festivales como el de Sitges y salas de arte y ensayo. Es la película de terror más extraña que haya visto, más incluso que Messiah of Evil. Es una historia de fantasmas mezclada con las típicas historias en las que chicas inocentes encuentran un truculento fin una detrás de otra. Recuerda a Suspiria, de Dario Argento o La Residencia, de Narciso Ibáñez Serrador. Y es una de esas buenas películas que te has perdido.

Lo que diferencia a House es el contraste de imágenes estilizadas e idealizadas con la crudeza y oscuridad de la casa, utilizando la artificialidad para explicar cómo las futuras víctimas viven en una felicidad de cartón piedra. No os dejéis engañar por trasnochados efectos de chroma key, porque no se necesitan ordenadores para dar miedo. El logro de esta película es que aspira a enseñarnos las retorcidas torturas y desmembramientos de las chicas, pero más como una historia de fantasmas que una película gore. Las extremidades flotantes son perturbadoras pero también irreales, porque la película intenta mostrar cosas que son incluso difíciles de explicar: la casa devora a sus víctimas una a una. Y aunque suene a que estoy destripando la historia, no llega a explicar las proezas narrativas de la película.

La alegría e ilusión de las protagonistas alterna con los horripilantes ataques de la casa, combinando una fotografía típica de la época (contraluces, atardeceres anaranjados, filtros difuminados, gasas que flotan al aire) y decorados multicolor con una casa cubierta de telarañas, oscura y amenazadora. El director, Nobuhiko Ôbayashi, tenía experiencia como director de anuncios publicitarios, e utiliza todos el repertorio de trucos visuales disponibles en los 70: desde dobe exposición a transparencias, efectos estroboscópicos, filtros de colores, y película blanco y negro. El montaje de la película resulta ecléctico, así como la banda sonora: una melodía fantasmagórica que se repite durante toda la película, con unas cancioncillas pop en inglés que lo que consiguen es hacer la historia más desasosegante.

Para los que estéis más al día en películas de terror y cultura japonesa, esta película parece un cruce entre la serie de anime Azumanga Daioh y Evil Dead. Cuenta con siete protagonistas y cada una representa un estereotipo: la glotona, la estudiosa, la inocente, la dulce, la guapa, la peleona y la chica con talento musical. (Por cierto, Love Hina y Azumanga Daioh también siguen este modelo, aunque en un género muy diferente.) Los cruentos eventos de la película casi (solo casi) dejan chicos a Evil Dead: con mucha menos sangre y tripas, pero más imaginación si cabe.

Es imposible explicar esta película. Aunque contara el argumento no resulta tan impactante como verla. Incluso el tráiler no llega a transmitir la maravillosa extrañeza de House, aunque sí da una idea de lo que se puede esperar de ella. Una historia de fantasmas que es una película de arte y ensayo.

Valor de Ley: Los Coen también saben seguir fórmulas

2011-02-11T17:30:00.001-05:00

Con el estreno de Valor de Ley (True Grit, 2010) en el Festival de Berlín, llega la última película de los hermanos Coen a las pantallas fuera de Norteamérica. A diferencia de lo que dicen otras fuentes, no es un remake de la película del mismo título con John Wayne, que fue la que le valió su único Oscar, sino una nueva adaptación de la novela que ya se adaptó en 1969.

Los Coen son un género en sí mismos, y sus películas son difíciles de clasificar; cuando se intenta etiquetar sus películas entre drama y comedia, nos encontramos con joyas como Fargo, o la injustamente olvidada Un Tipo Serio (A Serious Man, 2009). Incluso cuando se adentran en un género, consiguen transformarlo en algo diferente (véase Muerte Entre Las Flores (Miller's Crossing, 1990), o El Hombre que Nunca Estuvo Allí (The Man Who Wasn't There, 2001). Valor de Ley demuestra que los Coen también saben hacer una sobria película de género, en este caso el Western. Pero esa sobriedad también me ha dejado un poco fría. Valor de Ley es un Western crepuscular, fenomenalmente escrito, precioso de ver, con un reparto ejemplar. Sin embargo, le falta un poquito de corazón, así como un pellizquito del cinismo y la excentricidad de los Coen, que es lo que siempre me atrae de su cine.

Tener a Jeff Bridges haciendo el papel de John Wayne es un buen gancho, y más cuando su previa colaboración con los Coen fue haciendo de El Nota (The Dude) en El Gran Lebowski (The Big Lebowski, 1998). Da envidia lo bien que está envejeciendo Bridges, y los papelones que está añadiendo a su repertorio. Su interpretación de viejo vaquero alcoholizado, que está de vuelta de todos los peligros del oeste americano, es divertida y conmovedora, y también es donde se nota un poquito el ramalazo de los Cohen, puesto que tiene unos pocos momentos en los que actúa como si fuera El Nota 20 años más viejo. La verdadera protagonista de la historia es la jovencísima Hailee Steinfeld, que interpreta a la decidida y cabezota Mattie Ross, quien no ceja en su empeño de vengar el asesinato de su padre. El único reproche que se le puede hacer es que suena mucho más adulta de lo que debería hacer, pero eso también es culpa del guión (y es la gracia del personaje).

La película es un recital en todos los sentidos, pero también parece que los Cohen están haciendo una película de encargo. Incluso Crueldad Intolerable (Intolerable Cruelty, 2003), una de sus películas más Hollywodienses, tiene una clara marca de la casa más obvia que Valor de Ley. Probablemente tenga que ver con Steven Spielberg, que aparece como productor ejecutivo, y con que es obvio que está calculada para la temporada de premios. Merece la pena verla: una sobria película de los Coen es siempre mucho mejor que la muchas de las aspiraciones pretenciosas que decoran las carteleras.

Homenaje a John Barry

2011-02-01T21:18:00.003-05:00

El domingo se nos fue uno de los grandes compositores de bandas sonoras, John Barry. A muchos les suena el nombre gracias a las bandas sonoras de Memorias de África (Out of Africa, 1985) y Bailando con Lobos (Dances with Wolves, 1990), que eran calcaditas la una de la otra. Sus bandas sonoras de los 80 y 90 son magistralmente melosas, pero también hay que recordar que Barry fue el que creó el apabullante sonido de las películas de James Bond. Aunque no compuso el famoso tema, sí hizo los arreglos para que fuera memorable. Entre los temas legendarios que compuso para la saga de Bond están Goldfinger, y la maravillosísima You Only Live Twice. Como homenaje a Barry, aquí va mi tema favorito: los créditos iniciales de 007 al Servicio Secreto de Su Majestad (On Her Majesty's Secret Service, 1969).

Machete!!

2011-01-26T19:41:00.000-05:00

Machete es la primera película de la historia basada en un tráiler de sí misma. Cuando se estrenaron Planet Terror y Death Proof en EEUU en 2007, se proyectaban como un programa doble de películas de serie B. Para completar la broma, incluyeron una serie de tráilers falsos, algunos de ellos dirigidos por lumbreras como Edgar Wright y Eli Roth. Uno de ellos era Machete, protagonizado por el ex-presidiario Dani Trejo. La premisa de Machete era demasiado buena como para no hacer el resto de la película, así que Robert Rodriguez reclutó al director Ethan Maniquis para completar la historia. Además de reunir a los actores del tráiler, añadieron a gente como Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Robert DeNiro, Steven Segal, y Lindsay Lohan, para así hacerla más atractiva para las grandes audiencias.

El resultado es típico de la factoría de Robert Rodríguez: Más que un cóctel, es un mejunje de ideas, en las que la mala leche queda diluida por las huecas referencias a la serie B. A veces hay más esfuerzo por justificar ciertos planos del tráiler que en contar una historia. La mayoría de las escenas por separado son hiperbólicas y divertidas, pero todas juntas son un desmadre. Lo mejor que se puede decir de la película es que es bastante entretenida, y hace de la exageración cutre todo un arte. Para mí fue la película perfecta para ver en el Alamo Drafthouse en Austin (Texas), donde se rodó la película.

Quién sabe si Machete hubiera incitado a la rebelión de los immigrantes mejicanos (como se temían los ultraconservadores estadounidenses) si la sátira estuviera más enfocada, y se hubiera empeñado menos en enseñar todo lo que estaba en el tráiler original y más en decir algo con substancia. No estoy pidiendo que fuera una película seria, la sátira es una de las mejores maneras de criticar alto y claro (ver ¿Telefono rojo? Volamos Hacia Moscú (Dr. Strangelove, 1964)). La situación de los emigrantes mejicanos en EEUU (legales e ilegales) se merecía mucha más mala leche. Lo digo como emigrante a quien le cabrean mucho las burradas como las leyes en Arizona, y que piensa que Machete es una oportunidad perdida.

Aquí os dejo con el trailer de la película, versión Cinco de Mayo (día nacional de México).

Globos de Oro 2011

2011-01-16T23:33:00.001-05:00

Una de las ventajas cinéfilas de vivir en EEUU es que las ceremonias de los Oscar y Globos de Oro las puedes ver a la hora de la cena sin tener que pasa la noche en vela, como pasa en Europa. Lo malo es que tienes que aguantar montones de anuncios de maquillaje y champú. La ceremonia es rapidita y siempre es más relajada que los Oscar, aunque es el mismo tipo de paripé hollowoodiense de sonrisas forzadas y vestidos caros.

Este año el atractivo para ver la ceremonia ha sido Ricky Gervais, que con su humor británico y su mala uva se mofa de Hollywood en sus narices. El año pasado se lo tomó como la única vez que iba a presentarlo, y por lo visto, presentar a Mel Gibson como un beodo dio buenos niveles de audiencia, así que le han contratado de nuevo.Gervais atacó de nuevo con su vaso de cervecita y su humor incómodo, que sólamente ha podido capear con clase Robert Downey Jr. Robert DeNiro, al recibir el premio a su carrera, ha dado un discurso sarcástico, muy a tono con el humor del maestro de ceremonias. Finalmente, Gervais ha cerrado su intervención dando gracias a dios por ser ateo; en ese momento las cámaras no le enfocaban, pero se ha escuchado perfectamente, así que los realizadores ya se lo temían.

La tontería esa de que los Globos de Oro son la antesala de los Oscar tiene que acabarse, dado que hace muchos años que los resultados de uno y otro no tienen absolutatmente nada que ver. La ganadora ha sido La Red Social, una buena película pero lejos de ser tan innovadora como Origen o Cisne Negro. Los premios de mejor actor y actriz de película dramática estaban cantados: Natalie Portman por Cisne Negro y Colin Firth por El Discurso del Rey. La categoría de comedia este año era desoladora (que Alicia en el País de las Maravillas estuviera nominada es un claro síntoma de mediocridad); Toy Story 3 se ha llevado de calle el premio a mejor película de animación .127 horas no se ha llevado ninguna de sus 3 nominaciones, y The Walking Dead estaba nominada como mejor drama pero nada más. Aquí tenéis el listado completo de ganadores.

CINE
MEJOR PELÍCULA (DRAMA)
La Red Social

MEJOR PELÍCULA (COMEDIA)
The Kids Are All Right

MEJOR ACTOR (DRAMA)
Colin Firth, El Discurso del Rey

MEJOR ACTRIZ (DRAMA)
Natalie Portman, Cisne Negro

MEJOR ACTOR (COMEDIA O MUSICAL)
Paul Giamatti, Barney's Version

MEJOR ACTRIZ (COMEDIA O MUSICAL)
Annette Bening, The Kids Are All Right

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Christian Bale, The Fighter

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Melissa Leo, The Fighter

MEJOR DIRECTOR
David Fincher, La Red Social

MEJOR GUIÓN
Aaron Sorkin, La Red Social

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA
In a Better World (Dinamarca)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Toy Story 3

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL
Trent Reznor y Atticus Ross, La Red Social

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
"You Haven’t Seen The Last of Me", Burlesque

TELEVISIÓN
MEJOR SERIE (DRAMA)
Boardwalk Empire

MEJOR ACTRIZ (DRAMA)
Katey Sagal, Sons of Anarchy

MEJOR ACTOR (DRAMA)
Steve Buscemi, Boardwalk Empire

MEJOR SERIE (COMEDIA O MUSICAL)
Glee

MEJOR ACTRIZ (COMEDIA O MUSICAL)
Laura Linney, The Big C

MEJOR ACTOR (COMEDIA O MUSICAL)
Jim Parsons, Big Bang Theory

MEJOR MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TELEVISIÓN
Carlos

MEJOR ACTRIZ EN MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TELEVISIÓN
Claire Danes, Temple Grandin

MEJOR ACTOR EN MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TELEVISIÓN
Al Pacino, You Don’t Know Jack

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TELEVISIÓN
Jane Lynch, Glee

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TELEVISIÓN
Chris Colfer, Glee

Cisne Negro: La otra cara de El Luchador

2011-01-13T09:43:00.000-05:00

La última película de Darren Aronofsky, Cisne Negro (Black Swan), es una historia de obsesión por la perfección en el arte, impedida por la represión sexual y paulatina psicosis de la protagonista. Es una historia conmovedora y horripilante, en la que la locura poco a poco se apodera del cuerpo de la protagonista, de tal manera que resulta una historia digna de David Cronenberg pero algo más soportable para el público general.

Natalie Portman lleva el peso de la historia, bailando durante la mayor parte de ella y prestando gracia y constancia al personaje. Su logro es hacer que simpaticemos con un personaje que, interpretado por otra actriz, podría haber resultado repelente: una bailarina perfeccionista, frígida, ambiciosa y paranoica perdida. Consigue transmitir el esfuerzo y la dificultad de su trabajo. Es una de esas interpretaciones de libro que seguirá dando que hablar en los próximos meses. La Portman estará en la ceremonia de los oscar más que seguro.

Lo más curioso es ver esta película como complemento a El Luchador (The Wrestler, 2008), la anterior película de Aronofsky. Los protagonistas de ambas películas son artistas que trabajan con su cuerpo, uno con la lucha libre y la otra con la danza. Los dos buscan reconocimiento, el luchador porque lo ha perdido y la bailarina porque busca que su perfección sea reconocida. Para el luchador, su oficio le hace olvidar los fracasos de su vida; para la bailarina, sus problemas emocionales interfieren con su arte. Tendría que ver de nuevo El Luchador para establecer los paralelismos, que son bastante evidentes. (Spoiler para los que la hayan visto, selecciona el texto para leerlo: el plano final de ambas películas es muy similar, con un fundido a blanco)

Cisne Negro es perturbadora y fascinante, y probablemente acabe siendo un clásico, o por lo menos como un referente en las escuelas de cine. Aronofsky inventa su propio lenguaje y del proceso resultan imágenes y escenas memorables, sobre todo las que tienen que ver con la obsesión de la protagonista y su transformación en la bailarina estrella que desea ser. De una factura intachable, saldréis del cine con la música de El Lago de los Cisnes metida en la cabeza, tan obsesionados con la obra de Tchaikovsky como el personaje de Natalie Portman

Las películas más prometedoras del 2011

2011-01-11T12:40:00.000-05:00

Es época de hacer listas de las películas que hay que ver en el nuevo año. En vez de enumerar los títulos que menciona todo el mundo, mi lista incluye títulos un poquito más rebuscados, que probablemente no tengan amplia distribución, pero que prometen ser interesantes. Estas son las películas que, a priori, tengo más ganas de ver este año.

1- El Ilusionista (L'illusionniste) de Sylvain Chomet, del director de Bienvenidos a Belleville (Las Triplettes de Belleville, 2003). Esta película apela a dos de mis debilidades: está basada en un viejo guión que Jacques Tati (Las Vacaciones del Sr. Hulot (Les Vacances du Monsieur Hulot, 1953), Día de Fiesta (Jour de Fête, 1949) nunca llegó a rodar. Aunque es una película de animación, la acción ha sido transladada a Edinburgo, una de mis cuidades favoritas de todo el mundo y donde viví durante algo más de un año. El delicioso trailer y la immaculada factura visual, además de ver poder ver una versión animada de Tati que realmente le hace revivir, prometen una película llena de encanto. Aquí teneis el trailer en inglés

2- Tinker, Taylor, Soldier, Spy (no hay título disponible en español) está basada en una novela de John LeCarré, que ya fue llevada a la televisión con Alec Guinness como protagonista. Gary Oldman es el protagonista George Smiley en lo que parece una vuelta a papeles en los que puede lucir lo gran actor que es. Una historia de espías en plena Guerra Fría en la que Oldman tiene que descubrir quién de los maravillosos actores que forman el resto del reparto es un espía soviético, entre otros Tom Hardy (a quien tengo en mi lista de favoritos desde Bronson), Benedict Cumberbatch (el nuevo Sherlock), y Colin Firth (a ver si continua su racha después de El Discurso del Rey). Para ponerle la guinda al pastel, dirige Tomas Alfredson, que ya hizo la maravillosa Déjame Entrar (Låt den rätte komma in, 2008), que no hay que confundir con el innecesario remake hollywoodiense del año pasado.

3- A Dangerous Method, dirigida por David Cronenberg, quien ya de por sí es razón suficiente para ir al cine. La película cuenta las diatribas entre Sigmund Freud (Viggo Mortensen, que se ha convertido en el actor talismán de Cronenberg) y Carl Jung (Michael Fassbender, que parece estar en todos sitios este año), quienes se disputan el diagnóstico de una paciente interpretada por Keira Knightley. El guión es de Christopher Hampton, que también escribió la obra de teatro en la que se basa (The Talking Cure), y quien también escribió Las Amistades Peligrosas (Dangerous Liasons, 1988), Carrington (1995), El Americano Impasible (The Quiet American, 2002) y Expiación (Atonement, 2007). Cronenberg hurga en los traumas y retorcimientos de la mente humana como nadie, y siempre ha tenido sitio para explorar diferentes perversiones sexuales, así que su versión sobre los orígenes del psicoanálisis puede ser de todo menos previsible y remilgada.

5- The Rum Diary, dirigida por Bruce Robinson. Basada en una novela de Hunter S. Thompson (Miedo y Asco en Las Vegas), en parte del proyecto de Johnny Depp de llevar la obra del escritor al cine (por lo visto eran buenos amigos después de que Depp le interpretara en la película de Terry Gilliam). La irreverencia de Thompson siempre me ha llamado la atención, pero para mí el gancho de esta película es que es el mismo director / escritor de Withnail and I, una oda al alcoholismo inspirado y gamberro inspirada en su propia vida. Dado que el protagonista de The Rum Diary es un retrato ficticio de su autor, famoso por su amor a la botella y a experimentar con drogas, la vuelta de Robinson puede ser una de las sorpresas del año.

Esta lista no incluye títulos que se estrenarán fuera de EEUU en los próximos meses porque ya las he visto (e.g. Cisne Negro (Black Swan), o Valor de Ley (True Grit), Nunca Me Dejes (Never Let Me Go)) y pronto publicaré sus crónicas. Otras películas que también frecuentan estas listas ya tienen crónicas, como 127 horas o El Discurso del Rey (The King's Speech), porque para eso está este blog. También espero con impaciencia a que se estrenen por estos lares Balada Triste de Trompeta, de Álex de la Iglesia y Agnosia, de Eugenio Mira.

En menor medida, y porque una cinéfila no puede vivir sólo de 4 películas todo el año también tengo curiosidad por otros títulos que están en las listas más típicas de superproducciones que se estrenan este año: Thor (dirigida por Kenneth Branagh, a cuyas películas aún les tengo mucho cariño), The Green Hormet (Michel Gondry haciendo una película a lo Hollywood? Seguro que no), Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides (no sé si es morbo o sadomasoquismo, pero me gustaría ver qué han hecho con la novela de Tim Powers del mismo título, que ya inspiró el juego El Secreto de Monkey Island); X-Men: First Class (Brian Signer produce, Matthew Vaugh dirige la historia de los orígenes de Dr Xavier y Magneto, a ver si nos hacen olvidar el desastre que fue X-Men 3); The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn (Peter Jackson y Spielberg mano a mano, con un guión de Steven Moffat (Doctor Who y Sherlock), Edgar Wright (Scott Pilgrim contra el mundo), Real Steel (una vieja historia de The Twilight Zone escrita por Richard Matheson, ahora con efectos digitales y Hugh Jackman), y War Horse (la otra peli de Spielberg este año, dramón de libro de nuevo con Benedict Cumberbatch y Emily Watson).

También hay películas que ya tengo en mi lista negra y que no pienso perder el tiempo en ver. A saber: Transformers: The Dark of the Moon (paso de Michael Bay y de su manía de utilizar la cámara como una coctelera), Cars 2 (adoro y venero a Pixar, pero Cars era bastante floja y el tráiler de la secuela promete más mediocridad), y Cowboys and Aliens (o cómo desperdiciar a Daniel Craig y Harrison Ford con una premisa que podría ser interesante, pero que se ve bastante idiota en el trailer). Una ve de todo, pero prefiero emplear mi tiempo en descubrir joyitas de nuevos cineastas o de gente con menos currículum, que son los que nutren mi cinefilia.

El Discurso del Rey: El Discreto Encanto de la Monarquía

2011-01-04T17:55:00.002-05:00

La primera película que he visto este 2011 ha sido El Discurso del Rey (The King's Speech). La premisa se veía simpática (los problemas del Duque de York para hablar en público), y el reparto era bastante atractivo, todo presentado con un aire superbritish al que no me puedo resistir. El Discurso del Rey es encantadora; una de esas películas que son notables porque todos sus aspectos están en harmonía. Aunque puede que la película esté hecha para la temporada de premios, lo más destacable de su factura es la calculada modestia con que está hecha. Es una historia de superación personal, pero no presenciamos un milagro, ni personajes extraordinarios. De hecho, la clave de la película está en presentar a la familia real británica como una familia corriente, y las dificultades que tiene el Duque de York con un problema cotidiano que se vuelve inmenso dadas las circunstancias (ser un rey tartamudo es un papelón). Todo está hecho con mesura: un buen guión con comedia y drama en su justa medida, un reparto estupendo que sabe que no tiene que demostrar lo buenos actores que son, una narrativa audiovisual elegante pero sutil. En fin, da gusto ver una peliculita así para empezar el año.

