martes, 28 de septiembre de 2010

Fallece Sally Menke, montadora de las películas de Tarantino

Tarantino ya no va a ser el mismo después del fallecimiento de su montadora, Sally Menke. No sólo porque fue la única editora con la que trabajó, también porque le va a ser difícil encontrar a un sustituto que sepa poner orden a sus complejas y ricas narrativas. El montaje es uno de las artes invisibles del cine, y en el caso del trabajo de Menke con Tarantino, ella era tan buena que su mano pasaba desapercibida.

En los extras de Death Proof (2007) y de Malditos Bastardos / Bastardos Sin Gloria (Inglourious Basterds, 2009) podemos ver cuánto aprecio Tarantino le tenía a su editora, como comenta el director Edgar Wright. Tarantino le recordaba a su equipo que Sally Menke estaría editando sola después del rodaje, así que les pedía que le dijeran hola en las "colas" de película* para alegrarle la tarea.

Descanse en paz.






* Colas de película: la parte de película que va antes y después de una toma, que normalmente se descarta. No confundir con los avances de películas, que en Argentina también se llaman colas.

viernes, 24 de septiembre de 2010

La Venganza de la Mujer Pantera: Una Obra Maestra Incomprendida

La Mujer Pantera (Cat People, 1942) es una película de culto cinéfilo, tanto que en 1982 Paul Schrader realizó un remake con Nastassja Kinski. El prestigio no es desmerecido: a pesar de ser una película de serie B, es una historia compleja, bien escrita y fabulosamente realizada. Los críticos de cine suelen olvidar de la secuela a esta película, La Venganza de la Mujer Pantera, (Curse of the Cat People, 1944), que es una de las películas más bonitas que haya visto. Es otra de esas buenas películas que incluso los  más cinéfilos se han perdido. Y lo mejor de todo es que está disponible online, gratis y legalmente en archive.org, como tantas otras películas que ya he reseñado.




La Venganza de la Mujer Pantera (también conocida con el título más literal La Maldición de la Mujer Pantera) continúa con la historia de la película original, que poco tiene que ver con la venganza. Voy a evitar contar el argumento para no estropeárselas a quienes las han visto. Fue dirigida por Gunther von Fritsch, y Robert Wise, quien fue llamado para completarla cuando a von Fritsch se le pasó el plazo de rodaje. Algunas críticas se quejan de que esto es una secuela floja, porque no tiene nada que ver con el género de terror. El error de estas críticas está precisamente en considerar La Mujer Pantera una película de terror, puesto que así fue publicitada en su día. Aunque es cierto que tiene ciertas escenas que dan bastante miedo (la escena en la piscina es famosa), lo que el film relata el drama de una inmigrante cuya herencia cultural resulta ser (literalmente) una maldición que no es comprendida por el hombre a quien ama.

Esta aparente paradoja es típica de las películas de Val Lewton, a quien RKO le encargaba la producción de las películas de serie B (que eran las películas que se proyectaban en segundo lugar en un programa doble), con presupuesto ínfimo y reutilizando los decorados de las películas de serie A. Se suponía que debían ser películas de género, normalmente de terror, y así es como eran presentadas. El resultado, sin embargo, eran películas en las que los personajes eran de psicología compleja; en lugar del susto fácil, tenemos conflictos humanos en los que no hay buenos ni malos, sino gente con serios problemas personales. A pesar de los presupuestos limitados, Lewton supo rodearse de buenos buenos equipos que hacían que la factura de la película fuera tan buena como la de las películas más caras. En el caso de las dos películas que nos ocupan, fueron rodadas en los decorados de El Cuarto Mandamiento (The Magnificent Ambersons, 1942), otra película magistral.

La Venganza de la Mujer Pantera tiene ese título porque la RKO quería que estuviese claro que era una secuela y que tuviera un título impactante. El cartel de la película también engaña porque pinta la película como si fuera de terror. El título original de la película era "Amy and Her Friend," que refleja con mucha más fidelidad el argumento de la película. Amy es la niña protagonista de la película, interpretada por Ann Carter en una ejemplar actuación infantil. Es una niña distinta, sin amigos, e incomprendida por su padre, que sin ser autoritario se empeña en que se vuelva una niña normal, y le ordena que "haga amigos" (como si fuera tan fácil). Hasta que un día se hace amiga de una señora a la que sólo ella puede ver... pero que no es todo lo imaginaria de lo que sus padres creen. Y hasta aquí puedo leer.