El reparto está a punto de caramelo: Colin Firth lucha con su tartamudeo con la ayuda de un (casi sorprendentemente) comedido Geoffrey Rush; Helena Bonham-Carter se eleva a un nuevo nivel de rosa inglesa al interpretar a la Reina Madre misma. Como sorpresa (confieso que no había mirado mucho más el reparto) tenemos a Guy Pearce interpretando al Príncipe de Gales (¡cómo me gusta este hombre, vale para todo!), y a Derek Jacobi haciendo del gruñón Arzobispo de Canterbury. Michael Gambon es el rey Jorge V, y Claire Bloom es la reina consorte (los años que lleva esta señora al pie del cañón). Dos horitas de inglés posh (en versión original, claro), que harán las delicias de los anglófilos como yo y mi amigo Paco, a quien sé que le va a gustar.

Gracias, CNN+

2010-12-31T13:16:00.000-05:00

El martes a medianoche acabaron las emisiones de CNN+ después de 11 años en antena. Y es una putada. Era el canal que me permitía saber qué es lo que pasaba en España (y en el resto del mundo, porque si vives en EEUU las noticias internacionales son una broma). Era mi fuente de noticias en castellano, y aunque hay muchas otras fuentes de noticias en español en internet, a la que le tenía más cariño. Cuando llegué a EEUU era la única cadena española que se podía ver de manera fiable; el streaming no era público pero siempre se podía encontrar un enlace que funcionara. El día de los atentados del 11-M, que sentí muy cerca aunque estuviera en Boston, estuve al día de lo que pasaba gracias a CNN+. Escuchaba las noticias mientras hacía las cosas de la casa; me llevaba el portátil a la habitación donde estuviera y lo utilizaba como si fuera un transistor, echando un vistado de cuando en cuando. Gracias a la emisión 24 horas, podía enterarme de las noticias aunque fueran las 3 de la mañana en España. Las voces de los locutores, las musiquillas, y las promos me han hecho compañía todos estos años, porque me proporcionaban un vínculo con mi vida en España. Ahora que se ha acabado, estoy como un poco perdida y me siento un tanto desconectada.

Como cualquier fuente de noticias, CNN+ seguía una ideología. El objetivismo absoluto en las noticias no existe, pero se puede dar cabida a diferentes posturas. Gracias al buen hacer periodístico de CNN+, también había sitio para ideologías contrarias, había debates que incluían a gente que no estaba de acuerdo, pero que podían hablar sin tirarse los trastos a la cabeza. Estar al día era fácil porque las noticias se actualizaban cada pocas horas; con la adquisición de Telecinco llegaron más reportajes (y durante una temporada el Caiga Quien Caiga) y menos noticias habituales, pero la calidad no se resintió.

Desde aquí quiero dar las gracias al enorme equipo de CNN+ por su buen hacer durante tantos años, y mandarles un mensaje de ánimo, con la esperanza de que encuentren la manera de seguir haciendo periodismo que ha caracterizado a la cadena.

Lo más triste es que CNN+ cierra porque no era rentable. Es la misma filosofía que tienen aquí en EEUU: las noticias tienen que ser espectáculo para que la gente las vea, no información o servicio publico; no se puede pedir a la audiencia que piense. Dice mucho de los ejecutivos de televisión, pero también dice mucho de la mayoría de los televidentes. Por lo visto, el canal 24 horas de Gran Hermano tiene pinta de ser más rentable que las noticias actualizadas, el debate y la información que hace pensar. Ver los minutos finales de CNN+ te rompe el corazón, cuando ni siquiera dejan un segundo para que se vea le cartel que anuncia el fin de las emisiones y meten directamente el logo de Gran Hermano.

Aunque hay muchas fuentes para poder ver televisión española online, además de televisiones de habla hispana tanto por internet como por el cable de EEUU, la pérdida de CNN+ es irreparable.

Plácido (1961): Y que tengan ustedes una Feliz Navidad

2010-12-24T14:25:00.001-05:00

Tenía reservada para ver estas fiestas Plácido, de Luis García Berlanga, como mi homenaje póstumo y personal. Casi 50 años después de su estreno, la historia está a la orden del día: la clase obrera tiene que hacer malabarismos para pagar sus facturas, mientras que los ricos juegan a guardar las apariencias e utilizan la caridad como actividad social. Vivimos en una segunda era Berlanguiana, o a lo mejor es que nunca salimos de ella. Así que mi crónica navideña es un tanto gruñona.

Plácido Alonso (Cassen) tiene que pagar el primer plazo de su motocarro, y para conseguir el dinero tiene que conducirlo de aquí para allá. El tiempo se agota mientras que es testigo de una situación esperpéntica tras otra, siguiendo a Gabino (Jose Luis López Vázquez), que le ha prometido que le pagará y le ayudará a convencer al notario para que le deje pagar después de plazo. Plácido tiene que ayudar en un evento de caridad, en el que los ricos llevan un pobre a su casa para que cene con ellos en Nochebuena, pero que en realizad es una estrategia publicitaria de un comerciante de ollas exprés. Los pobres, los viejos, y la clase obrera son figurantes dentro del paripé y las aspiraciones vanas de los que tienen más. Como es típico de Berlanga y Azcona, es una película coral, aunque aquí tenemos dos bandos: los pobres y los ricos. Y en medio tenemos a Gabino, niño bien que intenta mantener las apariencias, pero que también es el único que medio intenta ayudar a Plácido y que trata a la gente pobre como personas (más o menos).

No me apetecen las cursiladas navideñas y los villancicos memos para celebrar las fiestas, porque hay mucha gente que lo está pasando muy mal, y las frases manidas suenan huecas. Mis mejores deseos navideños van para los Plácidos de todo el mundo, que luchan todos los días para salir adelante en un entorno social y económico que está hecho para aprovecharse de ellos.

Como dice el villancico al final de la película:

Madre, en la puerta hay un niño
Tiritando está de frío.
Anda y dile que entre,
Que calentará,
Porque en esta tierra
Ya no hay caridad,
Ni nunca la ha habido,
Ni nunca la habrá.

Feliz Navidad.

127 Horas: Atrapado en una Grieta

2010-12-22T17:44:00.002-05:00

ÑTengo cierta debilidad por las películas de Danny Boyle. Junto con David Fincher, es uno de los pocos directores que puede contar historias como si fuesen un videoclip. 127 horas (127 hours) es su siguente obra después de Slumdog Millionaire (2008). Lo mejor es que, en lugar de querer hacer una película con el tipo de presupuesto que puede pedir un director que ha ganado un oscar, Boyle nos regala una historia extraña y extrema, sobre un escalador que estuvo atrapado en una grieta del desierto de Utah durante cinco días, sin poder moverse porque su brazo se había quedado entre una roca y la pared de la grieta.

Si esta historia hubiera sido contada al modo de Hollywood, hubiera sido algo así como Náufrago (Cast Away, 1999), la película de Tom Hanks. Una historia en la que se nos explica la vida del protagonista durante un tercio de la película, luego sus aventuras solitarias, y luego casi otro tercio para mostrar las consecuencias. En Náufrago se inventaron un "personaje" para que Tom Hanks tuviera algo que decir, así que mientras está en la isla, se dedica a hablar al balón Wilson.

127 hours tiene pocos preámbulos, y empieza con el primer día de las peripecias de Aron Ralston, interpretado estupentamente por James Franco como un aventurero medio colgado y medio iluminado. Después de demostrarnos su espíritu aventurero, y de un breve episodio con otras dos escaladoras, un estúpido accidente marca el principio del calvario de Ralston. La mayor parte de la película tiene lugar en una grieta, con un espacio mínimo para mover tanto la cámara como el actor. Lo que es más, el diálogo es bastante mínimo, en su mayoría dirigido a la cámara de vídeo en la que Ralston graba sus diarios. Todo está basado en hechos reales.

Antes de ver la película tenía mis dudas de si se podía hacer algo interesante con un protagonista solo y atrapado en una roca durante cinco días. Sabía lo que había pasado en realidad (atención: spoilers), y me preguntaba cómo se podría hacer creíble el que alguien decida cortarse el brazo.

Y ahí está la mano de Danny Boyle, con un buen guión, magnífico montaje, y James Franco llenando la pantalla, para hacer de Aron Ralston un personaje fascinante y de su suplicio una epifanía. Lo mejor es que la película no es una hagiografía de Ralston, ni se le hace un superhéroe: esa sería la versión al puro estilo Hollywood. 127 hours nos hace simpatizar con el protagonista, estamos atrapados con él, pero su historia es de supervivencia y de perseverancia. Cuidado: los más sensíbles (y puede que también los más duros) probablemente paséis un mal rato al final. Pero merece la pena.

127 horas es bastatnte ecléctica, pero también transmite una alegría de vivir que podemos entender y compartir. Un golpe de aire fresco que nos promete que a Danny Boyle no se le ha subido el óscar a la cabeza, y con el que tanto él como James Franco ya están haciendo las rondas en las ceremonias de premios de estas temporada.

Adiós, Blake Edwards

2010-12-16T13:11:00.002-05:00

Anuncia Variety que hoy ha muerto Blake Edwards a los 88 años. Sin ser un revolucionario del cine, fue durante muchos años un estupendo director y guionista que nos dejó películas que siempre son una delicia revisitar, y que han envejecido estupendamente. También ha sido un director muy versátil, desde la comedia al drama. Aquí tenéis una breve lista de las películas que podéis ver esto días en su memoria.

Operación Pacífico (Operation Petticoat, 1958)
Desayuno con Diamantes (Breakfast at Tiffany's, 1961)
Días de Vino y Rosas (Days of Wine and Roses, 1962)
La Pantera Rosa (The Pink Panther, 1963)
La Gran Carrera (The Great Race, 1965)
Víctor o Victoria (Victor/Victoria, 1982)

Y para recordar a Edwards como el genio de la comedia elegante de los 60, aquí tenemos a Audrey Hepburn cantando Moon River, y la batalla de tartas de La Gran Carrera.

Sé que tiendo a escribir bastantes obituarios, creo que es la edad y el sentir que las figuras que siempre han sido referencia cinéfila en mi vida se van yendo poco a poco. Mi tía me llevó a ver Víctor o Victoria de pequeña, y aún le tengo cariño a la peliculita, que no es precisamente para niños...

The Walking Dead, Primera Temporada

2010-12-07T09:33:00.000-05:00

Acaba de terminar de emitirse la primera temporada de The Walking Dead en EEUU, con tan sólo seis episodios. Basada en un cómic que sigue publicándose, la serie ha tenido un casi inesperado éxito de audiencia, sobre todo porque resulta extraño que una serie sobre un apocalipsis zombi haya acabado siendo más popular que Mad Men, producida por la misma cadena. The Walking Dead es la historia de la desolación y desesperanza definitiva de la humanidad, causada por una epidemia que transforma a la población en muertos vivientes. Y los muertos que no descansan a veces demuestran que puede que les quede algo de humanidad, o quizás sea algo que los vivos quieren ven en ellos.

No puedo juzgar cómo es la adaptación del cómic porque no lo he leído (está en mi larga lista de lectura). Como serie de televisión, es francamente irregular: arranca espectacularmente, con momentos desgarradores y también con escenas con tantas tripas que no me explico cómo la emiten en un canal de televisión "en abierto" (network television que lo llaman aquí); luego hay bastante relleno, vuelve a remontar y conmover, para finalmente acabar como una película de acción Hollywoodiense idiota que poco tiene que ver con la premisa inicial, y que traiciona el espíritu de la serie. Merece la pena verla (si no os importan mucho la sangre y las tripas), aunque ya os advierto que la calidad varía bastante de capítulo a capítulo.

El éxito de la serie no es infundado. Es un drama apocalíptico en toda regla, que toma la epidemia y aplica sus consecuencias lógicas: la rápida desintegración de la sociedad, las secuelas psicológicas de perder a los seres queridos, del desarraigo, y de estar rodeados por la muerte. Creía que a lo mejor los zombis iban a repeler a muchos, pero al final tendré razón y parte del éxito de la serie se debe a que, en tiempos de crisis, las historias de horror resultan casi reconfortantes, y el apocalipsis zombi es definitivamente mucho peor que el terrible bajón económico.

Como nota personal, lo que me descoloca un poco es que la acción tiene lugar en Atlanta y alrededores, donde viví tres años. Así reconozco bastantes lugares que aparecen (en el centro de la ciudad, detrás del cuartel general de la Cocacola, y el acuario, entre otros), y que no han tenido que cortar muchas calles para rodar, porque Atlanta tiene pocos peatones. Pero dos otras cosas que no me cuadran. 1- En Atlanta no hay tantos autobuses, el transporte público es irrisorio. También faltan zombis superobesos, porque la cantidad de gente que se pasa de la XXL en Atlanta sí que es terrorífica.

Por lo que parece, la serie se está emitiendo en la cadena Fox en países de habla hispana (España, Argentina y México al menos), aunque creo que todavía no está doblada. Supongo que las cadenas se apuran a poner las series, aunque sea con subtítulos, para contrarrestar la efectividad y rapidez del P2P.

Todas las Cabeceras de las Series de Anime son Iguales

2010-12-03T18:07:00.001-05:00

Este montaje recoge momentos de 92 series de dibujos animados japonesas, desde mediados de los 80 hasta ahora. La gracia está en que es una lista de todos los clichés que utilizan en las cabeceras, y la verdad es que lo clavan. El vídeo tiene menos gracia si has visto pocas series anime, pero si eres un incipiente otaku hispanohablante te darás unas risas. (No os olvidéis de que todos somos un poco frikis y llevamos viendo animación japonesa toda la vida...)

El Arte del Trailer Subversivo

2010-11-26T09:50:00.001-05:00

El arte del montaje no sólo se refiere a las películas, sino también a los trailers, que tienen que contar de qué va la película para enganchar a la audiencia. Gracias a YouTube y a lo accesibles que se han vuelto las herramientas de edición profesionales, podemos disfrutar de trailers re-editados de películas, que cambian la percepción de la película a través del montaje, la música y los intertítulos. Así tenemos películas de terror que se convierten en comedias, y películas románticas que se convierten en thriller psicológico, entre otras cosas. Aquí tenéis algunos ejemplos.

El Resplandor (The Shining, 1980) de Kubrick se convierte en una comedia familiar. Mi trailer subversivo favorito.

Mary Poppins (1964)se convierte en una película de terror. Cuando lo piensas, la verdad es que Mary Poppins tenía un punto siniestro...

Algo para Recordar / Sintonía de Amor (Sleepless in Seattle, 1993) es un thriller en el que un viudo se ve perseguido por una mujer que está obsesionada por él.

La Red Social (The Social Network): ¿Cuánto valen tus amigos?

2010-11-24T09:05:00.000-05:00

Tengo una teoría sobre David Fincher: alterna truños con películas estupendas.* De momento, mi teoría se mantiene: La Red Social (The Social Network, 2010) es una historia sólida y bien contada, y aunque no me termine de llegar, da gusto ver películas así.

La Red Social trata con la paradoja de la vida de Mark Zuckerberg, co-fundador de la megared de redes Facebook: mientras que creó un sistema para ayudar a la gente a mantenerse en contacto (y a seguir sus páginas favoritas), Zuckerberg es retratado como alguien que tiene dificultades para hacer amigos y mantenerlos. El guión de Aaron Sorkin (El ala oeste de la Casa Blanca) consigue que esta historia, llena de decisiones de negocios, diseños de arquitectura informática y pleitos, sea interesante y, sobre todo, inteligible. Lo mejor es que no intenta dar demasiadas explicaciones sobre la conducta de Zuckerberg; las razones se intuyen pero sin dar explicaciones bobas. Consigue que una historia que, la verdad, me importaba poco, se vuelva algo instructivo e interesante.

Mi momento favorito de la película reúne el buen hacer de la narrativa visual de Fincher con la banda sonora de Trent Reznor (Nine Inch Nails) y Atticus Ross, que versiona el Peer Gynt de Edvard Grieg. Fincher tira de sus raíces de director de vídeos musicales para narrar una regata, acompañada de una version electrónica y distorsionada de In The Hall of the Mountain King.

La Red Social es más que un retrato de la historia de nuestro tiempo, es una película de época, aunque sólo hayan pasado seis o siete años desde los hechos que cuenta. Merece la pena.

* A saber: Alien 3(1992) = truño; Se7en (1995) = puro noir de los 90; The Game (1997) = truño; Fight Club (1997) = subversión a ritmo de MTV; Panic Room (2002) = truño; Zodiac (2007) = un thriller sobrio que no fue lo suficientemente reconocido; El curioso caso de Benjamin Button (2008) = un poco menos truño, pero bastante aburrida (y un remake encubierto de Forrest Gump (1994)). Por la misma teoría, The Girl With The Dragon Tattoo, la siguente película de Fincher, se avecina como truño (Hollywood no puede hacer una película lo suficientemente sórdida como las novelas, y las películas que ya se han hecho en Suecia son bastante buenas).

Sherlock: El Genio Vuelve a la Televisión

2010-11-20T12:26:00.002-05:00

La serie Sherlock es la puesta al día de las historias del famoso detective que recientemente produjo la BBC. Tres episodios de 90 minutos que constituyen de lo mejor que he visto en la televisión últimamente, y que no os deberíais perder (los lectores en España pueden ver el primer episodio en el canal TNT este fin de semana). La serie es mucho mejor que la versión que dirigió Guy Ritchie el año pasado, con auténtica frescura y modernidad, de la que Hollywood sabe muy poco. Como aquélla, Sherlock no es una adaptación de las historias de Arthur Conan Doyle, sino nuevas aventuras inspiradas en los personajes del escocés.

Lo primero que me encantó de la serie es el diálogo: ingenioso, exacto y ágil. Holmes está dibujado con precisión milimétrica como un "sociópata integrado," y su genio es palpable. También son evidentes sus pataletas, su falta de empatía, y su fascinación por los desafíos intelectuales. Watson, auque sigue siendo el contrapunto serio, también tiene su puntito transtornado, aunque bien disimulado. Los dos están interpretados por Benedict Cumberbatch, a quien Sherlock le sienta como un guante, y Martin Freeman, que interpreta al Watson más inteligente y desafiante que haya visto. (También es el nuevo Bilbo en la película de Peter Jackson, el caso de cásting más perfecto de los últimos años.)

Los responsables de la serie son los productores Steven Moffat y Mark Gatiss. Moffat también es el responsable del éxito de las nuevas temporadas de Doctor Who, así que habrá que nombrarle experto en revivals. El primer episodio, "A Study in Pink", está escrito por Moffat y Gatiss firma el tercero, "The Great Game"; ambos episodios son apabullantes. El segundo episodio, "The Blind Banker", sin ser malo, tiene menos garra y es un poco más trillado, pero el bache se debe más a la calidad de los episodios entre los que está. El ejercicio que llevan a cabo estos episodios me recuerdan a lo que hizo Alan Moore en League of Extraordinary Gentlemen (los cómics, por favor, no la espantosa película): los guionistas comprenden las historias y los personajes originales, y los hacen suyos en historias fascinantes.

Ya sabéis que soy un poco purista, y que prefiero la versión original. El doblaje al castellano parece medio decente, aunque la traducción me preocupa un poco: "high-functioning sociopath" no es "sociópata con muchas habilidades" como dicen en el tráiler, sino "sociópata bien integrado (en la sociedad)". Aquí tenéis el tráiler de la BBC; si podéis verla en V.O. no perdáis la oportunidad.

(Otro día hablaré del Sherlock Holmes de Miyazaki, que ya apareció en la lista de series de dibujos animados que no sabías que son japonesas.)

Recordando a Luis García Berlanga

2010-11-13T10:31:00.001-05:00

Hoy ha muerto uno de los cineastas españoles más importantes, Luis García Berlanga. Durante 50 años de carrera, nos regaló historias que revelaban lo absurdo de sociedad española, haciendo virguerías para evitar los cortes de la censura durante la dictadura de Franco. Berlanga retrató España con la ayuda de guionistas como Rafael Azcona y Juan Antonio Bardem, utilizando la comedia poder digerir las diferencias de clases y el sinsentido de las aspiraciones sociales de los españoles.

Berlanga es una institución en España, donde la canción de Bienvenido Míster Marshall es parte del patrimonio cultural. Desafortunadamente, sus películas no tuvieron tanto eco fuera del país, quizás porque su mayor preocupación era retratar a la cultura española. Pero no os engañéis, la sátira berlanguiana se exporta bien a otros países, incluso después de todos estos años. Así que me gustaría animar a los lectores de Latinoamérica a descubrir el cine de Berlanga. empezando por Bienvenido Míster Marshall, y pasando por la maravillosa Calabuch, la ácida Los Jueves, Milagro, y los retratos de la clase obrera española en Plácido, El Verdugo y La Escopeta Nacional; Berlanga también contó su versión de la guerrra civil española en La Vaquilla. Hace no mucho me dio por un ataque Berlanguiano (adquirí una colección de DVDs de sus películas la última vez que estuve en Madrid), y me di cuenta de lo bien que su obra ha aguantado el paso del tiempo.

Siempre recordaré la historia que contó Berlanga sobre la censura española, cuando los censores vetaban los guiones incluso antes de rodar. Obligaron a Berlanga a quitar lo que era, literalmente, un "plano general de la Gran Vía." No había descripción, y a los censores les dio mala espina porque, conociendo a Berlanga, supusieron que podría enseñar a dos obispos saliendo de un cabaret o algo así.

Si queréis saber más sobre Berlanga, podéis leer los especiales sobre el director en El Mundo y El País. Personalmente, mi recuerdo de Berlanga será haberle visto con Jose Luis Borau tomándose un café en la Fnac de Madrid. Gracias, Míster Berlanga.

Las estrellas de Hollywood se vuelven locas en los anuncios japoneses

2010-11-05T09:19:00.001-04:00

El tirón de la gente famosa en la publicidad es bien conocido, así como las millonadas que les ofrecen a las estrellas de cine para que su nombre se asocie con una marca comercial. Cuando los contratos publicitarios vienen de Japón, incluso los más reacios a aparecer en anuncios, como Harrison Ford, no tienen ningún reparo en anunciar lo que se tercie. También están mucho más dispuestos a hacer el ganso repetidamente (lo que nos da una pista sobre el dineral que les deben pagar). Aquí tenéis una selección de los anuncios más locos a los que se han prestado, Swarzenegger, Nicholas Cage o Quentin Tarantino.

Arnold Scharzenegger anuncia una cerveza que le pone a mil.

Nicholas Cage está loco por el Pachinko (el equivalente japonés a las máquinas tragaperras).

Tarantino se viste de samurai y chapurrea japonés que da gusto para anunciar una compañía de teléfonos...

... y luego se pelea por un mando a distancia para ver televisión por satélite.

Messiah of Evil (1973): La pesadilla que no conoces

2010-10-29T08:52:00.000-04:00

Como Halloween cae en domingo este año, podemos dedicar el fin de semana a las historias de miedo. Messiah of Evil es una película setentera que posee una imaginería perturbadora y surreal, con fotografía de un catálogo de modas y decoración de los 70 y ecos de H.P. Lovecraft. Lo mejor es que es una de las películas que podemos descargar gratis y legalmente de la red.

La premisa es la siguiente: una mujer viaja a el pueblo costero donde vive su padre, quien en sus últimas cartas parecía indicar que había contraído una enfermedad. El lugar parece un tanto deshabitado, y la gente con la que se encuentra son un tanto extraña. Al caer la noche, las calles se vuelven más animadas... y peligrosas.

Messiah of Evil es un cruce de La Noche de los Muertos Vivientes (Night of the Living Dead, 1968) con David Lynch, con las paulatinas pérdidas de cordura que nos encontramos en las historias de Lovecraft. Algunas de las imágenes son realmente memorables, nunca porque enseñen tripas o demasiada sangre, sino por la extrañeza e inquietud que transmiten. La película crea la sensación de que el espectador está atrapado en una pesadilla, gracias a una fotografía y montajes surreales. El único problema de la película es también el producto cineastas que acababan de salir de la universidad, y entre todas las referencias y homenajes, ponen a una protagonista y tres personajes que parece que se han escapado de una película de Antonioni. Los protagonistas son una panda de post-hippies, que se creen la pera, pero que son pura pose y están huecos por dentro. (Le tengo un poco de manía a Antonioni...)

La película también se conoce como Dead People, y está escrita y dirigida por Willard Huyck y Gloria Katz, guionistas de American Grafitti (1973), Indiana Jones y el Templo Maldito (1984), y (para su deshonra) Howard el Pato (1986). Esta obra demuestra que apuntaban talento, aunque probablemente trabajar a la sombra de George Lucas les haya hecho caer en el olvido.

Por lo que parece que no se estrenó en países de habla hispana, así que gracias a la Red tenéis la oportunidad de ver una película de cuasi-culto. Lamentablemente, la copia que está disponible en el dominio público utiliza pan-scan (es decir, la imagen está recortada a los lados), y no he encontrado subtítulos, pero aún así, merece la pena.

Si todavía no te he convencido para que te descargues la película, gratis y legalmente, de archive.org, échale un vistazo a este fragmento de la película (si te atreves...).

Y si no te gusta el terror y pasas de Halloween, puedes leer mis otras recomendaciones de películas que puedes ver online, gratis y de manera legal.

Acción Telugu: Risas y espectáctulo desde la India

2010-10-09T11:03:00.001-04:00

Hace unos meses hizo las rondas un vídeo con el título "Los Peores Efectos Especiales", un fragmento una película de acción india, que mezcla la acción hyperbólica imitando a Michael Bay con un presupuesto limitado, dando como resultado una opereta increíble y barata. El momento álgido es el derrape de un caballo bajo un camión; . Lo que tenéis que ver es la persecución completa, que no tiene desperdicio. (Si os fijáis, el pobre caballo derrapando no es de cartón, sino de verdad y con las piernas atadas).

Investigando un poco, me he encontrado que la película es India, no es una película de Bollywood. La película viene del sureste de la India, de la región de Andhra Pradesh. Bollywood está en Bombay, mientras que en esta región tienen Tollywood, por ser la industria cinematográfica en el idioma Telugu, el dialecto más hablado en la India. Las películas hechas en Telugu también tienen canciones y coreografías, humor vulgar, mezcladas con escenas de acción "espectaculares", pero sin el presupuesto necesario. Este género de películas son famosas por sus escenas de acción que desafían a la física y a la lógica. Son como las películas de Mariano Ozores en los 80, pero con coreografías multitudinarias y escenas de acción a lo bestia.

El vídeo de arriba pertenece a la película Alluda Majaka (1995), dirigida por E.V.V. Satyanarayana. Aparte de los efectos especiales baratos, es una película controvertida por desafiar los valores familiares de la India (el protagonista flirtea con su suegra); fué repetidamente censurada y protestada por diversos grupos feministas, políticos y críticos de cine. El protagonista es Chiranjeevi, uno de los denominados Megastars indios, y famoso por su poco talento interpretativo y sus películas de acción esperpénticas. Para que veáis el disparate que es, aquí podéis ver otro clip de la misma película, aunque no lo parezca, con el héroe de bailando y cantando alegremente.

Otro famoso actor Telugu es Nandamuri Balakrishna, que tiene un carisma que repele a las balas, como podemos ver en este vídeo.

Estas películas son de hace 15 años, más o menos. Los avances en efectos especiales, que hacen que uno pueda hacer virguerías con el ordenador de tu casa y un poco de talento, pueden ser una baza para la exportación del cine en Telugu al resto del mundo. Si unimos los desafíos a la lógica y a la gravedad a unos efectos especiales decentes, tenemos escenas increíbles pero bastante efectistas; te ríes, pero también te quedas asombrado. Aquí tenemos el clímax de Magadheera (2009), que hay que verlo para creerlo. Ya le gustaría a Michael Bay hacer algo tan memorable como esto con diez veces el presupuesto.

Fallece Sally Menke, montadora de las películas de Tarantino

2010-09-28T19:34:00.002-04:00

Tarantino ya no va a ser el mismo después del fallecimiento de su montadora, Sally Menke. No sólo porque fue la única editora con la que trabajó, también porque le va a ser difícil encontrar a un sustituto que sepa poner orden a sus complejas y ricas narrativas. El montaje es uno de las artes invisibles del cine, y en el caso del trabajo de Menke con Tarantino, ella era tan buena que su mano pasaba desapercibida.

En los extras de Death Proof (2007) y de Malditos Bastardos / Bastardos Sin Gloria (Inglourious Basterds, 2009) podemos ver cuánto aprecio Tarantino le tenía a su editora, como comenta el director Edgar Wright. Tarantino le recordaba a su equipo que Sally Menke estaría editando sola después del rodaje, así que les pedía que le dijeran hola en las "colas" de película* para alegrarle la tarea.

Descanse en paz.

* Colas de película: la parte de película que va antes y después de una toma, que normalmente se descarta. No confundir con los avances de películas, que en Argentina también se llaman colas.

La Venganza de la Mujer Pantera: Una Obra Maestra Incomprendida

2010-09-24T07:40:00.000-04:00

La Mujer Pantera (Cat People, 1942) es una película de culto cinéfilo, tanto que en 1982 Paul Schrader realizó un remake con Nastassja Kinski. El prestigio no es desmerecido: a pesar de ser una película de serie B, es una historia compleja, bien escrita y fabulosamente realizada. Los críticos de cine suelen olvidar de la secuela a esta película, La Venganza de la Mujer Pantera, (Curse of the Cat People, 1944), que es una de las películas más bonitas que haya visto. Es otra de esas buenas películas que incluso los más cinéfilos se han perdido. Y lo mejor de todo es que está disponible online, gratis y legalmente en archive.org, como tantas otras películas que ya he reseñado.

La Venganza de la Mujer Pantera (también conocida con el título más literal La Maldición de la Mujer Pantera) continúa con la historia de la película original, que poco tiene que ver con la venganza. Voy a evitar contar el argumento para no estropeárselas a quienes las han visto. Fue dirigida por Gunther von Fritsch, y Robert Wise, quien fue llamado para completarla cuando a von Fritsch se le pasó el plazo de rodaje. Algunas críticas se quejan de que esto es una secuela floja, porque no tiene nada que ver con el género de terror. El error de estas críticas está precisamente en considerar La Mujer Pantera una película de terror, puesto que así fue publicitada en su día. Aunque es cierto que tiene ciertas escenas que dan bastante miedo (la escena en la piscina es famosa), lo que el film relata el drama de una inmigrante cuya herencia cultural resulta ser (literalmente) una maldición que no es comprendida por el hombre a quien ama.

Esta aparente paradoja es típica de las películas de Val Lewton, a quien RKO le encargaba la producción de las películas de serie B (que eran las películas que se proyectaban en segundo lugar en un programa doble), con presupuesto ínfimo y reutilizando los decorados de las películas de serie A. Se suponía que debían ser películas de género, normalmente de terror, y así es como eran presentadas. El resultado, sin embargo, eran películas en las que los personajes eran de psicología compleja; en lugar del susto fácil, tenemos conflictos humanos en los que no hay buenos ni malos, sino gente con serios problemas personales. A pesar de los presupuestos limitados, Lewton supo rodearse de buenos buenos equipos que hacían que la factura de la película fuera tan buena como la de las películas más caras. En el caso de las dos películas que nos ocupan, fueron rodadas en los decorados de El Cuarto Mandamiento (The Magnificent Ambersons, 1942), otra película magistral.

La Venganza de la Mujer Pantera tiene ese título porque la RKO quería que estuviese claro que era una secuela y que tuviera un título impactante. El cartel de la película también engaña porque pinta la película como si fuera de terror. El título original de la película era "Amy and Her Friend," que refleja con mucha más fidelidad el argumento de la película. Amy es la niña protagonista de la película, interpretada por Ann Carter en una ejemplar actuación infantil. Es una niña distinta, sin amigos, e incomprendida por su padre, que sin ser autoritario se empeña en que se vuelva una niña normal, y le ordena que "haga amigos" (como si fuera tan fácil). Hasta que un día se hace amiga de una señora a la que sólo ella puede ver... pero que no es todo lo imaginaria de lo que sus padres creen. Y hasta aquí puedo leer.

Lejos de ser una película de terror, sino un cuento melancólico. Los personajes son mayormente femeninos, encarnando diferentes casos de soledad, incomprensión e aislamiento. Esta es otra de las razones por las que la película es memorable, es una historia protagonizada por mujeres, cada una representa diferentes modos de vida, que cada una más o menos ha elegido para sí misma buscando la felicidad, pero sin encontrarla la mayoría de las veces.

La Mujer Pantera y La Venganza de la Mujer Pantera son un excelente programa doble para el otoño. Mientras que la película original es fácil de conseguir en DVD, parece que la secuela está descatalogada en su versión castellana, y no parece haber versión en español latino. Como ya he dicho, podéis encontrarla íntegramente online. Si estáis interesados en adquirir las dos películas, tendréis que buscar el estupendo DVD estadounidense, con las dos películas, subtítulos en español comentarios y entrevistas.

Pósters Polacos de Películas: Una Manera Diferente de Publicitar Cine

2010-09-21T11:02:00.000-04:00

Polonia tiene una larga tradición de pósters iconoclastas. Desde de los años 40 hasta finales de los 80, los diseñadores gráficos polacos hacían sus propias interpretaciones de las películas que se estrenaban en su país. Aparentemente la tradición continúa, aunque son pósters de edición limitada en lugar de publicidad. Algunos son mucho mejores que el original, otros son raros, y otros convierten una comedia ligera en una película de terror. Si os interesa, el tema, existe una base de datos con casi 7.000 pósters; y si hay alguno que os guste particularmente, podéis comprarlos online. He aquí algunos de mis favoritos.


La Guerra de las Galaxias (1978)

Alien, El Octavo Pasajero (1980)


Aliens (1987)


Cabaret (1973)


La Mujer del Teniente Francés (1983)

Aterriza Como Puedas (1984)

Dumbo (1961)

Golpe en la Pequeña China (1988)


El Resplandor (póster en edición limitada, 2007)


Ser o no Ser (1962)

Tootsie (1984)


Memorias de África (1987)

Apocalipsis Now (1981)

Locuras de Verano (Summertime): La Anti-Comedia Romántica

2010-09-17T09:11:00.001-04:00

Si Locuras de Verano (Summertime, 1955) se hubiera hecho recientemente, la habrían convertido en una comedia romántica en la que una quasitreintañera estadounidense viaja a Venecia para encontrar el amor, y después de muchas peripecias, lo encuentra. Por fortuna, esta película se rodó en Venecia a mediados de los 50 con Katharine Hepburn a la cabeza del reparto y David Lean como director. Es una película maravillosa, sin visos de comedia romántica tontorrona.*

En Locuras de Verano, Katharine Hepburn interpreta a una solterona que elige Venecia como destino para sus vacaciones, huyendo de su propia soledad. En lugar de ir con una agenda calculada, como otros turistas estadounidenses, ella gusta de perderse en la ciudad armada con su tomavistas.Y cuando el amor le sale al encuentro, no sabe cómo tomárselo, porque realmente sólo sabe estar sola.

La película está basada en una obra de teatro, pero aparte del diálogo y la actuación ciertas escenas, poco tiene de teatral. David Lean es probablemente el director que mejor sacaba partido a los rodajes en exteriores. Antes de rodar los desiertos de Lawrence de Arabia o las nevadas estepas de Doctor Zhivago, Lean nos mostró las plazas y canales venecianos para hacernos sentir que nosotros también estábamos allí. Es más que una postal, es un viaje en el que nosotros también callejeamos por los rincones de la ciudad. En ciertas partes de la película, la ciudad cobra vida a través de sus estatuas, que parecen observar y comentar las acciones de la protagonista.

Como en otras películas de Lean, es el espacio el que refleja las ansiedades y anhelos de la protagonista. La Hepburn está espléndida como siempre, como la secretaria triste y reprimida. Busca aventuras, pero también le aterran, así que está atrapada en su conflicto.

Summertime no es una comedia, aunque como ya dije parece que tiene la premisa de una comedia romántica. Es el drama de una mujer que no sabe sacarle partido a su vida, y son los edificios de Venecia los que le suspiran la razón de su tristeza. Una buena manera de rematar el verano que está a punto de acabar (el 22 de Septiembre).

* Hace poco se estrenó En la Boda de mi Hermana (When In Rome, 2009), que es un ejemplo de la comedia romántica mema a la que me refiero.

Los dibujos animados que no sabías que son japoneses

2010-09-10T08:48:00.001-04:00

El término anime se refiere a la animación japonesa. Estos días algunos lo asocian a series un tanto frikis que ponen en algunos canales de televisión. El estilo nipón es fácil de reconocer: personajes cabezones y de ojos grandes, y en algunos casos acompañados de robots gigantes. O eso es lo que muchos piensan. De lo que no se dan cuenta es que llevamos toda la vida viendo dibujos animados japoneses, sin asociarlos con el anime. Y nos encantan. No lo niegues, tú también eres un poco friki.

Hay series que todos asociamos con el anime japonés: Bola de Dragón , Los Caballeros del Zodíaco, Mazinger Z y Campeones para los niños, Candy Candy y Dos Fuera de Serie (Juana y Sergio) para las niñas. Doraemon y el humor burro de Shin Chan para todos (esta última, a pesar de los horarios a los que se emite en España, no es una serie para niños). En otros casos te das cuenta cuando piensas un poco: Heidi y Marco, por ejemplo, son de las dos primeras series en las que trabajó Hayao Miyazaki (ahora venerado por películas como El viaje de Chihiro, El Castillo Ambulante y Ponyo en el Acantilado). Pero hay muchísimas más. En los 80 los estudios japoneses eran los más eficientes y baratos para hacer animación, y muchas productoras europeas encargaban las series a productoras japonesas.

Preparaos para la lista de series y para un ataque de nostalgia aguda, sobre todo si seguís los enlaces a las versiones de las canciones en castellano.

(Si os salen cuadraditos en algunos títulos, es porque el texto esta en japonés y no tenéis instalada las extensiones adecuadas.)

- Vicky El Vikingo (小さなバイキングビッケ Chīsana Viking Bikke) : Una de las mayores sorpresas de mi vida fue ver figuritas recientes de Vickie el Vikingo en las tiendas de Tokio. Aunque la historia está basada en una novela para niños sueca, la producción es enteramente japonesa. La canción en japonés carece de la marcha de la versión europea y su "¡hey, hey, Vicky!" (era la misma melodía, que luego tradujeron a distintos idiomas).

- La Abeja Maya (みつばちマーヤの冒険 Mitsubachi Māya no Bōken). Otra adaptación de una novela infantil (en este caso alemana) que los japoneses convirtieron en el referente común de la mayoría de los niños europeos durante los años 70 y 80. La versión de la canción en japonés es muy sosa, sobre todo cuando todos nos sabemos la versión en castellano. Tampoco os perdáis la versión en español latino, que es bastante majeta.

- Ulises 31 (宇宙伝説ユリシーズ31 Uchū Densetsu Yurishīzu Sātīwan) estaba financiada en parte por la francesa DIC Internacional (la productora de El Inspector Gadget). El robotijo Nono es el típico robot ingenuo y mono que se puede encontrar en muchas series anime (un día de estos hablaré de mi obsesión por los tachikomas). Atención a la intro superochentona, que poco tiene que ver con la versión de la canción que se escuchaba en Europa.

-Sherlock Holmes (名探偵ホームズ Meitantei Hōmuzu) también tenía financiación europea, en este caso la RAI. Esta serie era un pasote, una adaptación libre de las historias de Arthur Conan Doyle con toques de steampunk. Según la Wikipedia, en uno de los episodios Lestrade intenta suicidarse por su fracasada operación para atrapar a Moriarty (una manera radical de entender el honor en consonancia con la cultura japonesa); en España, el doblaje se ocupó de disimular el intento de suicidio. Para rematarlo, seis de los episodios fueron dirigidos por Hayao Miyazaki, justo antes de que se pasara a la producción de largometrajes animados con Nausicaä del Valle del Viento.
La cabecera japonesa es muy lírica y relajante, mientras que la versión castellana tiene una canción típica de las series de dibujos de los 80, grupo musical infantil incluido.

-El Bosque de Tallac / Jackie y Nuca (シートン動物記　くまの子ジャッキー Seton Dôbutsuki Kuma no ko Jakkī), otra adaptación de un relato para niños, en este caso del fundador de los Boy Scouts. Esta es una producción exclusivamente japonesa, de Nippon Animation para TV Asahi.
La canción está en español, pero si os fijáis veréis que el título y los créditos están todos en japonés.

- Ruy El Pequeño Cid (リトル・エル・シドの冒険 Little El Cid no Bôken). A pesar de que España cuenta con una larga tradición de animadores con talento, la historia del héroe épico castellano la contaron los japoneses. Don Quijote, sin embargo, sí es española. No he podido localizar un vídeo en versión japonesa, así que aquí está el vídeo en castellano para que os deis cuenta de las similitudes con series como Heidi.

-Nils Holgersson (ニルスのふしぎな旅 Nirusu no Fushigi na Tabi). Al igual que Heidi, Vicky el Vikingo y La Abeja Maya, Nils Holgersson es una adaptación de otra novela sueca para niños. Para los que estáis más puestos en cuestiones de anime, algunos de los episodios fueron dirigidos por Oshii Mamoru, más conocido por las versiones cinematográficas de Ghost in the Shell. A falta de la versión en español de la cabecera, no os perdáis la versión japonesa con frases en inglés (o "japonglés" más bien).

- La Aldea del Arce (メイプルタウン物語 Maple Town Monogatari). Inspirada por los cuentos de Peter Rabbit, esta serie estaba producida por los estudios Toei Animation, que por aquel entonces también estaba produciendo Bola de Dragón y un poco más tarde Sailor Moon. La canción en la versión castellana tuvo cierta fama porque estaba compuesta e interpretada por Emilio Aragón y Rita Irasema.

-Belfy y Lillibit (森の陽気な小人たちベルフィーとリルビット Mori no Yōki na Kobitotachi: Berufi to Rirubitto). Probablemente muy pocos se acordarán de esta serie; de pequeña tuve una temporada obsesiva con los personajillos de Belfy y Lillibit y la canción de la cabecera, que era mucho más pegadiza en su versión castellana.

Hay muchas más series infantiles que también son producciones niponas; las aquí listadas son las que conozco mejor. Descubrí esto hace unos años, cuando empecé a buscar las series favoritas de mi infancia, y vi que todas eran japonesas. Conclusión: soy friki desde pequeñita, pero seguro que no soy la única.

Redescubre a Buster Keaton: Películas Online, Gratis y Legal

2010-09-03T11:01:00.001-04:00

Continuando con la serie de recomendaciones de películas disponibles online, hoy os dedicamos a uno de los grandes del cine mudo hollywoodiense: Buster Keaton. Keaton era un cómico genial con cara de alcachofo, un atleta que combinaba la comedia con desafíos a los que los especialistas más experimentados no se atreverían ni de lejos. Once de sus películas están disponibles en el dominio público. Y lo que es mejor, dos de ellas son obras maestras del cine mudo que después de tantos años aún son entretenidísimas.

El Maquinista de la General (The General, 1926) es una espectacular película que tiene lugar durante la guerra civil americana, en la que los buenos son los confederados (que perderían la guerra), y que está inspirada en hechos reales. Considerada una de las mejores películas de la historia del cine, El Maquinista de la General tiene varias persecuciones con locomotoras espectaculares, y es famosa porque en el clímax de la película despeñaron una locomotora de verdad con el afán de hacer una película realista. Keaton, famoso por hacer sus acrobacias sin dobles, hace virguerías saltando de locomotora en locomotora.

El Héroe del Río (Steamboat Bill Jr.,1928) nos muestra a un Buster Keaton en plena forma, realizando algunas de las acrobacias más increíbles que se hayan visto en la gran pantalla, sin dobles y sin muchas medidas de seguridad. Además de ser una emocionante película de aventuras, también es una excelentísima comedia. La primera película del ratón Mickey, Steamboat Willie (1928), es una imitación de algunas escenas de esta película.

Aunque no sepáis inglés, no tenéis excusa para no ver estas películas, puesto que son mudas. La mayoría de la información se transmite visualmente y los intertítulos (los carteles, para entendernos) son escasos. Preparaos unas palomitas y disfrutad de las excelentes comedias de Buster Keaton.

Y si todavía no estáis convencidos, aquí tenéis un aperitivo con muchos de los mejores momentos de sus películas.

Scott Pilgrim vs The World: La Crónica

2010-09-01T09:07:00.000-04:00

Salí muy decepcionada después de ver Scott Pilgrim vs The World (creo que en español será Scott Pilgrim contra el Mundo, se estrena en Octubre en España y en Argentina). La película lo tiene todo para gustarme: dirigida por Edgar Wright (Zombies Party / Muertos de Risa (Shaun of the Dead, 2004); Arma Fatal (Hot Fuzz, 2007), Scott Pilgrim es adaptación de un cómic con muchas referencias videojueguiles. La película está llena de buenas ideas, buen diálogo, es divertida... y sin embargo me ha dejado muy fría. Y es una pena, porque el trailer prometía mucho.

El fallo letal de la película es su artificialidad. Aunque por acá hay mucho crítico aviejado que le echa las culpas al estilo de los videojuegos, no es el caso. De hecho, las referencias a los juegos de 8 bits son lo mejor de la película. Lo artificial son los personajes, o más específicamente, las interpretaciones de los personajes. Me resultaba difícil creerme a estos personajes; Michael Cera tiene el carisma de una alcachofa y no soporta el peso de esta película. Es un blandengue. Las chicas, aunque están algo mejor, pecan también de caer en la caricatura.

No es de las películas en las que la gracia está en captar todas las referencias, que es algo típico del humor norteamericano. No hace falta saber mucho de videojuegos, ni haberse leído el cómic. Pero creo que son estas referencias lo que hace que a mucha gente le encante esta película. También apela a un tipo específico de frikismo (frikis norteamericanos de 25 a 35 años) que entiendo, pero con el que no siempre empatizo. Tengo la impresión de que la recepción en Europa será aún más fría que en EEUU, porque es un sentido del humor que no cuaja al otro lado del charco.

La frustración que siento después de ver esta película me ha hecho buscar inmediatamente uno de los capítulos de la serie de televisión Spaced, que también dirigió Edward Wright (no sé si se ha emitido en países de habla hispana). Spaced también está llena de referencias a películas, cómics y videojuegos, y tiene momentos caricaturescos; es la razón por la que me hacía ilusión ver esta película. Los protagonistas de Spaced (interpretados por Simon Pegg y Jessica Stevenson, que también eran los guionistas) son de carne y hueso, entrañables y divertidos. Te los crees, y por eso cuando la serie se vuelve una feria de referencias a la cultura popular, entiendes la broma y la sigues.

En vez de ir a ver Scott Pilgrim, ved Spaced en YouTube ya mismo. Están disponibles las dos temporadas enteras, 14 capítulos de media hora (en inglés, no he encontrado subtítulos). También está llena de referencias a videojuegos, películas y cómics, también hay quitanovias y pagafantas, y tiene un estilo audiovisual ecléctico y rompedor. Spaced demuestra que no hace falta tener un gran presupuesto para llegar al corazón.

Los dibujos animados de Superman (1941-42) disponibles online

2010-08-27T08:54:00.000-04:00

Tres años después de la publicación del primer cómic de Supermán, Max Fleischer creó varios cortos con el superhéroe de protagonista. En esos tiempos, Supermán sólo volaba en la cabecera (de aquí viene el "¿Es un pájaro? ¿Es un avión? ¡Es Supermán!", y era más rápido que las balas, más poderoso que una locomotora, y podía saltar edificios altos de un solo salto (en lugar de volar). Para nuestra fortuna, los 17 cortos están todos en el dominio público.

La elegancia de la animación por sí sola merece nuestra atención, aunque el mayor atractivo (creo yo) es como representan la ideología estadounidense de los años 40. Es fascinante ver cómo en 1942, una vez EEUU había entrado en la Segunda Guerra Mundial, la serie se convierte en propaganda de guerra. Los enemigos enseguida pasan de ser científicos locos a Japoneses y Nazis, y cualquiera que fuera extranjero. Por supuesto, nada puede vencer a los estadounidenses, porque tienen a Supermán de su lado.

El índice con todos los títulos de los cortos y links a nuestro querido Archive.org la podéis encontrar en la Wikipedia. Si no os apetece tener que andar bajando archivos, también están disponibles en YouTube, en una playlist que include todos los capítulos (aunque fuera de orden).

Y si ni siquera os apetece seguir los enlaces de arriba, aquí os pongo un par de los cortos más llamativos: The Mechanical Monsters, que también incluye una breve descripción de los orígenes del personaje y parte de la inspiración para la malograda Sky Captain y El Mundo del Mañana (Sky Captain and the World of Tomorrow, 2004); y Japoneurs, o cómo Supermán vence a los japoneses él solito.

¡Buen fin de semana!

¿No tienes tiempo para el cine? Películas en 5 segundos

2010-08-25T09:47:00.000-04:00

Al igual que hay remakes de trailers muy chulos, también hay "resúmenes" de películas en 5 segundos. Todos son de coña, claro, y cuentan versiones muy especiales de las películas (ahí está la gracia del montaje).También hay versiones diferentes en español y en inglés (la versión original es muy fácil de entender). ¿Cuáles son vuestras favoritas?

Titanic (Castellano)

El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey (Inglés)

Spiderman (Castellano)

Toy Story (Español Latino)

Toy Story (Inglés)

Batman

John Ford pasaba de los cinéfilos sesudos

2010-08-23T08:43:00.001-04:00

En 1971, Peter Bodganovich decidió hacer un documental sobre John Ford (El Hombre Tranquilo, 1952; Centauros del Desierto, 1954). Pertrechado con una lista de preguntas sesudas, aspiraba a descubrir los secretos del buen hacer del mítico director. Lo que no se esperaba es que Ford se cerrara en banda, y le diera respuestas de artesano más que de genio inspirado del cine. Las largas preguntas de Bodganovich reciben respuestas tajantes. La entrevista abajo incluida (con subtítulos en castellano) es para no perdérsela, dado que a John Ford le importaba un pito lo que este empollón creyera saber sobre el cine.

Bodganovich seguía la estela de los críticos de Cahiers du Cinéma que también se habían vuelto cineastas (Jean-Luc Godard, Eric Rohmer o Claude Chabrol), y probablemente esperaba emular el éxito de François Truffaut entrevistando a Hitchcock en El Cine Según Hitchcock (libro imprescindible para los cinéfilos, por cierto). Ya había trabado amistad con Orson Welles gracias a una serie de entrevistas, que aparecerían compiladas muchos años después en el libro This is Orson Welles.

No le tengo tirria especial a Bodganovich, aparte de la manía que tiene en aparecer en los extras de DVDs en los que no pinta nada. Gracias a su trabajo como periodista, Orson Welles dejó entrever su trabajo creativo. Pero siempre pecó un poco de listillo, y nunca supo buscarle las vueltas a sus entrevistados; a Welles mismo consiguió sacarle poco acerca de Ciudadano Kane. Bodganovich se encontró con la horma de su zapato gracias a John Ford: aunque a los cinéfilos nos pueda encantar teorizar y analizar películas, a veces los cineastas hacen su trabajo como artesanos, no como artistas.

Posters Minimalistas

2010-08-20T17:20:00.002-04:00

Está de moda el rehacer pósters de películas famosas con distintos estilos. Los minimalistas son mis favoritos, y el estudio madrileño Hexagonall ha estado haciendo las rondas por internet con estas inspiradas reinterpretaciones.

Tron vs. Saul Bass, por Hexagonall

Dracula, versión Hexagonall

La influencia de Saul Bass, uno de los diseñadores gráficos en relación con las películas, es evidente en series de imágenes como Lost vs. Saul Bass o Tron vs. Saul Bass Y por si ya no me gustaban lo suficiente, han rehecho los pósters de todas las películas de dos mis directores favoritos: Tim Burton y Tarantino. Os invito a que veáis el resto de imágenes en la página de Hexagonall: Film Posters y Film Posters 2.


Indiana Jones y la Última Cruzada, parte de la serie Films in Black and Red de Olly Moss.

El estudio madrileño no es único en esta moda: Olly Moss, diseñador gráfico británico, también ha diseñado pósters minimalistas no sólo de películas, sino también de Lost (de nuevo), y ha hecho versiones de portadas de videojuegos como si fueran cubiertas de libros publicados por Penguin en los 70. Sus series de pósters minimalistas se publican ahora cada mes en la revista especializada en cine Total Film.

Chungking Express: Las Buenas Películas que te has Perdido

2010-08-16T10:17:00.005-04:00

Hace unos meses descubrí una pequeña película perfecta: Chungking Express (1994), de Wong Kar Wai. Una historia extrañamente romántica, en la que la melancolía es casi divertida y los corazones rotos se atraen para consolarse. Es difícil explicar el encanto de esta película: sus protagonistas sufren de las heridas del desamor, pero la película no es pastelona; no es un dramón pero no es una comedia; es gamberra, pero con estilo. El final feliz no es encontrar un nuevo amor, sino consuelo y simpatía. Es la película perfecta para los que sufren de desamores. La fama de esta película creo que ha sido eclipsada por otra película de Wong Kar Wai, la también excelente Deseando Amar (In the Mood for Love / Fa yeung nin wa, 2000), romántica y descorazonadora (un Breve Encuentro versión Hong Kong), y en mi opinión menos redonda que la película que nos ocupa.

Buena parte de la atracción de la película reside en su reparto, encabezado por Takeshi Kaneshiro y Tony Leung (también protagonistas de El Acantilado Rojo, y que no parecen haber envejecido en 16 años), y Faye Wong, a la que reconocerán los jugadores del Final Fantasy VIII como la cantante de la cursi Eyes on Me, y Brigitte Lin, otra estrella del cine chino.

La banda sonora de la película es minimalista y repetitiva pero con un buen motivo. El California Dreamin' de The Mamas and The Papas ilustra la extraña obsesión del personaje de Faye Wong, que se dedica a limpiarle el piso al hombre del que está enamorada a escondidas, y como buena obsesión, el tema se repite una y otra vez. El tema que toca otro par de veces como motivo de amor desencantado es el Dreams, pero en vez de los Cramberries, es la propia Faye Wong que lo canta en chino (y muy bien). Todo esto, con la preciosísima fotografía de Christopher Doyle y un montaje ágil y quebrado hacen de esta película un vídeo musical sentido y conmovedor pero lejos del melodrama.

Escrita a la carrera, y dirigida por Kar Wai como distracción a su épica china Ashes of Time (una película hipnótica y bellísima), Chungking Express es una brisa fresca perfecta para un verano caluroso como el que estamos pasando en el hemisferio norte.
Chungking Express está disponible online para verla desde tu ordenador en Europa gracias a Mubi (si no es así, hacédmelo saber). No es gratis, pero no es caro (3 euros?). ¡Vedla ya!

Por si no os he convencido, aquí está el trailer japonés de la película (el que más justicia le hace, porque el resto son demasiado seriotes).

Celebra el cumpleaños de Hitchcock

2010-08-13T06:30:00.003-04:00

Hoy es el centésimo undécimo cumpleaños de Alfred Hitchcock si estuviera vivo. Para celebrarlo, puedes ver alguna de sus películas. Aunque puede que algún supercinéfilo haya caído en la cuenta y colado una de sus películas en las parrillas de programación de la televisión de hoy, también podéis ver alguna de sus películas online, gratis y legalmente. La mayoría de estas películas son las que rodó en Gran Bretaña, con las que se forjó la reputación que le permitió trabajar en Hollywood.

Para los que le tengáis más miedo a la versión original en inglés, podéis ver alguna de sus películas mudas, que suelen contar la historia con imágenes y sin necesidad de mucho diálogo en los intertítulos. Hitchcock no sólo era el maestro del suspense, sino también de la narrativa visual, y sus historias siguen teniendo mucho gancho.

De sus películas mudas disponibles online, mi recomendación va para The Lodger: A Story of the London Fog (1927) (me mata el título en España, El Enemigo de las Rubias). The Lodger es la película más temprana de Hitchcock que se conserva entera, y la que él mismo consideraba su primera película de verdad. Es la historia de un falso culpable, perseguido por la ley, un motivo que se repetiría en posteriores filmes del director, como Falso Culpable (The Wrong Man, 1956), Con la Muerte en los Talones (North by Northwest, 1959), entre otras. El protagonista es Ivor Novello, que pronto se convertiría en un compositor de renombre en Gran Bretaña, hasta el punto que ahora da nombre a los premiso más prestigiosos de la música británica.

Mis dos recomendaciones dentro de la lista de películas de cine sonoro van para Alarma en el Expreso (The Lady Vanishes, 1938), una divertida película de suspense que saca mucho jugo al rodaje en un tren, y Los 39 Escalones (The 39 Steps, 1935), una buena adaptación de la novela de John Buchan que aún hoy sigue siendo trepidante.

No desdeñéis el resto de las películas disponibles, Hitchcock sólo hizo una película aburrida en su vida, y porque era mayor y estaba cansado de Hollywood (Topaz, 1969, me dormí dos veces antes de conseguir verla entera). Están, entre otras:

Sabotage (1936), basada en la novela de Joseph Conrad El Agente Secreto.
El Agente Secreto (Secret Agent, 1936), que a pesar de tener el mismo título que la novela de Conrad, es una historia totalmente distinta, con John Guielgud y Peter Lorre.
La Posada de Jamaica (Jamaica Inn, 1939), con Charles Laughton y basada en una novela de Daphne Du Maurier, que también escribió Rebecca (la siguiente película de Hitchcock ya en Hollywood).
Atormentada (Under Capricorn, 1949), que hizo ya en Hollywood con Ingrid Bergman y Joseph Cotten. Fue su segunda película en Technicolor después de La Soga (Rope, 1948)

¡Que tengáis un buen fin de semana en compañía de tito Hitch!

Lista de las películas de Hitchcock disponibles en Archive.org

(Por cierto, en la lista aparece Daniel Boone, que no es una película de Hitchcock, se ha colado porque hay un tipo con el mismo apellido en el reparto.)

Perdidos (Lost): El Epílogo que necesitábamos

2010-08-10T18:36:00.001-04:00

Hace unos días se "filtró" el epílogo de Perdidos (Lost) en la red, titulado The New Man in Charge. El vídeo completo ha sido retirado por la Disney, porque es uno de los extras del DVD, y ha sido reemplazado por un "teaser" (un aperitivo visual) que es el principio del vídeo.

Para los que hayan seguido la serie, este epílogo ata unos pocos cabos que se habían quedado sueltos al final de la serie. Y para los que somos fans de Michael Emerson (Benjamin Linus) y su inquietante actuación, es un regalito extra. En el vídeo completo se explica, entre otras cosas, por qué no nacen niños en la isla, qué pasó con Walt, de dónde vienen las provisiones, qué era la estación de Hydra, para qué era el sillón y la película que recordaban a La Naranja Mecánica, y cuál era la función de la estación The Lampost (¿El faro? No he visto la serie doblada, no sé). Y todo en 12 minutos.

El clip aquí abajo es sólo el principio, y tiene subtítulos cortesía de http://llegaronparaquedarse.blogspot.com/

Lost ha sido la única serie que he seguido "en directo" en los últimos años. Empecé a verla en DVD, y me enganché; creo que mi amor por los puzzles es la razón por la que me mantuve fiel a la serie, incluso cuando en la segunda temporada el argumento se fue por las ramas. Aunque no soy superfanática, he estado siempre a la última; gracias a la Lostpedia siempre conseguía saber de quién era quién y dónde había aparecido. El último capítulo de la serie me pareció una buena manera de cerrar la historia emocionalmente, aunque con respecto al argumento me sigue pareciendo que Damon Lindelof y Carlton Cuse hicieron un trampas y nos dejaron sin respuestas importantes. The New Man in Charge se encarga de explicar unas pocas cosas de manera clara y concisa, que era más lo que me esperaba del último capítulo de la serie. Los agujeros en el argumento seguirán ahí, pero también es la gracia de la serie; aún después de que se haya terminado, intentaremos solucionar este rompecabezas que probablemente no tenga solución.

Las crisis económica es buena para el cine de terror

2010-08-08T11:10:00.002-04:00

Dentro de la desastrosa situación económica en la que vivimos me quedaba una esperanza. Como aficionada al cine de terror, suponía de que gracias a la crisis tuviéramos mejores películas de miedo. Las crisis han sido un estupendo caldo de cultivo para hacer películas sobre las cosas que más miedo le dan al público.

Por ejemplo, la crisis de los años 30 dio lugar a películas como el Dracula de Todd Browning, Frankenstein (1931)y Bride of Frankenstein (La Novia de Frankenstein, 1936) de James Whale. A finales de los 60, cuando se cocía el intento de revolución social del 68, tenemos Rosemary's Baby (La Semilla del Diablo, 1968) o Night of the Living Dead (La Noche de los Muertos Vivientes, 1968). Más tarde, a medida que la crisis del petróleo de los 70 se agudizaba, tenemos cosas como The Exorcist (El Exorcista, 1973), Texas Chainsaw Massacre (La Matanza de Texas, 1974), y Jaws (Tiburón, 1975), por nombrar unas pocas.

¿A qué se puede deber esto? Mi teoría es que las películas de terror no dan miedo por que sí, sino que se basan en los temas que más miedo nos dan en un determinado momento. Hay artículos acad'emicos y libros a porrillo que interpretan diversas películas y subgéneros de terror de acuerdo con su contexto social.

Podría parecer que el género de terror está un poco de capa caída. En Hollywood se dedican a hacer remakes de películas de los 70 y 80 (Nightmare on Elm Street (Pesadilla en Elm Street) es la última, también han sacado versiones nuevas de Halloween y Texas Chainsaw Massacre (La Matanza de Texas)). Así que estoy un poco decepcionada.

O no. Probablemente [REC] sea la mejor película de miedo de los últimos 10 ó 15 años. (Y no me pienso dignar a ver el remake americano, porque todavía me dura el cabreo por que no estrenaran el original en las pantallas grandes de EEUU.) La secuela [REC]2 da un poco menos de miedo, pero se agradece el que no se limitaran a hacer más de lo mismo (y el final con puzzles dignos de un videojuego es un pasote). A este lado del charco, Paranormal Activity no está mal, aunque es difícil creerse a los personajes protagonistas (sobre todo a él, que es claramente un capullo desde la primera escena).

Si he de aventurarme a interpretar estas pelis a la luz de la crisis económica, la verdad es que es bastante fácil. (También es lo que hago todos los días en mi trabajo académico.) Tanto [REC] como Paranormal Activity, tienen como premisa que el horror ya está en casa, y que en cualquier momento se puede volver contra nosotros. El hogar se convierte en un enemigo del que no hay escapatoria, porque no se puede ir a ningún otro sitio. Si pensamos en que una de las pesadillas de la gente son las hipotecas, por las que el hogar se vuelve un infierno porque no se puede mantener (particularmente en España, donde no vale con darle la casa al banco para que se la queden como pago). Empezamos a ver un patrón. El argumento es más interesante si nos fijamos en la ola de J-horror (películas de terror Japonesas) de principios de la década del 2000, cuando Japón estaba atravesando su crisis hipotecaria. En estas películas, los protagonistas empiezan una nueva vida en una casa que al final se vuelve contra ellos (Ju-On, o Dark Water, por ejemplo). Si lo pensamos así, El Orfanato también tiene un argumento parecido (aunque a mí me sigue pareciendo un refrito de Los Otros, El Espinazo del Diablo y El Laberinto del Fauno).

La película que más abiertamente trata con los horrores de la crisis económica, y las hipotecas en particular, es Drag Me To Hell (Arrástrame al Infierno, 2009). La protagonista es una administradora bancaria, quien ha de volverse implacable ante los impagos de la hipoteca de una vieja gitana. El resto es lo mejor de Sam Raimi en 20 años.

Así mirado, a lo mejor tengo razón. Acabo de nombrar cinco películas de de los últimos 2-3 años que son realmente buenas. La mayoría españolas, donde la crisis económica está siendo desoladora. El miedo que uno pueda pasar en la sala oscura de un cine no es nada comparado con bregar con las crecientes deudas.

Plan Diabólico (Seconds): Ciencia-Ficción de Primera

2010-08-02T20:58:00.002-04:00

Plan Diabólico (Seconds, 1966) es una imponente película de ciencia ficción desasosegante que ha envejecido muy bien. La premisa es la siguiente: ¿qué pasa cuando se tiene la oportunidad de empezar una vida nueva, con nuevo aspecto y nuevas posibilidades de vida? La respuesta es que quizá sería mejor no saberlo.

Tenía curiosidad por ver esta película después de que apareciera en la lista de las películas cerebrales de ciencia ficción. Era la única película de la lista que no conocía, y dado que a lista parecía salirse de lo habitual, e incluía películas que venero como The Man in the White Suit, estaba muy intrigada por ver Seconds.

Dirige John Frankenheimer, director de películas como El Mensajero del Miedo (The Manchurian Candidate), Siete Días de Mayo, El Hombre de Alcatraz. Música de Jerry Goldsmith (una de sus primeras bandas sonoras) y títulos de crédito de Saul Bass (ahí es nada). Con un estilo visual que resalta la perversión de la historia, la narración deja huecos para dar lugar a más preguntas que respuestas, creando una creciente sensación de inquietud que se queda contigo hasta después que acabe la película. Parece más un capítulo magistral de The Twilight Zone que una película de Hollywood.

La película está protagonizada por Rock Hudson, que interpreta un papel al que el público no estaba acostumbrado, lejos de las comedias con Doris Day o los melodramones de Douglas Sirk. Probablemente su insistencia en conseguir el papel principal era algo personal: un protagonista que debe dejar atrás su vida, cuestionarse quién es, y transformarse en alguien que no es. Dado que Rock Hudson tuvo que ocultar su homosexualidad durante toda su carrera, llegando a casarse para guardar las apariencias, el papel de Mr. Wilson le venía como un guante. Según IMDB, éste fue uno de sus papeles favoritos.

Parece que este cambio de registro fue una de las razones por las que esta película no ganó mucho dinero en la taquilla. En Hollywood, lamentablaemente. no obtener beneficios significa que la película no es buena, así que Seconds cayó un poco en el olvido. Aunque no creo que vaya a obtener el reconocimiento que merece (es muchísimo más interesante que El Mensajero del Miedo, que es mucho más popular), los cinéfilos aficionados a la ciencia ficción la seguiremos reivindicando. No os la perdáis si un día de estos la ponen en la televisión.

Nota: todavía no he encontrado cuál es la mejor manera de poner los títulos de las películas, para incluir el título original y la traducción. Probablemente siga el modelo de Dirigido Por..., aunque queda el problema de que los títulos cambian de un país hispanohablante a otro. Tened paciencia, espero que se me ocurra una buena solución pronto.

Ver Cine Online, Gratis y Legal

2010-07-31T13:59:00.004-04:00

Ir al cine se está volviendo muy caro, estés en el país que estés. Así que voy a empezar una sección de recomendaciones de películas que están disponibles online y gratis. Y lo mejor de todo, de manera legal. No son los últimos estrenos, pero pensar el que una película sea mala porque sea antigua es tener las miras un poco estrechas. Hay muchísimas películas maravillosas, muchas de ellas obras maestras, que están en el dominio público. Eso sí, todavía no he encontrado ninguna en español (si sabéis de algún ejemplo, hacédmelo saber), pero también es posible encontrar subtítulos (muchas de ellas son mudas, así que no hay que leer mucho).

La mayoría de las películas disponibles en el dominio público están en archive.org, en la sección "Moving Images: Feature Films." Los hay en diferentes formatos, para que los puedas ver en tu ordenador, la PSP o el iPod. Los archivos más grandes suelen verse mejor, aunque formatos comprimidos como Ogg Video consiguen que el archivo sea más ligero pero sin perder mucha calidad de imagen.

En general, archive.org está lleno de tesoros por descubrir. Sólo en la sección arriba mencionada hay como 2.000 películas. El objetivo de esta sección es servir de guía y seleccionar algunas de las mejores películas del archivo. Si encuentro otras películas online en otras fuentes que estén disponibles a nivel internacional, también las mencionaré en esta sección.

Una última recomendación: si queréis ver películas en vuestro ordenador, os recomiendo que tengáis VLC. Además de tener los códecs de vídeo a la última, es bastante fácil añadir subtítulos desde un archivo.

Editado: Las entradas posteriores recomendando películas concretas llevan la etiqueta "ver películas online."

Nueva música para 2001: Una Odisea del Espacio, versión orquesta de instituto

2010-07-28T23:16:00.003-04:00

No sé de dónde habrá salido esta inolvidable versión de "Así habló Zaratustra," pero me da que es una orquesta con muy poco fuelle. Cerrad los ojos, e imaginad el principio de 2001: Una Odisea del Espacio... si es que podéis parar de reír.

Via FailBlog.

Postdata: Misterio resuelto. No es una orquesta de instituto, sino la Portsmouth Sinfonia, una orquesta donde el requisito para formar parte de ella es no ser músico, o si uno lo es, tocar un instrumento que sea totalmente nuevo. Empezó como una broma, y acabaron sacando cuatro discos (los dos primeros producidos por Brian Eno) y tocando el el Royal Albert Hall,

Aquí tenéis dos piezas más para vuestro deleite: la Overtura de Guillermo Tell (Rossini) y En el Salón del Rey de la Montaña de Peer Gynt (Edvard Grieg).

Buenas Películas que te has Perdido: El Acantilado Rojo (Chi Bi)

2010-07-27T11:24:00.003-04:00

Este post inaugura una de las novedades de esta nueva etapa de Crónicas Cinéfilas, las recomendaciones de películas que han pasado desapercibidas, o que no han recibido toda la atención que merecen. Esta serie se llama "Buenas Películas que te has Perdido" (BPP para abreviar).

La primera es una película que no ha tenido mucha repercusión fuera de Asia (donde ha sido un taquillazo). El título en español es El Acantilado Rojo, en chino Chi Bi. En realidad son dos películas (parte 1 y parte 2), que son dos partes de la misma historia, y que en su "versión internacional" fueron editadas y distribuidas como una sola película (y creo que es una de las razones por las que ha pasado desapercibida). El Acantilado Rojo está dirigida por John Woo, que ha decidido volverse a China a hacer lo que le dé la gana después de muchos años haciendo películas de encargo en Hollywood.

No he visto la "versión internacional" (mi amigo Gene, que sí la vio, me ha dicho que es un refrito incomprensible), así que sólo voy a hablar de la versión íntegra, que son casi 5 horas de historia. Que no os importe la duración (la película se deja ver en capítulos) ni que esté en chino y probablemente no haya versión doblada, ni que no os vayáis a acordar de los nombres de nadie.

Si eres fan de la trilogía de El Señor de los Anillos, tienes que ver esta película. Sustituye la magia y el mundo de fantasía de Tolkien por las leyendas chinas, y los elfos, orcos, enanos, hobbits y demás por chinos y más chinos, y tienes El Acantilado Rojo. La película adapta una parte de El Romance de los Tres Reinos, que es una serie de historias que dejan pequeña a la obra de J.R.R. Tolkien. La gracia está en que la historia aquí deja fuera los poderes mágicos que sí estaban en el original, y haciendo héroes de perspicacia y habilidades militares sobrehumanas. Las escala de las batallas en esta película es impresionante, y tienen poco que envidiar al Abismo de Helm y a los campos de Pelennor de El Señor de los Anillos (aunque aún van a pasar muchos años antes de que nadie haga algo mejor a lo que hizo Peter Jackson). Es épica china, con tecnología hollywoodiense.

Pero no todo son batallas. Todos los personajes tienen algo a lo que contribuir a la historia, y para ser una película en la que las guerras es lo que importa, acabas cogiendo cariño a cada participante. (Eso sí, no me preguntéis los nombres, que menos el del malo Cao Cao los demás me hago un lío.)

Para rematar la faena, John Woo ha puesto a la cabeza del reparto a dos de los actores más carismáticos que se pasean por las pantallas en Asia: Takeshi Kaneshiro y Tony Leung. Kaneshiro es el estratega intelectual, Leung es el estratega guerrero. Se pasan la película intentando probarse que están más que a la altura de las difíciles circumstancias (están a la cabeza de un ejército diminuto en comparación con las tropas de Cao Cao), y dando un recital de cómo engatusar a la audiencia con una interpretaciones sutiles y elegantes.

Hacía mucho que no me lo pasaba tan bien viendo una película de aventuras. No sabía lo que esperar de esta épica china, y acabé totalmente encandilada. Si tenéis la ocasión, haceos un hueco en la agenda, preparad un bol bien grande de palomitas, y disfrutad de una histora que, después de 1800 años, sigue manteniendo al público en vilo.

(La próxima Buena Pelicula que te has Perdido también está protagonizada por Tony Leung y Takeshi Kaneshiro, que llevan muchos años siendo estupendos y yo no lo sabía.)

Tiburón (Jaws) sigue dando miedo

2010-07-24T23:50:00.002-04:00

Vengo de ver una copia nuevecita de Tiburón (Jaws), y me lo he pasado pipa. Conozco bien la película, así que iba por el gustazo de verla en pantalla grande. Con lo que no contaba es con la reacción del público. Al principio se escucharon un par de risitas, en cuanto la música que acompaña al escualo empezó a sonar. El público parecía lleno de veinteañeros que creían que se iban a reír de una película de miedo vieja. Pero enseguida se apagaron las risitas, y empezaron las reacciones de alarma y tensión. El susto mayor de esta película (si la habéis visto seguro que os acordáis) ha hecho gritar a toda la sala. Treinta y cinco años después, Tiburón sigue en plena forma.

Sigo pensando que es una de las mejores películas de Spielberg (y los sustos que se ha llevado la sala lo demuestran). El tiburón es una fuerza imparable de la naturaleza, que ni los pescadores ni los científicos ni las autoridades entienden. Aunque tiene unos pocos sustos, es una película de terror que te va atrapando poco a poco; los efectos especiales no han envejecido porque están basados en la mejor tecnología del mundo: la imaginación del espectador. Se muestra muy poco, dejando que nos imaginemos muchos de los momentos más sangrientos. Esto, más un guión sólido con personajes bien construidos (algo relativamente escaso en la mayoría de las películas de terror), y un montaje que funciona como un reloj al ritmo de la inconfundible música de John Williams (que es algo más que el chun-chun que todo el mundo conoce).

No perdáis la ocasión de ver Tiburón si la ponen en la tele o en DVD. Es una película perfecta para el verano, acompañada de palomitas y un buen refresco. Por mi parte, en tres semanas me voy unos días a la playa a la puntita de Cape Cod, que es la zona donde tiene lugar la película (se rodó en la isla de Martha's Vineyard, yo estaré más al norte). Tendré cuidado y me volveré a la arena en cuanto vea una aleta asomando.

Trajan es el Tipo de Letra de las Películas

2010-07-20T21:23:00.003-04:00

Este vídeo demuestra la poca originalidad de los diseñadores gráficos que hacen pósters de películas. Aunque no sepáis inglés, se entiende perfectamente: cuando el diseñador no sabe qué tipo de letra utilizar, te plantan una Trajan (que está en camino de compartir la infamia de la Comic Sans o Papyrus). El nombre viene de Trajano, probablemente de la columna de marras en Roma, cuyas letras probablemente fueran la inspiración para este tipo de letra que sólo utiliza letras mayúsculas.

Trajan is the Movie Font (YouTube)

Inception (Origen)

2010-07-19T00:07:00.005-04:00

Acabo de llegar a casa de ver Inception, la película a la que más ganas le tenía este verano. Y la verdad es que es estupendísima e inteligente. Le falta un trecho para ser genial, como ya le pasaba a The Dark Knight, pero dado que la mayoría de las películas provenientes de Hollywood suelen ser idiotas perdidas, en cuanto hay una que tiene un guión pensado y que hace pensar, enseguida se le califica de obra maestra (por lo menos a este lado del Atlántico en el hemisferio norte).

Es difícil escribir sobre Inception, porque lo mejor es ir sin saber nada de ella. Sólo hace falta decir que va sobre sueños, y que aunque es compleja (que no confusa), el argumento no es demasiado difícil de seguir. Lo mejor de la película es que da lugar a múltiples interpretaciones, y una se pasa un buen rato tratando de averiguar qué es lo que pasa realmente en la película. Mi recomendación es verla en compañía, y después comparar cómo la ha entendido cada uno.

El siguiente párrafo, aunque no contiene spoilers, da más información de la que probablemente queráis tener antes de ver la película. Advertidos quedáis.

Para ser sueños, la manera en que funcionan es terriblemente consistente. Hay una serie de reglas que son tan estables que no parecen un sueño. De hecho, los sueños a veces se parecen más a un videojuego que a sueños; hasta hablan de "niveles." Aunque no creo que Nolan se haya inspirado directamente en videojuegos, es cierto que la película es parte de un cierto zeitgeist, en el que los espectadores se supone pueden entender información fragmentada una vez entienden las reglas del entorno. (Nota: llevo ocho meses trabajando en videojuegos que reproduzcan la lógica de los sueños, es una de las razones por las que me atraía esta película. Esto de los videojuegos es deformación profesional.)

Lo que más me ha gustado de la película: las escenas que tienen lugar en un hotel, y el carisma de Tom Hardy incluso en un papelín tonto (este tipo me tiene fascinada desde que vi Bronson). Leo DiCaprio está tan bien como en Shutter Island, su anterior película y prima hermana de ésta en muchos aspectos (aunque la crítica no la trató tan bien). El reparto en general es estupendo, que es algo ya de esperar de las películas de este director. La pega más grande que le puedo poner a la película es que Christopher Nolan todavía no ha aprendido a dirigir escenas de acción, y como las tiene que poner para justificar el presupuesto, son los ratos que menos me importan de sus películas (véase Batman Begins y sus escenas de lucha en las que no se veía tres en un burro).

Nolan es un director brillante, y para los que sólo ven películas de Hollywood, un genio. Para mí, no es para tanto, pero siempre es un gusto ver sus obras. Me alegra de que haya un blockbuster veraniego que haga pensar, y que esté teniendo éxito taquillero. The Prestige / El truco final: El prestigio aún me parece su película más redonda, probablemente gracias a la ausencia de escenas de acción patosa. A punto de cumplir los 40, a Nolan le quedan muchos años de carrera. Dada la consistente calidad e intelecto que caracterizan sus películas, creo que lo mejor está aún por llegar.

Películas Cerebrales de Ciencia Ficción (Wired)

2010-07-17T10:09:00.002-04:00

Inception me da muy buena espina, y tengo muchas ganas de verla. Nos quedamos sin entradas para verla en IMAX ayer, así que tengo que esperar hasta mañana (estoy intentando evitar leer acerca de la plícula, para que no me la estropee nadie). Mientras tanto, este artículo de Wired (en inglés) lista varias películas de ciencia ficción sesudas.

Aunque me parece que hay muchas más (y me molesta que presupongan que la ciencia ficción no te hace pensar normalmente), la lista me tiene fascinada, porque contiene películas que me encantan, como Brazil (Terry Gilliam en plena forma) o Eternal Sunshine of the Spotless Mind / ¡Olvídate de mí! (ciencia ficción romántica y extraña con la Winslet, no se puede pedir más). Lo que me gusta de la lista es que también aparecen títulos que no son típicos de estos listados, como The Man in the White Suit / El Hombre del Traje Blanco (probablemente mi película favorita de la época dorada de la Ealing), y Sunshine (Danny Boyle es uno de mis directores favoritos, mucho antes de Slumdog Millionaire). y The Iron Giant / El Gigante de Hierro (otra joyita de Brad Bird, que después haría The Incredibles y Ratatouille). También están dos películas recientes que se incluyen en cualquier lista de ciencia ficción, y que a mí me parece un tanto sobrevaloradas, Moon y Children of Men.

Con esto, me pica la curiosidad por ver Seconds, de John Frankenheimer, dado que está en tan buena compañía. En castellano se llama Plan Diabólico, que suena mucho menos prometedor... No he visto aún, The Manchurian Candidate, que lleva años en mi lista de películas por ver, así que a lo mejor aprovecho y la veo hoy como preparación a Inception.

Cerebral Sci-Fi Films That Wipe Our Minds (Wired)

Diseño remozado

2010-07-15T00:37:00.000-04:00

Como habréis podido observar, he cambiado el diseño de la página a uno más moderno, y con fondo de estudio de fotografía. Creía que iba a tardar más tiempo, porque en el pasado yo iba cambiando la hoja de estilo a mano. Pero gracias a los cambios de Blogger, está chupado el montarse una plantilla bien cuca. Aunque puede que le dé un par de toques al código de la página, probablemente la deje así por un tiempo. ¿Qué os parece el cambio?

He tenido algunos problemillas con los comentarios, que por alguna razón no aparecen aún después de haberlos aprobado. Por favor, comentad en esta entrada, a ver si por fin lo he arreglado.

Micmacs (Un Gran Follón)

2010-07-12T23:37:00.001-04:00

Primer dilema de la nueva etapa de las Crónicas Cinéfilas: ¿Qué título utilizo? En este caso, el título original es Micmacs à tire-larigot, que en castellano sería algo así como "Micmacs a gogó," pero que en castellano se ha titulado Micmacs, Un Gran Follón. (Las traducciones de títulos en España siguen tan macarrónicas como siempre...) Y en inglés, para evitarse líos, han dejado el título como Micmacs. No se me olvida que para los lectores en Latinoamérica los títulos probablemente también serán distintos (porque no es cuestión de traducción sino de márketing).

Solución: Intentaré poner los títulos en inglés y en castellano, con la esperanza de que en Latinoamérica la traducción será parecida (que ya es tener mucha esperanza). Bueno, al grano.

Pude ver Micmacs en mi accidentado viaje a Montreal la semana pasada, gracias a que me hicieron tomar dos aviones y tardar 5 horas en llegar a mi destino, en lugar de la hora y poco que se tarda desde Boston. Aunque no tengo devoción por Amélie o Delicatessen, tengo que admitir que encuentro el estilo Jean Pierre Jeunet refrescante y atractivo.

Micmacs es el intento de Jeunet por revivir su fama de auteur, pero lo que consigue es más un refrito de cosas que ya ha hecho. La historia cuenta cómo un tipo atípico trama una venganza rocambolesca contra dos grandes fabricantes de armas. La película toma elementos de las películas que acabo de nombrar: la fauna de personajes pintorescos del vecindario de Delicatessen se mezcla con el idealismo y los planes rocambolescos para cambiar la vida de la gente (en este caso para peor) de Amélie. El resultado es divertido y entretenido, pero no va a mucho más. Aunque la factura tenga el sello inconfundible de Jeaunet, el argumento es bastante previsible, y la parte final se la sacan un poco de la manga.

En todo caso, dado el panorama desolador de la cartelera este verano (por lo menos a este lado del Atlántico), Micmacs consigue engatusarte durante un par de horas con inventos fantásticos de hojalata, hombres-bala y contorsionistas.

Toy Story 3

2010-07-05T22:19:00.001-04:00

Toy Story 3 es maravillosa, como lo eran las dos primeras películas. Es más de lo mismo: divertida, conmovedora, emocionante. Y ése es un poco el problema: que lo que hace Toy Story 3 ya lo había hecho la primera secuela, que es francamente difícil de superar. El final de Toy Story 2 nos mostraba a un cajón de juguetes que había conseguido aceptar su mortalidad. En esta tercera parte, algunos personajes parecen haber olvidado lo que habían aprendido (sobre todo Jesse, que ya había sido abandonada por su dueña), y se vuelven a tocar muchos de los mismos temas. La amenaza esta vez no es un coleccionista que no juega con sus juguetes, sino el vertedero (que es la muerte misma para los juguetes). La película intenta equilibrar la gravedad de la situación con más humor, mucha emotividad, y más optimismo.

Tengo mucha curiosidad por saber qué van a hacer en la versión castellana con Buzz Lightyear, que habla en castellano en la versión inglesa, y se marca unas pocas poses flamencas. El estereotipo no molesta demasiado, porque por lo menos no confunden México con España. ¿Le doblarán con acento andalú? Mis amigos allende los mares, por favor contádmelo cuando la veáis.

Toy Story 3 merece la pena verse, como lo merecían las anteriores. Es un caso increíble de calidad consistente en una saga (si no tenemos en cuenta la trilogía de El Señor de los Anillos, que en realidad se rodó como una sola película). Ah, y no os olvidéis el pañuelo.

Crónicas Reencarnadas

2010-07-05T21:34:00.005-04:00

Estas crónicas cinéfilas van y vienen, dependiendo de lo apretada que tenga la agenda, que siempre es mucho. Después de más de cinco años y una tesis doctoral, retomo mis críticas cinematográficas en castellano, para que no se me olvide mi idioma materno.

Cuando empecé a escribir estas crónicas online, la intención era dar avances de películas que se estrenaran primero en los EEUU. Dado que ahora la diferencia entre las fechas de estreno entre EEUU y el resto del mundo suele ser mínima, y que hay muchísimas películas fascinanantes que no son estadounidenses y que aquí se estrenan más tarde, he decidido escribir sobre las películas que vea que me parezcan interesantes. Si son estrenos, pues vale; si son películas que repesque en DVD, pues también.

Y para que esta reencarnación de las crónicas cinéfilas sea más longeva que sus predecesoras, las crónicas serán cortitas. Ni yo tengo mucho tiempo para escribir, ni creo que los lectores estén por la labor de leer demasiado. Así salimos ganando todos.

Sin más preámbulo, aquí empieza la nueva etapa de las crónicas cinéfilas.

Be Cool... no es nada cool

2005-04-10T11:13:00.000-04:00

Sigo viva, sigo viva, pero enfrascada en el final de curso. Aqui en Georgia Tech acabamos el 7 de mayo, asi que este mesecito que me queda va a ser de aúpa... Apenas tengo tiempo para mis crónicas, porque no me queda tiempo para ir al cine. La cartelera tampoco está demasiado apetecible por estos lares. Lo mejor es Sin City, de la que estoy preparando mi crónica a ratos.

Esta entrada es sólo para confirmar que sigo sobre la faz de la tierra, currando a base de bien, y para preveniros sobre Be Cool. Hace un par de semanas fuimos a ver Sideways, pero resulta que no la ponían a esa hora, así que acabamos en la sala de Be Cool, porque a mis colegas les habia gustado Get Shorty (la primera parte, que no he visto). Sigo con ganas de ver Get Shorty, aunque Be Cool no es nada, pero que nada 'cool'. Se supone que es una parodia de las películas de superación y triunfo, pero cae en los mismos tópicos, es mema, y abusa del 'product placement' hasta el ridículo. Y si alguien encuentra a Vince Vaughn divertido, que me avise. Interpreta a un blanco que se cree negro, que puede ser medio divertido cuando la ves en inglés y conoces lo que está imitando, pero me parece imposible transmitir eso en el doblaje.

Así que si estáis pensando en ir a ver Be Cool, que se acaba de estrenar en España, mejor id al videoclub y alquilad una peli de John Carpenter de los 70-80, o pillad una comedia del Hollywood clásico (1930-45), que sale más barato y enriquece vuestra cultura cinéfila.

Homenaje a las hormiguitas

2005-03-11T07:37:00.000-05:00

Hoy se cumple un año desde los atentados en Atocha, y hacer mi aportación al recuerdo general. Llevo más de un año sin pisar Madrid, y no he podido hacer presencia en ningún homenaje. Así que desde estas líneas de mi modesto blog, quiero publicar mi solidaridad y enviar todos mis mejores deseos a todos los curritos de España, que hoy aún se sienten vulnerables.

Para los que somos de Madrid, en especial de la zona sur y este, cuando decimos "En esos trenes íbamos todos" nos sale del corazón. Porque es verdad. Porque muchísimos de nosotros hemos cogido esos mismos trenes, a esas horas, para ir a estudiar o trabajar. Es la línea que durante 6 años cogí para ir a estudiar a la Autónoma, en el mismo andén donde explotó la primera bomba.

Lo primero que te viene a la cabeza es todos tus amigos y compañeros, todas esas personas con las que has compartido viaje tantas mañanas. Nadie de mi círculo más cercano resultó afectado, aunque más de uno se libró por los pelos. Sí conozcía a una de las víctimas, Abel, que fue compañero de instituto y cumplía años ese día; otra compañera de instituto perdió a su hermano. Sin embargo te da la impresión de que conoces a todo el mundo. Y así es, conoces a todos, porque has viajado con ellos tantas mañanas de tu vida que ya forman parte de ella. A los estudiantes como yo que leían sus apuntes en el tren. A los que iban escuchando a Gomaespuma y se reían solos cuando el resto del vagón estaba medio dormido. Al niño de la Gameboy, que se sentaba en frente mía y me daba patadas en la espinilla mientras jugaba al SuperMario. A las señoras que se ponían a discutir alegremente los cotilleos de la tele, y que hablaban tan alto que no me dejaban dormir en el asiento. A los emigrantes que iban a trabajar con una actitud digna y conversaban con sus compatriotas en un precioso acento sudamericano o en lenguas que nunca entenderé. A los chicos y chicas que flirteaban de camino al instituto. Todos ellos íbamos como sardinas en lata en aquellos vagones; a veces escuchando música clásica a todo volumen porque el conductor así lo había querido. ¡Ya era hora de que nos despertáramos, hombre!

Los cercanías son los trenes de las hormiguitas, los que tenemos que currar todos los días, haciendo nuestras cosas pequeñas que para nosotros son un mundo. Las hormiguitas hemos sido las víctimas, y no algunos políticos con muy poca vergüenza. Soy una hormiguita, y hace un año muchas hormiguitas compañeras de viaje se quedaron en el camino, y a otras se lo cambiaron por completo. Y otras muchas han de coger el tren todos los días, porque ni siquiera se pueden permitir el lujo de cambiar de ruta.

Con todo mi cariño, para todas las hormiguitas.

Reflexiones Post-Oscars 2005

2005-03-01T21:39:00.000-05:00

Hete aquí la lista de ganadores de los oscar de este año. No se me dió mal la quiniela, 12 aciertos (incluyendo Fotografía y montaje para The Aviator, que no puse en la quiniela que publiqué. Paquito, nos saltamos esas categorías cuando hicimos la quiniela... Qué mal andamos).

Al final tuve razón--si ganaba Mar Adentro, tenía que ganar Million Dollar Baby,y así fue. Pobre tito Marty, que se ha quedado a dos velas, incluso cuando hace una peli para agradar a los apolillados académicos. The Aviator no es una típica película de Scorsese, es un voto de amor al cine de Hollywood, su Schindler's List
. Lo malo es que los logros de la película resultan evidentes a los cinéfilos, mientras que Million Dollar Baby llega a todo el mundo. Es más fácil empatizar por alguien que lucha por salir adelante que con un muchimillonario megalómano, mujeriego y obsesivo-compulsivo. Como dice Matt (mi compañero de fatigas), en realidad Eastwood ha hecho una película de Hollywood disfrazándola de película independiente, mientras que Scorsese ha seguido en su línea independiente disfrazándola de película de Hollywood. Total, que al final todo queda en casa.

Este año no me cabreé mucho con los premios, porque hubo bastantes coincidencias en la segunda columna las veces que fallé. Hubo más alegrías: Amenábar; Thelma Schoonmaker por montaje, quien lleva trabajando con tito Marty desde Raging Bull (Toro Salvaje), así que es como si le hubieran dado un cachito de premio a Scorsese; el flipado de Charlie Kaufmann (los académicos todavía se acuerdan de Eternal Sunshine, aunque se estrenó hace más de un año!); la Blanchett, Morgan Freeman.

Comentarios varios:

- Me encantó el detalle de Jorge Drexler, que pasó de discurso de agradecimiento para cantar un trocito de su canción él mismo. La organización no le dejó cantar en directo, supongo que porque no es lo suficientemente conocido para ellos, y dejaron a Antonio Banderas interpretar la canción bastante pasado de rosca. La carita de Drexler al final de la canción era un poema. Así que Jorge Drexler se vengó.

- Siguendo con las canciones, qué horror Beyoncé, también pasada de rosca. Supongo que el hiperdramatismo es lo que les mola en Hollywood, pero al resto del mundo nos da urticaria. Se cargó inmisericordemente la canción de Les Choristes, con esos gritos y gorgoritos (qué tenía de malo el coro???). La de Phantom of the Opera estuvo algo mejor, aunque la canción tampoco es gran cosa, incluso cuando el mismo Lloyd Weber acompaña al piano. Y la de The Polar Express... pues directamente quité el sonido; por la Beyoncé, y porque no pueeeeedo con las baladitas.

- Se agradece que espabilaran la ceremonia, para que el personal no se durmiera. Casi se hizo entretenido y todo. Eso sí, dar los premios en el pasillo me pareció una cutrería. Como dijo Chris Rock (que fue un digno presentador), a este paso el año que viene ponen un 'drive-through'* para repartir los oscar.

- Sección marujeo: Que alguien le diga a René Zellweger que no tiene glamour, que sus pintas de granjera no pegan con lo que se pone. Me encanta como actriz, pero sus ínfulas de elegancia me dan pena. Cuando recogió el oscar el año pasado, su falsa modestia me resultó patética. Y el moreno teñido le sienta fatal.

En general, la ceremonia no tuvo muchos incidentes, aparte de la bombilla que explotó cuando hablaba Jeremy Irons (quien salió al paso elegantemente, "Fuera quien fuera, espero que haya fallado"). No fue ni especialmente conmovedora, ni emocionante. Tuvo sus puntos, pero ya está. Ahora sólo me queda ver un par de peliculillas que se me han quedado en el tintero (Sideways y Hotel Rwanda), pero por lo demás, por fin se acabó la temporada de premios.

*Para los que no lo sepáis, un 'drive-through' es una sección de los restaurantes de comida rápida, donde pides lo que quieres desde el coche y te lo dan por la ventanilla. Típico americano.

Mi Quiniela de los Oscar

2005-02-26T20:35:00.000-05:00

Seamos sinceros: los Oscar son un asco. Para mí son como los Reyes Magos, me voy haciendo ilusiones para luego llevarme un chasco. El año pasado fue una excepción, dado que la trilogía de Lord of The Rings es en sí un fenómeno no sólo cinematográfico, sino cultural. Mis años de cinefilia (que ya son unos pocos)me ponen en sobreaviso. Eso no quita que no me guste sufrir en casa viendo los oscar; además aquí me lo ponen más fácil porque puedo verlos mientras ceno tranquilamente. También es una de las pocas ocasiones al año que me da por marujear, es un "guilty pleasure" del que no quiero privarme. Mañana vienen un par de amigos a casa, y vamos a ver los oscar juntitos. Uno de ellos no me da que sea muy cinéfilo, así que espero que no me arruine la noche más de lo que me pueden cabrear los oscar. Ya os contaré.

Como todos los años, desde hace ya.... muchos años, mi amigo Paco y yo hacemos la quiniela. Este año, gracias al instant messaging hemos podido hacerla a la vez como en los viejos tiempos :) Paco siempre acierta más que yo en las quinielas, del mismo modo que siempre gana al Trivial Pursuit, porque aparte de ser un tipo inteligente es un potras. Pero yo le quiero igual :-*

Esta es mi quiniela. Mi método es poner 3 columnas: la primera es mi apuesta oficial, la segunda es mi apuesta de corazón, y la tercera es donde pongo lo que me gusta que no ha aparecido en las dichosas nominaciones. Así me quedo a gusto. Cuando coinciden las 3, suele ser mi apuesta suicida del año, y suele ser la que siempre fallo. Acompaño la lista de algunos comentarios, si me da tiempo, escribiré algunas impresiones más; si no, las incluiré en los comentarios post-oscar.

Ahí queda eso.

(Haced scroll hacia abajo, porque el blog este me ha puesto la tabla muy, pero que muy abajo.)
|
|
|
|
|
V

	Mi apuesta	Aunque debería ser	A mi quien me gusta es...
Pelicula	The Aviator	Million Dollar Baby	The Incredibles, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Kill Bill Vol. 2
Director	Marty Scorsese	Clint Eastwood	Tito Marty, Eastwood, Mike Nichols, Tarantino (Kill Bill Vol. 2, premio a la película más ignorada este año), Michel Gondry por Eternal Sunshine
Actriz	Hillary Swank	La Winslet	La Winslet, Uma Thurman en Kill Bill
Actor	Jamie Foxx	Johnny Depp	Jim Carrey en Eternal Sunshine , por demostrar que es capaz de interpretar con sutileza y sensibilidad.
Actriz Secundaria	Cate Blanchett	La Blanchett	La Winslet en Finiding Neverland y Daryl Hannah en Kill Bill Vol. 2
Actor Secundario	Morgan Freeman	Alan Alda	Freddie Higmore (el niño de Finding Neverland)!! y Clive Owen
Peli animada	The Incredibles	The Incredibles, porque Shrek 2 está graciosa pero ná más, y Shark Tale como que por lo visto es un bodrio	The Incredibles
Peli Extranjera	Mar Adentro	Mar Adentro, pa que dé yo unos pocos saltos	Pos este año me da vergüenza, porque no he visto casi nada de este año que no sea en inglés. Hero estaba muy bien.Todavía no he visto la de Almodóvar (y que conste que tengo intención).
Guión Original	Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Charlie Kaufman	Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Charlie Kaufman (Esta es mi apuesta suicida del año)	He dicho que me encanta Eternal Sunshine of the Spotless Mind? Y viva Tarantino. Y Shaun of the Dead, porque los brits están demostrando que son los mejores haciendo pelis de zombis.
Guión Adaptado	Million Dollar Baby	Sideways (por ser la peli revelación del año)	Finding Neverland
Canción	Al Otro Lado Del Rio, The Motorcycle Diaries	Me ha encantado la de Les Choristes	Las canciones de Eternal Sunshine. Y detesto a Lloyd Weber profundamente.
Banda Sonora	Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events(por rara)	Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, porque es lo mejor que ha hecho Williams últimamente	Pues este año me gustan todas, más Spiderman 2, The Incredibles y The Aviator, que Howard Shore desde que ha descubierto su vena épica hace cosas estupendas
Maquillaje	The Passion of the Christ (siempre he querido q gane el oscar una peli gore!)
Vestuario	The Aviator
Dirección Artística	Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Evernts	The Aviator
Efectos Especiales	I, Robot	Qué pobres están los efectos especiales este año, ¿no?
Efectos de sonido	The Aviator
Edición de Sonido	The Incredibles
Documental	Super Size Me
Corto Documental	Hardwood
Corto accion real	7.35 de la mañana (seamos patrios)
Corto animado	Gopher Broke

Mar Adentro en los USA

2005-02-19T22:18:00.000-05:00

Por fin he visto Mar Adentro , este mismo fin de semana que ha llegado a Atlanta. A los que estáis en España os dará casi lo mismo, porque allí está ya en DVD. Pero a mí me hace mucha ilusión ver una peli de Amenábar por estos lares. He visto todas sus películas en pantalla grande, y esta no iba a ser menos.

Dejando de un lado las polémicas por el tema de la eutanasia (que ya dan lugar a discusiones bilingües en los foros de la IMDB), tengo que decir que me ha parecido una película magnífica. Es un ensayo sobre la situación en la que se encontraba Ramón Sampedro, e intenta reflejar todos los puntos de vista, aunque prevalezca el punto de vista del protagonista. Un reparto estupendo, en el que para mí los mejores son los que menos publicidad se han llevado por la película; dirección fantástica (ahora entiendo dónde entra el estilo Amenábar en esta historia); y un guión con un crescendo impecable, aunque deja con la impresión de que hay cabos sueltos. Ya he leído comentarios que la tachan de sensiblera; es cierto que consigue arrancarte más de una lágrima, pero seguro que los autores de esos comentarios no se acuerdan de las pelis de Spielberg de hace más de 10 años (y mucho ojito, que Spielberg también es mi tito, pero cuando le da por la sensiblería es insuperable).

No he leído mucho de lo que piensa la crítica americana de Mar Adentro (The Sea Inside la han llamado por acá), parece que no ha levantado mucha polémica a pesar del tema, y eso puede que sea bueno o no. La falta de polémica también puede significar falta de publicidad. No voy a ser derrotista como lo son en El Mundo, donde ya están diciendo que la película no conecta con el público estadounidense porque la recaudación está por debajo de la de La Mala Educación o la peli francesa Les Choristes, sin contar ni el número de pantallas en las que están ni el tiempo que llevan en cartel. A mí ya bastante triunfo me parece que la película haya llegado a tanta gente, y sacar a la palestra un tema polémico con sensibilidad y eficacia.

Me da lo mismo si Amenábar gana o no el oscar. Si gana, me pondré a dar botes; si no, pues me aguanto. Sigo pensando que el destino de esta película en los oscar está ligado al de Million Dollar Baby, y los que hayáis visto esta última me entenderéis. Son películas sobre gente de clase trabajadora, con pocos medios, que luchan por seguir adelante y conseguir una vida digna, que hablan con el acento de su tierra porque pertenecen a ella. Sería una injusticia que Eastwood se llevara algo y Mar Adentro no, o al revés (aunque en un rincón de mi corazoncito sigo esperando que a última hora haya un vuelco y gane tito Marty).

Inciso sobre los acentos: me ha encantado la variedad de dialectos y lenguas de la película, algo que el cine español aún se resiste a explotar (¿restos ideológicos de la dictadura?). Claro, que los hispanohablantes de este lado del atlántico parece que lo pasan un poco mal para seguir el diálogo; dos señoras argentinas en la sala se quejaban del acento gallego, y eso que es bastante light, y de lo confuso que es el español de España, sin haber caído en la cuenta que también hablan en gallego y en catalán. Entiendo que cueste seguir el diálogo al principio, pero es cuestión de acostumbrarse y pegar el oído. (Creo que ya es sabida mi postura en cuanto a la vaguería linguística del público en general, pero lo repetiré: cerrarse a aprender idiomas y dialectos es una actitud un tanto facha de la que hay que deshacerse.)

Mar Adentro me ha llegado dentro, y no pienso entrar al trapo de polémica sobre los temas de la película, o la calidad de la misma. Me gusta discutir, pero en este caso quiero preservar lo que he sentido en el cine lejos de discusiones. Tiene que ver con la película, y con poder ver de nuevo una película española en pantalla grande, ver caras familiares y conductas que te resultan cercanas, aunque nunca haya estado en Galicia :( , en contraste con la gente que me rodea aquí. Espero que se me permita tener algo de morriña.

Million Dollar Baby

2005-02-16T21:17:00.001-05:00

DQKPRRCM5TFX

Llevo como tres semanas diciendo "mañana escribo una crónica", y nunca encuentro un rato. La gripe dichosa me tuvo apartada del ordenador, y aún estoy intentando recuperar el trabajo que no he pude hacer. No me puedo explayar mucho, pero tengo que contaros lo estupenda que es Million Dollar Baby, la última peli de Clint Eastwood, mi republicano favorito.

No quiero destripar mucho la peli, aunque si la queréis destripada y sabéis inglés, sólo tenéis que buscar un poquito para leer la polémica que se ha creado alrededor su giro argumental. Y no cuento nada más.

El tema del boxeo no me llama mucho la atención, la verdad, pero dado que la crítica en general se deshacía en halagos hacia Eastwood, y que decían que era tan buena como Mystic River, que me encantó, pues allá que me fui. Y comprobé que, efectivamente, es tan buena como Mystic River. No he visto Rocky, ni sus efectos secundarios, pero no creo que llegue al nivel de sutilidad e inteligencia de Million Dollar Baby. Eastwood hace de una historia de superación personal, de esas que tanto se llevan en las TV-movies de la hora de la siesta, una histora conmovedora pero muy lejos de ser cursi. Como en Mystic River, los protagonistas son currantes, gente que tiene que luchar cada día por salir adelante, con sus fantasmas personales que les persiguen y no le dejan en paz. Y como en Mystic River, se pone en cuestión qué rábanos ha hecho esta gente para que Dios no les eche una manilla (y ya os podéis ir imaginando quiénes han empezado la polémica). Million Dollar Baby es una obra soberbia, del mejor Eastwood (que ya me está dando mala espina, y me da que se llevará el oscar y tito Marty se quedará a dos velas como siempre; por otro lado, si se lo lleva Eastwood se lo debería llevar Amenábar, pero ya hablaré mañana de mis oscar woes).

Todo el argumento se centra en los tres personajes principales--Hillary Swank es una camarera que quiere salir adelante y hacer algo con su vida; Clint Eastwood es un entrenador con sus miedos y traumas, que no quiere chicas en su gimnasio, y Morgan Freeman es el portero del gimnasio, que sabe más de boxeo de lo que parece. Realmente estas tres últimas líneas no les hacen justicia a los tres maravillosos personajes, encarnados igual de maravillosamente por cada actor, pero sin tirarse el moco, como lo harían Pacino o De Niro. La Swank y Morgan Freeman ya sabíamos que son fantásticos (aunque la primera no haya dado pie con bola desde su oscar), el que te deja clavado en la silla es Clint Eastwood. Si en Unforgiven encarnaba a un pistolero crepuscular, aquí vemos cómo sería Harry el Sucio si se hubiera dedicado al boxeo. Y ver llorar a Harry el Sucio es una experiencia inolvidable.

Si no habéis visto Million Dollar Baby, no sé a qué estáis esperando. No os olvidéis los pañuelos de papel.

Nominaciones a los Oscar 2004

2005-01-25T09:20:00.000-05:00

Ya han salido las nominaciones! Podéis consultar la lista aquí en español, o aquí en inglés, con links a las diferentes peliculas.

Estoy casi satisfecha con las nominaciones, pero también será porque aún no me he despertado... Ya me cabrearé después, ahora mismo tengo que acabar un trabajillo antes de las 11. Luego sigo.

Tim Burton's Corpse Bride

2005-01-24T16:13:00.000-05:00

Ya esta disponible el primer trailer de Tim Burton's Corpse Bride, la proxima peli de Tim Burton (despues de que Charlie and the Chocolate Factory se estrene en julio). El titulo se traduce algo asi como 'La Novia Cadaver'.

Le tengo tantas ganas a esta o mas que a Charlie..., porque es la vuelta de Tim Burton a la stop-motion (romantico que es el). The Nightmare Before Christmas es una de mis peliculas mas favoritas del mundo mundial, y parece que en The Corpse Bride Burton ha metido tanta mano como en aquella. De hecho, figura como director de esta ultima, mientras que no era asi en Nightmare.(James and The Giant Peach para mi no cuenta como pelicula burtoniana, era mas una pelicula de Henry Selick, el director.)

Para que se vaya haciendo la boca agua, solo hace falta ver el reparto de voces: Johnny Depp en el papel protagonista (y no me negueis que el mun~equito aqui no se le parece); Helena Bonham-Carter como la 'corpse bride', Emily Watson como la novia vivita y coleando, Albert Finney, Richard E. Grant, Christopher Lee, y Joanna Lumley (la rubia de Ab Fab), todos menos Depp super-British y superestupendos.

Echadle un vistacete al trailer, que anuncia una extran~a comedia de enredo, lo suficientemente siniestra para estrenarse en Halloween :) Sera una estupenda manera de celebrar el cumplean~os de Peter Jackson.

(Los que querais leer la historia original en ingles, podeis hacerlo aqui.)

Otro dia hablo de la peli de Wallace y Gromit, mis otros amores animados.

Globos de Oro 2005

2005-01-16T23:48:00.000-05:00

Otra de las ventajas de vivir en los EEUU es que no tienes que pasarte la noche en vela para ver los premios peliculeros, y los puedes ver mientras cenas tranquilamente; así, si algo te hace ilusión, puedes dar botes y grititos sin temor a despertar a nadie (es que una servidora es muy expresiva...). Gracias a esto, he podido ver a Amenábar recoger en directo su globito de oro; Amenábar es mi héroe, al demostrar lo poco útil que es la carrera de Imagen y Sonido (ahora Comunicación Audiovisual) y lo poco que tiene que ver con hacer películas. Y he dado mi gritito de rigor pa quedarme a gusto :D

Se agradece que los Golden Globes los hagan ligeritos y tal, no como la agonía de los oscar. Eso sí, son premios que desafían toda lógica, y hacer una quiniela de ellos es poco menos que imposible. Así no me explico que tito Marty pierda ante Clint Eastwood (que ya tiene premios y reconocimiento oficial), y que luego The Aviator gane mejor película, y el pobre Scorsese tenga que subir al escenario todo colorado, mientras sus productor le llamaba 'genio'.

Que nadie se crea que los Globos de Oro son 'la antesala de los oscar', porque hace mucho que la prensa extranjera va a su bola, y elige distinto de lo que los viejos apolillados de la Academia. No creo que el estupendísimo Clive Owen ganara, ni Natalie Portman, con sus personajes sexualmente honestos de Closer. Ni siquiera nominarán a Jim Carrey por Eternal Sunshine of the Spotless Mind, película maravillosísima, romantiquísima, y originalísima (en España tiene el horroroso título de ¡Olvídate de Mí!; si alguien se encuentra con el engendro al que se le ocurrió la traducción, por favor que le dé un puñetazo de mi parte; por una vez prefiero el versito de Alexander Pope, quien me hacía dormir de lo lindo con su poesía). Eternal Sunshine es para mí la mejor película del año pasado, tanto que se la puse a mis alumnos de Media Studies el trimestre pasado en cuanto salió en DVD (y les encantó), y se la voy a cascar a los que tengo ahora otra vez, a ver si se culturizan.

Lo único que espero después de ver los Globos de Oro es que en los Oscar gane de una puñeterísima vez Scorsese, que esta vez se lo ha puesto al huevo pa ganar, y que Amenábar suba a recoger otro premio. (Todavía estoy flipando cuando pienso que Peter Jackson ganó el año pasado... y llegó a mencionar Bad Taste y Meet the Feebles en escena...). Y puestos a soñar, que le den otro premio al flipado de Charlie Kaufman, por Eternal Sunshine.

Esta noche había 4 personas en los Globos de Oro con los que me he cruzado por la calle: Amenábar (en Plaza Callao de Madrid), Javier Bardem (en Gran Vía de Madrid, aunque no le vi), Natalie Portman (Central Square en Cambridge) y Cate Blanchett (en Edimburgo). Vamos, me siento hasta importante y todo :P

La lista completa de nominados y ganadores está aquí.

Doblaje de videojuegos

2005-01-15T13:31:00.000-05:00

Hoy me he encontrado con un artículo que me recuerda por qué no quiero volver a España para enseñar inglés (además de la razón obvia de que lo que estoy haciendo ahora mola mucho más). Resulta que un grupo de jugones ha iniciado una campaña de petición de firmas online para pedir que doblen el juego Metal Gear Solid 3: Snake Eater al español de España. Para ellos, leer subtítulos les 'saca' de la experiencia del juego.

Mi primera reacción ha sido pensar '¡¡APRENDED INGLÉS PEAZO DE VAGOS!!', para empezar, dado que me repatea que a la gente le moleste leer subtítulos (pero qué vaguería, poddios, qué vaguería!). Realmente la política lingüística de Franco fue de lo más eficaz, porque tiene a una amplia mayoría con el cerebro lavado para que sólo piensen en términos monolingües, y rechacen lo bonito que es disfrutar de la variedad lingüística. Nuestros vecinos portugueses no tienen doblaje, y por regla general se defienden mucho mejor en inglés, además de entender el español mucho mejor de lo que los españoles entienden el portugués.

Una de las razones que da Navegante para esta petición es el precedente de Halo 2 (y según mi hermano, también el primer Halo), que ha salido en España con doblaje mejicano. Apelaría al argumento monolingüe de nuevo, si no fuera porque soy consciente de que los dobladores mejicanos son unos chapuzas (cada vez que se me va el dedo viendo la tele y sale una peli doblada en TeleMundo, no aguanto más de 5 segundos). Si vamos a tener doblaje, que sea con dobladores españoles, que son los mejores del mundo (aunque es una pena que algunos traductores no estén a la altura, pero bueno).

Si miráis las firmas de la petición, os daréis cuenta de que estos jugones son un poquito lerdos, porque para que sea válida hay que dar los nombres de verdad (y de dónde eres), o por lo menos eso es lo que hacen el resto de peticiones que he visto online. También demuestran que saben menos de la serie Metal Gear de lo que presumen. El primer juego salió allá por 1987, para MSX (un estándar para ordenadores personales basados en Z80), para los que todavía nos acordamos, y si mal no recuerdo, ya entonces salió traducido al español (no tenía voces, claro).

De lo que tampoco se han enterado es de que el juego no ha salido traducido nada más que al inglés (porque el original es JAPONÉS), y el doblaje al inglés es súper cuidado y en línea con el resto de la serie. La versión americana viene con subtítulos opcionales en inglés, francés, japonés y ruso. Y de Metal Gear Solid 3 puedo hablar un poco, porque el juego lleva aquí en casa como dos meses (completado 2 veces).

Mensaje para los jugones: aprended inglés de una puñetera vez, que además os puede servir para encontrar un buen trabajo. Y si también aprendéis japonés, mejor para vosotros.

Closer

2005-01-10T23:42:00.000-05:00

Debo confesar que no quería leer mucho sobre esta película antes de ir a verla. Me bastaba con saber cuál era el reparto (Jude Law, Clive Owen, Natalie Portman, y Julia Roberts; esta última no es alguien que me atraiga, pero el resto sí), y que está dirigida por Mike Nichols (quien por cierto también ha dirigido Spamalot). Las críticas han sido todas muy buenas, además Nichols está de moda después de dirigir la miniserie Angels in America, de la que hablaré un día de estos cuando la vea. Así que al fin hice un hueco para verla. (Para los que queráis saber algo más, aquí está la página oficial en inglés; para los que seguís resistiéndoos a leer en inglés, también está la página oficial en español, que es una pobre copia de parte de los contenidos de la primera.)

Primera sorpresa agradable: Jude Law está guapísimo, aún más de lo habitual. Segunda: la acción tiene lugar en Londres, así que tenemos a los chicos hablando con acento británico (necesito mis raciones de british accent pa sentirme bien).

Pero lo que más me gusta es que es una adaptación teatral, en la que han sabido conservar la intensidad del escenario en términos cinematográficos. Supongo que buena parte de esto es 'culpa' de Nichols y su buena mano con los actores. También Clive Owen había actuado en la versión teatral en el National Theatre de Londres (haciendo el papel de Jude Law). Bueno, el caso es que tenía la impresión de que me había teletransportado a Londres, y estaba viendo una obra en el NT o el Royal Court, pero en película. Realmente el híbrido está muy conseguido, y yo estoy encantada de poder disfrutar de teatro contemporáneo británico por 6$.

Mientras veía la película, se me ocurrió que el autor parecía seguir la estela de David Hare (dramaturgo estupendísimo, guionista ocasional de pelis como The Hours), en los temas y la estructura. Claro que le falta el don que tiene Hare para que el diálogo suene natural y creíble, y no de obra del West End; Patrick Marber (responsable de la obra original y de la adaptación) se empeña en meter líneas que valgan como 'citas para la posteridad', recogiendo ideas abstractas para que uno se dé cuenta de qué va la obra (verdades y mentiras, fidelidad, amor, sexo, identidad). Luego he leído que es amigo y discípulo de David Mamet (que se divide ahora entre el cine y el teatro, otro de los grandes del teatro contemporáneo... americano), y la verdad es que es cierto que tiene aire a lo Mamet, en lo explosivo de las escenas y los conflictos, y en lo perturbados que están los personajes, sobre todo los que parecen más normales.

La obra es interesante... digo la película es interesante, donde lo más flojo me parece la Roberts, a la que no me puedo creer hablando de sexo sin tapujos. Natalie Portman se sale en su papel, demostrando que es más que una cara bonita (como le pasa a DiCaprio en The Aviator). Y los chicos, Jude Law y Clive Owen, realmente dan un recital espectacular. Creo que lo que más me tira de la película es la forma y lo bien interpretada y dirigida que está, mientras que los temas en sí la verdad es que me importan poco. Eso sí, me parece estupendo que se estrene una peli en los EEUU en la que hablan de sexo sin cortarse un pelo, que reciba buenas críticas, y que de momento los cristianos radicales no hayan salido a protestar. (Claro que esta no la recomendarán en los medios cristianos, porque prefieren Christmas with the Kranks....)

Tener la oportunidad de revivir mi interés por el teatro contemporáneo, que tengo abandonado porque no puedo estar a todo, siempre es refrescante. Y si encima está bien adaptado, dirigido e interpretado, pues sienta mejor. A mis amigos teatreros, no os la perdáis.

Assault on Precinct 13

2005-01-09T18:04:00.000-05:00

Navegando que es gerundio, me he encontrado con el trailer de la nueva versión de Assault on Precinct 13 (creo que en España se tituló "Asalto a la comisaría del distrito 13"). Vi el original ayer (me ha dado por John Carpenter últimamente), y la verdad es que me impresionó mucho. Es una película de bajo presupuesto, con actores que nadie conoce (y es por algo), pero con una historia inquietante. Es un western mezclado con película de zombies y disfrazado de peli de acción; con una estructura simple pero eficaz.

El remake tiene pinta de peli de Hollywood, con un reparto interesante (Laurence Fishburne, Gabriel Byrne) y Ethan Hawke, que me repele un poco el chaval. En el trailer ya se ve que le van a quitar todo el encanto, empezando porque te explican por qué atacan la comisaría (en la original no lo hacen, de ahí viene el toque de peli de zombies). Así que creo que es una película de la que no hablaré en estas crónicas. Si pilláis la original de Carpenter (1976) un día de estos en la tele (probablemente a altas horas de la madrugada) no os la perdáis.

Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events

2005-01-09T15:26:00.000-05:00

Este es el título original de Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket
como se ha titulado en España. He de recordar que los que 'traducen' los títulos no son traductores, sino publicistas; por eso las pelis tienen acaban con estos truños de títulos. A mí me hubiera gustado más "Una serie de desdichados acontecimientos, de Lemony Snicket" (el Snicket este es el "autor", que se mete como personaje en la narración). En la peli, este papel lo hace Jude Law, de quien sólo vemos su silueta, y podemos escuchar su dulce voz de narrador. Si queréis escucharle, podéis ir a la página oficial, donde se puede escuchar el principio de la narración.

A Series of Unfortunate Events es la apuesta de la Paramount para competir con Harry Potter (que es de la Warner). Está basado en una serie de libros escritos por Daniel Handler (bajo el pseudónimo de Lemony Snicket, que es a quien las editoriales presentan como autor), de los que sólo he leído un poco porque no me terminaron de enganchar. Son libros para jóvenes y menos jóvenes, con un supuesto humor negro y tono cínico que a mí me parece bastante descafeinado (soy fan de los Monty Python, no os olvidéis).

Aparentemente la película es una adaptación muy buena de los libros, y la película en sí está bastante bien. No os creáis que es sólo un vehículo más para Jim Carrey en su faceta histérica (que es la que no me mola), que lo es. Tiene un reparto estupendo -- Meryl Streep, Billy Connolly, Timothy Spall, Catherine O'Hara, y hasta Dustin Hoffmann haciendo un cameo bastante largo que aún no sé a qué viene. Tiene una factura fantástica, equiparable a las pelis de Harry Potter (dirección artística, vestuario, fotografía, música chulísima de Thomas Newman). Es entretenida y tiene sus golpes, y para ser una película navideña la verdad es que se agradece que no sea una chorrada almibarada llena de nieve y canciones irritantes, y que sea algo más mordaz.

A mí no me termina de enganchar, porque entre mis cosas más favoritas las hay que son mucho mejores que esto--los Python, Harry Potter y The Nightmare Before Christmas han sentado precedentes que el tal Lemony Snicket está aún lejos de alcanzar. La película también tiene el problemilla de que adapta más de un libro para la película (son cortitos), y se hace muy episódica. Es fiel, por tanto, al concepto de 'serie', pero si de verdad quisiera ser fiel, sería una serie de televisión, y entonces probablemente funcionaría mejor. A Series of Unfortunate Events es el tipo de material del que la BBC sabe sacar partido, pero en formato de película de Hollywood a mí no me termina de convencer, porque se hace un poco larga.

Otro problema que le veo es que los personajes son muy planos; tienen toda clase de tics y características que les definen, pero les falta humanidad y es difícil empatizar con ellos. Esto es especialmente grave en el caso de los 3 niños protagonistas, a quien se les ve potencial para actuar, pero se quedan en caras fotogénicas y sin carisma. Esto también puede ser culpa del guionista, que es el mismo que el de Men in Black II.

Por otro lado, la dirección es bastante interesante, la narración es curiosa; no se queda en conseguir imágenes impactantes, sino que además hace de ellas una historia memorable. Sabe mantener el suspense, y hasta dónde enseñar lo que pasa, sin limitarse a ilustrar la historia de manera decorativa (más como Alfonso Cuarón en la última de Harry Potter y no como Chris Columbus en las 2 primeras).

Total, si os apetece pasar un rato viendo "acontecimientos desdichados" (no os llevéis mucho a engaño, sigue siendo una peli de Hollywood), y no os da grima Jim Carrey (que todo hay que decirlo, aunque histérico está en su papel como lo estaba en The Mask), pasaréis un buen rato con esta peli.

The Life Aquatic With Steve Zissou

2005-01-08T22:15:00.000-05:00

Creo que The Life Aquatic With Steve Zissou no se ha estrenado en España todavía, y probablemente aún tarde un poco (los Oscar probablemente aceleren un poco la fecha de estreno). Es una película rarita, como todas las pelis anteriores de Wes Anderson (Rushmore, The Royal Tennenbaums). Si le echais un vistazo al trailer , tiene pinta de comedia, y lo es, pero es una comedia extraña con un humor que a veces te desarma. La película es una "comedia dramática", si se me permite el oxímoron, que a primera vista parece una caricatura de los documentales de Jaques Cousteau, que tanto nos descubrieron de la vida marina cuando éramos peques. Ahí empieza la primera extrañeza de la película; cuando parece que los personajes van a ser caricaturas y estereotipos, resulta que su retrato es muy humano y lleno de candor. Esto lo consigue Anderson gracias a un reparto fantástico, con un Bill Murray serio y con ataques de 'action man', Cate Blanchett nuevamente fabulosa, Willem Dafoe haciendo de científico alemán, Anjelica Huston en plan 'femme fatale' despechada, Jeff Goldblum como científico superstar, Michael Gambon salido de madre, y Owen Wilson bordando su habitual su papel de pánfilo.

La película también juega con el género documental y el cine dentro del cine, enseñando el plató en forma de corte transversal de un barco, y luego utilizándolo normalmente. Es una película interesante desde el punto de vista narrativo; de hecho Wes Anderson es el nuevo director favorito de Martin Scorsese, aunque también hay gente que no le soporta.

Que nadie se espere una película de Hollywood cuando entre a ver The Life Aquatic, porque se puede llevar un chasco bien gordo. Es una película refrescante, cuando te apetece que te sorprendan y que dejen de contarte la misma historia de la misma manera, aunque no termines de entender la película.

La película cuenta con un barco que se llama Belafonte (el barco de Cousteau se llamaba Calypso, y Harry Belafonte se hizo famoso cantando canciones denominadas calipso), una banda sonora compuesta casi íntegramente de canciones de David Bowie... en portugués, y cantadas a ritmo de guitarra; lo que no es David Bowie son cancioncillas tocadas en un casio; la mascota de la tripulación es un perro con tres patas; Willem Dafoe hacie un papel cómico frente al papel serio de Bill Murray. Si la extrañeza de todos los elementos os llama la atención, The Life Aquatic With Steve Zissou es vuestra película.

Violencia y Videojuegos

2004-12-29T18:08:00.000-05:00

Todas las mañanas me dedico a hacer una revisión de las noticias del mundo mundial, para no perder la costumbre de horrorizarme todos los días. El terremoto / maremoto del sur de Asia y sus consecuencias todavía me tiene tocada; es imposible poner palabras, y de hecho sobran, así que mejor me callo y me limito a dar links de como enviar ayuda.

Ayuda a las víctimas del maremoto: desde España y el resto del mundo

El caso es que ha llamado mi atención un artículo de El Mundo (sí, otra vez, qué le vamos a hacer si es una de las pocas fuentes decentes de información en español) sobre el informe que ha publicado hoy Amnistía Internacional España sobre la discriminación y violencia hacia las mujeres que se representa en los videojuegos. Al leer el artículo he empezado a cabrearme, pero me he cabreado más cuando he ido a la página de Amnistia Internacional a leer el informe de marras.

Para los que no lo sepáis, una de las razones por las que me encuentro en tierra extraña es que quiero estudiar 'media studies', que se parece a Comunicación Audiovisual, pero va bastante mas allá. No es una rama del periodismo, sino mas bien filología aplicada a los medios de comunicación, que no se limita a los 'mass media'; mi especialidad es la adaptación y la relación entre diferentes medios como la prosa narrativa, teatro, cine y videojuegos. La gente se toma a coña que estudie videojuegos, cuando es probablemente lo mas difícil de abordar de todo lo que hago; algun profesor me llegó a decir que investigar videojuegos era una pérdida de tiempo, y que me dedicara a mi Shakespeare. Pero yo, que soy muy cabezota, sigo en mis trece, porque creo que puedo hacer una contribución académica y social más importante estudiando videojuegos que intentando publicar articulos sobre Shakespeare en revistas que nadie lee.

En ningún caso defiendo la excesiva violencia de algunos videojuegos, pero también estoy en contra de los informes chapuzas y superficiales como este. Lo que sigue son fragmentos de la carta que he mandado a Amnistia Internacional España. Los que queráis leer la carta entera podéis hacerlo aqui (necesitáis Adobe Reader).

Vaya por delante mi admiración y apoyo a las causas de Amnistía Internacional; considero que su labor es encomiable y valiente, y les considero una organización de prestigio. Como tal, siempre he dado por sentado que cualquier informe que presente la organización es el resultado de una investigación reflexiva y bien documentada. El informe publicado hoy, desafortunadamente, no cumple del todo estos requisitos, y por tanto me siento obligada a publicar una respuesta.

El informe estudia cómo ciertos tópicos sobre el trato discriminatorio y violento hacia las mujeres se ven reforzados en la selección de videojuegos, y como estos son accesibles a menores. El problema es que al publicar un informe en estos términos también se está reforzando la idea de que los videojuegos son mayoritariamente violentos y promocionan la discriminación, cuando esto no es cierto. Se estigmatiza a los videojuegos, negando la idea de que también pueden servir como herramientas de enseñanza, reflexión y promoción de valores positivos. El informe no ofrece ningún ejemplo positivo de videojuegos que promocionen los valores por los que aboga su organización, cuando estos juegos están también disponibles (daré ejemplos más abajo).

Esto me lleva al primer y más grave error que he encontrado en el documento, que pone en cuestión el rigor con el que se ha realizado la investigación. En las páginas 21-22, incluyen el juego September 12th como ejemplo de cómo los videojuegos normalizan los ataques a la población civil, añadiendo que el juego "banaliza los crímenes de guerra, y los abusos de los derechos humanos en general". En los mismos párrafos se niega que su condición de "docujuego" sirva como excusa para hacer un videojuego sobre el ataque a la población civil afgana, y el retrato estereotipado de la misma como "suicidas árabes".

Esto demuestra lo poco que saben los redactores de este informe sobre videojuegos, y el escaso rigor con el que se ha procedido a la investigación del mismo. Para empezar, la compañía que desarrolló este videojuego, Newsgaming.com, ha sido reseñada recientemente por la revista de Amnistía Internacional en EEUU, como ejemplo de cómo los videojuegos sirven como reflexión y comentario sobre la actualidad, de manera similar a las caricaturas y tiras cómicas de los periódicos. Para empezar, estan demostrando que no saben ni lo que se publica en otras ramas de su organizacion.

De hecho, el juego tiene una introducción (en inglés), que advierte: "Esto no es un juego. No puedes ganar ni perder. Es una simulación. No tiene fin. Ya ha empezado. Las reglas son muy sencillas. Puedes disparar. O no. Es un modelo sencillo que puedes utilizar para explorar algunos de los aspectos sobre la "guerra contra el terror"". Cualquier persona con unas nociones mínimas de inglés puede entender estas instrucciones, que parece que sus investigadores han pasado totalmente por alto.

September 12th es un juego con moraleja que intenta reflejar los resultados de la guerra y los ataques a civiles. Como señalan en el informe, el jugador controla el punto de mira de un arma, y tiene la posibilidad (nótese la negrita) de atacar a los terroristas (que no suicidas, como dice el informe ¿quién tiene los estereotipos metidos en la cabeza?) que andan por las calles de una aldea afgana. El arma es un misil, y al lanzarlo, el jugador mata al terrorista y a los civiles que le rodean. Los familiares de los civiles lloran a sus muertos, y a su vez se convierten en terroristas. El proceso no es una idea estereotipada, ni intenta banalizar los crímenes de guerra. El juego quiere llamar la atención sobre una idea muy simple, que es que la violencia genera más violencia, que al pretender acabar con los suicidas lo único que se consigue es fomentar el odio y que la población se vuelva destructiva para luchar contra sus enemigos, y al mismo tiempo se destruye a sí misma. September 12th no tiene fin, tampoco tiene puntuación (que es otra cosa que los investigadores han ignorado) y la población civil se regenera infinitamente, de tal modo que cada vez más y más personas en el juego se vuelven terroristas suicidas si se les ataca. Lo que el juego intenta reflejar es la espiral de violencia creada por el jugador al bombardear a la población civil; el jugador puede optar por no hacer nada, y entonces no hay más terroristas suicidas.

Newsgaming.org también ofrece un juego sobre el 11M titulado Madrid en el que el jugador tiene que encender velas hasta que todas están completamente iluminadas. Es un mensaje de solidaridad y paz, en la línea de comentario político de la compañía, y que es un ejemplo de cómo los videojuegos como medio también intentan comunicar valores positivos a través del juego. (Claro, que no les interesa añadir este juego al informe.)

El informe también adolece de una falta de contexto alarmante a la hora de describir los videojuegos, que demuestran un desconocimiento de sus mecánicas. Si queremos criticar algo, hemos de conocerlo a fondo; si hablamos de un videojuego, bien o mal, primero hay que jugar a ello durante un periodo de tiempo razonable. También hay que seleccionar las palabras y cuidar la redacción, para explicar adecuadamente lo que ocurre en el videojuego.

Esta falta de contexto es lo que les ha llevado al error de calificar September 12th como un juego que permite atentar contra poblaciones civiles, así como incluir a The Sims 2 en la lista de ejemplos que ponen el abuso de derechos humanos e imágenes que pueden herir la sensibilidad de los menores. En el documento afirman que The Sims 2 "ofrece como opciones de interacción de sus personajes la posilibidad de agredir a otra persona" (p. 10). Pero esta afirmación necesita varias puntualizaciones. Primero, el jugador no siempre controla a los personajes en el juego; estos personajes tienen un mecanismo de inteligencia artificial que dicta su conducta. La opción de pegar a otra persona no se incluye como modo de interacción. Will Wright, diseñador de la serie, fue muy cuidadoso a la hora de reflejar la violencia en el juego, y es consciente de la problemática de cómo reflejarla en los videojuegos. En una entrevista (Richard Rouse, Game Design: Theory and Practice, pp. 434-472) mencionaba las discusiones que tuvieron acerca de cómo mostrar que dos personajes están enfadados el uno con el otro. No querían promocionar la violencia doméstica, y como tal diseñaron dos animaciones diferentes, dependiendo de quién esté agrediendo a quién. La animación por defecto era una bofetada de un personaje a otro, pero si el personaje agresor era masculino, y la agredida era una mujer, suavizaron la animación y la hicieron un amago de bofetada, porque no querían legitimar la violencia contra las mujeres como medio de conducta. Cuando dos personajes se pelean, la animación se parece a las peleas en dibujos animados, los diseñadores no querían hacer la representación realista porque no querían hacer un juego violento. De hecho, si los personajes llegan al punto en el que se pelean de ese modo, es síntoma de que el jugador no lo está haciendo demasiado bien. Los Sims son otro ejemplo de cómo los videojuegos pueden basarse en la promoción de las relaciones sociales, no sólo en el juego, sino en la red, con los usuarios creando objetos para el juego e intercambiándolos on line.

En cuanto a las conclusiones del informe, he de decir que estoy totalmente de acuerdo con ellas, y con las recomendaciones que hace, aunque me parecen algo escasas y faltas de contundencia. El cuestionable rigor en lo que al estudio de videojuegos se refiere desvirtúa sus conclusiones; la investigación es muy somera, y las recomendaciones son resultan por tanto algo débiles. Es cierto que hay que establecer un control sobre el acceso que los menores tienen a los videojuegos, y que este control concierne a todos los organismos que citan en el informe. Pero también hay una serie de consideraciones que han de tenerse en cuenta, y que deberían hacerse perfectamente claras:
Los educadores y padres son los primeros que necesitan información sobre los videojuegos a los que tienen acceso los menores. Hay que aprender a analizar los juegos de una manera crítica, y esto no se puede enseñar a menos que sea algo que uno mismo pueda practicar. Se necesita información más detallada, y en caso de que no esté disponible, hay que animar a padres y educadores a jugar a los juegos ellos mismos antes de comprarlos, a través de demostraciones que se pueden obtener online, o en revistas especializadas, o en las tiendas de videojuegos.
Dado que hay diversas instituciones implicadas en el proceso de educación sobre videojuegos, es necesaria una comunicación fluida entre ellas, y la creación de un punto de encuentro institucional donde se pueda obtener información y recursos para la regulación de las calificaciones y la protección al menor.
Es necesario acabar con la ecuación que equipara a los videojuegos con la violencia. Los videojuegos pueden ser una importantísima herramienta educativa, y mientras se mantenga la creencia de que son nocivos para los menores no podrán utilizarse como un medio más dentro de la educación.
También es incorrecta la concepción de que los videojuegos están dirigidos exclusivamente a menores, y que los juegos violentos les perjudican. Cualquier estudio demográfico en los últimos 5 años demuestra que la gran mayoría de jugadores tiene más de 20 años, y por tanto se les supone la capacidad crítica necesaria para saber abordar un juego violento.

Un informe en los términos en los que se ha publicado el informe de AI hace un flaco favor a los que estamos intentando legitimar el medio como una herramienta docente, al centrarse sólo en los aspectos negativos de los videojuegos y no proporcionar contraejemplos. Publicar un informe que contiene diversas inexactitudes en su investigación sólo ayuda a fomentar ideas erróneas sobre el medio. Dado el prestigio de Amnistía Internacional, su informe ha aparecido en la portada de diversos medios electrónicos, impresos y de radiotelevisión. Sus campañas de concienciación me parecen admirables, pero también han de ser cuidadosos y rigurosos en lo que promocionan.

Los fabricantes de videojuegos tampoco parecen estar de acuerdo. Y por una vez, y sin que sirva de precedente, estoy algo más del lado del capitalismo, en cuanto a la calificación del informe de alarmista y oportunista.

Seguiremos informando

The Aviator

2004-12-28T11:07:00.000-05:00

Ayer vi la última peli de tito Marty (Scorsese) The aviator, la biografía de Howard Hughes que se centra en su carrera como aviador (diseñador de aviones y piloto). Para los que no lo sepais, Hughes era un texano muy rico que se metió a director de cine a finales de los años 20, invirtiendo su fortuna en películas. Las más espectaculares son aquellas como Hell's Angels, en las que se veían batallas de aviones de verdad; una de sus películas más famosas es Scarface (la original). Hughes también es famoso por haber sido amante de un elenco de grandes estrellas de Hollywood en los 30 y 40, como Katherine Hepburn, Ava Gardner y Jean Harlow, aparte de las 'starlets' que el señor se llevaba a la cama habitualmente. Hughes, aparte de ser un megalómano, también sufría de Depresión Obsesivo-Compulsiva (aparte de otros traumas) con lo que se le suele recordar como un tipo muy excéntrico, maniático de la limpieza y los gérmenes, y que acabó sus días encerrado en un apartamento de Las Vegas.

En vez de dedicarse a Nueva York y/o los gángsters italo-americanos, Scorsese se dedica a otro tema del que sabe lo suyo, que es el Hollywood Clásico. La biografía se centra no en la parte cinéfila de Hughes, pero en su obsesión con los aviones y volar, y en cómo esa faceta de su vida se relaciona con los otros aspectos que se recuerdan de él. No quiere redimir a Hughes, sino mostrar lo que la gente no sabe de su obra, y las cosas positivas que hizo gracias a su obsesión y excesivo empeño.

The Aviator no es una película de Hollywood al uso, pero es un homenaje a Hollywood y a su cine. Tito Scorsese se modera un tanto en sus habituales florituras, pero no en la belleza y la fuerza de sus imágenes. Una de las sutilezas de la película es que utiliza diferentes tipos de película de acuerdo con la época que está filmando. Así veréis que al principio los colores son muy azules y rojos, y que hacia la mitad los verdes empiezan a ser mas vivos, mientras que hacia el final vemos una paleta de colores más uniforme y luminosa. (Vale, esta es una pijotería de Film Studies, pero no os sentís más cultos es informados después de leer esto? ;))

Total, que la película es una declaración de amor al cine, en forma y parte en el fondo; también es una de esas historias que les gustan tanto a Hollywood, protagonizada por un personaje atormentado que sin llegar a superar sus problemas consigue vencer a las adversidades (más o menos). Es una apuesta clarísima para los Oscar, y ya es puñetera hora de que le den un premio de esos a tito Marty, después de que gente como Kevin Costner, Barry Levinson o Robert Redford se lo llevaran en lugar de él (no me quejo de que se lo dieran a Polanski hace dos años, porque se lo merecía, y además totalmente inesperado). Quiero ver a tito Marty con su propio oscarcillo este año!!!!

La peli tiene más apuestas oscarizables--la fotografía ya mencionada, la dirección artística y vestuario (película de época diseñada por gente que ya tiene sus oscarcillos en las estanterías). Y un reparto de aúpa: Leo DiCaprio, demostrando una vez más que es más que una cara bonita, resolviendo magníficamente el papelón que le ha caído (y para colmo hasta se parece a H.H. al final de la peli); Alan Alda totalmente fuera de tipo y bordándolo; Alec Baldwin, que dice el único taco de la película* de la manera más efectiva posible; y mi favorita, Cate Blanchett haciendo de Katherine Hepburn sin hacerla una caricatura y sin parecerse a ella, y siendo absolutamente creíble (hay que ver la peli en inglés y saber cómo hablaba la Hepburn para poder llegar a flipar con su actuación). También están John C. Reilly en su habitual papel de buena persona, Ian Holm con un papel entrañable que es casi un cameo, Jude Law tan guapo e increíble como siempre haciendo de Errol Flynn (no se parece, pero siempre es edificante verle y oírle en pantalla).

En resumen, si no tenéis nada mejor que hacer, y queréis ver una buena película, no os perdáis The Aviator.

* Las películas no recomendadas para menores de 13 años sólo pueden tener un taco en el diálogo, si tienen más se consideran no recomendadas para mayores de 18 años. Cosas de las calificaciones en este país...

SPAMalot!

2004-12-27T16:16:00.000-05:00

Ayer vivi un dia muy cinefilo. Primero fui a una exposicion en el Museum of Science and Industry de Chicago, que se llama Action! y que quiere introducir a los nenes a como se hacen peliculas. No es que me descubriera gran cosa que ya no supiera, pero me daba la oportunidad de ver de cerquita el Arca de la Alianza y el Santo Grial de las pelis de Indiana Jones, asi como una de las motos de Return of the Jedi, un destructor imperial, y un AT-AT walker por los suelos. Vamos, estar cerquita de maquetas que dan forma a mis suenyos cinefilos de la infancia.(Las fotos pa daros envidia estaran listas pronto.)

Despues de eso, fui a ver Spamalot, el musical basado en Monty Python's The Holy Grail (Los Caballeros de la Mesa Cuadrada), con Tim Curry, Hank Azaria y David Hyde-Pierce (haced click en los nombres para ver lo que han hecho) Estos dias estan de previews en Chicago, antes de estrenar en Broadway a lo grande. La musica es de Eric Idle con John DuPrez (que ha compuesto las bandas sonoras de varias pelis de los Python juntos y por separado).

Realmente no se por donde empezar, ni como explicar que es Spamalot. Afortunadamente, NO se limita a poner los dialogos de la pelicula en canciones. Tengo que confesar que durante la primera mitad me estaba pareciendo que era demasiado Broadway, y demasiado 'light' para ser los Monty Python. Y tambien demasiado lujoso--echaba de menos la cutreria y la suciedad de la pelicula, para mi gusto habia demasiada brillantina y lentejuelas. Pero al llegar el segundo acto, el cariz de la representacion cambio. Para empezar, la accion pasa a tener lugar en "a very expensive forest" (un bosque muy caro) y arranca con una version muy majeta de "Always Look on the Bright Side of Life," con los caballeros de Ni bailando los coros.

Lo que yo estaba esperando de un musical de los Python es que pervirtieran el teatro musical del mismo modo que pervirtieron la television y el cine. Tener a Tim Curry en el papel del Rey Arturo ya prometia algo de perversion (para algo es el original Frank 'N Further, en el musical mas pervertido de todos los tiempos, The Rocky Horror Picture Show). Spamalot se mofa de los momentos romanticos en los musicales con la cancion "The Song that Goes Like This", diciendo cosas como "esta es la cancion del punto culminante, en la que nos dedicamos a sobreactuar como posesos". Tambien Tim Curry canta "I'm All Alone" (Estoy solito) a duo y finalmente con un coro de caballeros en su armadura. Pero el mejor momento es sin duda David Hyde Pierce, interpretando a Sir Robin y cantando "You Won't Succeed in Broadway" (No tendras exito en Broadway)... si no tienes un judio. Tiene un crescendo perfecto, empezando con un solo, y acabando con una estrella de David con miles de bombillas relucientes.

Otro de las contribuciones del musical es la aparicion de la Dama del Lago (la que le dio a Arturo Excalibur), como la diva que no soporta estar fuera de escena demasiado tiempo, y la que canta todas las baladitas, sobreactuando que da gusto a proposito. Y lo mejor es que la voz de Dios es... John Cleese. Por supuesto.

El otro momento culminante fue un fallo tecnico. Con la historia de tener tanto escenario movil, por lo visto estaban teniendo problemas con uno de los decorados, y despues de un numero en el segundo acto, las luces se encendieron, y una voz dijo que tenian problemas tecnicos y que la representacion se reanudaria en breves momentos. Todos nos quedamos mirandonos y preguntandonos si no seria otra estrategia de los Python (con ellos, nuca se sabe). Pero parecia que iba en serio. El caso es que tras 5 minutos aparece Hank Azaria, vestido de Lancelot y metido en su personaje, y diciendo que tienen problemas con el decorado de un castillo y que estan en ello. Alguien en el publico grita "Te queremos, Hank!", y Azaria responde que saber su verdadero nombre no le iba a hacer mas misericorde. El hombre no se le ocurre mas que decir "Alguna pregunta?", y la gente, claro, empezo a preguntar. Hank Azaria empezo a olvidarse del personaje (i.e. hablaba con su acento americano en vez de ingles), y a ponerse nervioso ("Bueno, como vamos con ese castillo?") , pero sin perder el humor y siempre de conya. Despues de confesar que estaba viviendo "la peor pesadilla de un actor" (i.e. estar delante del publico sin tener nada que decir), arreglaron el castillo, Azaria volvio a ser Lancelot, y se apagaron las luces. Por que sera que cuando se rompe la cuarta pared todo es mas divertido e interesante?

(Por cierto, Hazaria es el encargado de interpretar todos los papeles que interpretaba John Cleese (i.e. Dios) en la pelicula; y aunque no sea Dios, hace un dignisimo papel.)

La representacion acaba con un karaoke de "Always Look on the Bright Side of Life"; los puristas objetaran que es una cancion de Life of Brian, pero dado que es una cancion fantastica se agradece el tener la oportunidad de cantarla a grito pelado con un punyado de fans de los MP. Claro, que los fans tienen su guinyo para expertos nada mas empezar la obra, con "The Fish Schlapping Song", que es una version de la cancion Finland que cantaba Michael Palin.

Vamos, que me lo pase pipa. Si alguien tiene la oportunidad de verla en Broadway, que no se la pierda. Los que no, pues podeis visitar la pagina oficial, y/o compraros la banda sonora cuando salga.

"Al-ways lookon the briiiiiiight siiide of liife" (silbidito)

FELIZ NAVIDAD

2004-12-25T14:10:00.000-05:00

Os escribo despues de sobrevivir a un viaje a traves del medio oeste de los EEUU, carreteras heladas incluidas. Muy cinefilo todo, empezo siendo una postal de navidad, y acabo pasando a ser Fargo, y finalmente The Shining (El Resplandor). Claro que lo mas terrorifico eran los carteles que anunciaban iglesias como si fueran supermercados baratos y almacenes de armas. La pelicula tiene final feliz, porque ahora estoy disfrutando de unas navidades perfectas americanas, con intercambio de regalos bajo un arbol peripintado, y la chimenea de marras. Lo que queda de vacaciones va a ser muy cinefilo, porque Santa Claus me ha traido la trilogia de Star Wars en DVD, el ultimo capitulo de The Office, la edicion especial del clasico de James Whale Invisible Man, y Lawrence of Arabia (que nunca sera igual de espectacular despues de ver la trilogia del anillo). Entre eso, Mario Kart Double Dash y Super Monkey Ball 2, tengo suficiente para distraerme y no hacer los deberes de Java que tengo pendientes (aqui podeis ver unas pocas de las chorradas que me dedico a hacer).

Y para que el dia sea completo, no ha de faltar un visionado de It's a Wonderful Life, pero en esta ocasion solo necesitais 30 segundos (y tener flash instalado), para ver este remake con conejitos. Que lo disfruteis.

Felices Navidades Cinefilas!!

Amor por el Cine

2004-12-19T17:19:00.000-05:00

Cinéfilo viene del francés, 'cinèphile', es una más de las variedades de la raíz 'filos' en griego (o algo así, porque una servidora no ha estudiado griego), como filatelia (afición a los sellos), o filólogo (aficionado a sufrir frente a la ignorancia lingüística generalizada). Algunos demuestran su amor por el cine viendo muchas pelis, hablando constantemente de ellas, coleccionando algo relacionando con el cine, o poniendo en marcha un 'blog'. Otros, con más empeño, más dinero, o (de vez en cuando) con más talento, se dedican a hacer peliculitas, al principio caseras; si tienen suerte y talento (o dinero), van a una escuela de cine; si tienen talento sólo, pero del bueno, y suerte, pues pueden entrar en la industria del cine poquito a poco. Este es el caso, por ejemplo, de Amenábar, de Spielberg, y de Peter Jackson, que es a quien quiero dedicar la entrada de hoy.

Estos días me dedico a ver los documentales de The Return of the King ("El Retorno del Rey") que se incluyen en la súper-mega edición especial de la película. No son un 'cómo se hizo' al uso, porque esos están hechos para venderte la película, y raramente te dicen algo interesante sobre ella. Los protagonistas de los documentales de ROTK son los técnicos, los diseñadores, los artesanos, los domadores de caballos, los carpinteros, y hasta los cocineros. Hoy he visto el documental donde hablan del diseño de vestuario, de dónde viene cada diseño y por qué es así. No sólo eso, la cámara nos regala con primeros planos de algunos bordados, que en la película ni se ven, y así vemos por ejemplo cómo la túnica de Gandalf el Blanco está toda bordada en relieve con motivos élficos. El nivel de detalle es increíble; lo más admirable, sin embargo, es la dedicación y el empeño que ponen todos. Claro, que es más fácil trabajar duro cuando te gusta lo que haces, y encima te diviertes. Así es fácil amar el cine.

Peter Jackson es un cinéfilo impenitente, no sólo enamorado de las películas, sino también del proceso de hacer películas. Eso se demuestra con las ediciones especiales de Lord of the Rings, y con los vídeos de Kong is King (el making of por capítulos de su nueva versión de King Kong, que si no habéis visto, no sé a qué estáis esperando) . Hasta su primera película, Bad Taste, que rodó en fines de semana con sus amigos durante cuatro años, tenía un documental de cómo se hizo, que aparece en el DVD americano. En él demuestra que la artesanía y el ingenio pueden mucho más que un presupuesto enorme--por ejemplo, las armas que aparecen están hechas todas con tuberías, y las máscaras las coció Peter Jackson mismo en el horno de su madre. Al señor Jackson no se le han olvidado los días en los que no tenía algo a lo que llamar presupuesto, y en los que cada persona tenía que hacer varias cosas a la vez, y sigue aplicando esos métodos en las películas que hace ahora, empezando por rodar en su país. (No quiero ni pensar en el presupuesto que hubiera necesitado la Trilogía de los Anillos si se hubiera rodado en estos lares.)

Peter Jackson es un enamorado del cine, lo demuestra haciendo películas, y enseñándonos cómo las hace. Así se extiende el amor por el cine.

(postdata: Bad Taste es una película de culto, y digna de ver si se tiene mucho, pero que mucho estómago. Algo tendrá cuando, a pesar de ser una película casera de 1989, se ha vuelto a editar en DVD a ambos lados del Atlántico...)