Lejos de ser una película de terror, sino un cuento melancólico. Los personajes son mayormente femeninos, encarnando diferentes casos de soledad, incomprensión e aislamiento. Esta es otra de las razones por las que la película es memorable, es una historia protagonizada por mujeres, cada una representa diferentes modos de vida, que cada una más o menos ha elegido para sí misma buscando la felicidad, pero sin encontrarla la mayoría de las veces.

La Mujer Pantera y La Venganza de la Mujer Pantera son un excelente programa doble para el otoño. Mientras que la película original es fácil de conseguir en DVD, parece que la secuela está descatalogada en su versión castellana, y no parece haber versión en español latino. Como ya he dicho, podéis encontrarla íntegramente online. Si estáis interesados en adquirir las dos películas, tendréis que buscar el estupendo DVD estadounidense, con las dos películas, subtítulos en español comentarios y entrevistas.

martes, 21 de septiembre de 2010

Pósters Polacos de Películas: Una Manera Diferente de Publicitar Cine

Polonia tiene una larga tradición de pósters iconoclastas. Desde de los años 40 hasta finales de los 80, los diseñadores gráficos polacos hacían sus propias interpretaciones de las películas que se estrenaban en su país. Aparentemente la tradición continúa, aunque son pósters de edición limitada en lugar de publicidad. Algunos son mucho mejores que el original, otros son raros, y otros convierten una comedia ligera en una película de terror. Si os interesa, el tema, existe una base de datos con casi 7.000 pósters; y si hay alguno que os guste particularmente, podéis comprarlos online. He aquí algunos de mis favoritos.

La Guerra de las Galaxias (1978)

Alien, El Octavo Pasajero (1980)

Aliens (1987)





Cabaret (1973)
La Mujer del Teniente Francés (1983)

Aterriza Como Puedas (1984)




Dumbo (1961)


Golpe en la Pequeña China (1988)


El Resplandor (póster en edición limitada, 2007)






 Ser o no Ser (1962)




Tootsie (1984)


Memorias de África (1987)



Apocalipsis Now (1981)

viernes, 17 de septiembre de 2010

Locuras de Verano (Summertime): La Anti-Comedia Romántica

Si Locuras de Verano (Summertime, 1955) se hubiera hecho recientemente, la habrían convertido en una comedia romántica en la que una quasitreintañera estadounidense viaja a Venecia para encontrar el amor, y después de muchas peripecias, lo encuentra. Por fortuna, esta película se rodó en Venecia a mediados de los 50 con Katharine Hepburn a la cabeza del reparto y David Lean como director. Es una película maravillosa, sin visos de comedia romántica tontorrona.*

En Locuras de Verano, Katharine Hepburn interpreta a una solterona que elige Venecia como destino para sus vacaciones, huyendo de su propia soledad. En lugar de ir con una agenda calculada, como otros turistas estadounidenses, ella gusta de perderse en la ciudad armada con su tomavistas.Y cuando el amor le sale al encuentro, no sabe cómo tomárselo, porque realmente sólo sabe estar sola.

La película está basada en una obra de teatro, pero aparte del diálogo y la actuación ciertas escenas, poco tiene de teatral. David Lean es probablemente el director que mejor sacaba partido a los rodajes en exteriores. Antes de rodar los desiertos de Lawrence de Arabia o las nevadas estepas de Doctor Zhivago, Lean nos mostró las plazas y canales venecianos para hacernos sentir que nosotros también estábamos allí. Es más que una postal, es un viaje en el que nosotros también callejeamos por los rincones de la ciudad. En ciertas partes de la película, la ciudad cobra vida a través de sus estatuas, que parecen observar y comentar las acciones de la protagonista.

Como en otras películas de Lean, es el espacio el que refleja las ansiedades y anhelos de la protagonista. La Hepburn está espléndida como siempre, como la secretaria triste y reprimida. Busca aventuras, pero también le aterran, así que está atrapada en su conflicto.

Summertime no es una comedia, aunque como ya dije parece que tiene la premisa de una comedia romántica. Es el drama de una mujer que no sabe sacarle partido a su vida, y son los edificios de Venecia los que le suspiran la razón de su tristeza. Una buena manera de rematar el verano que está a punto de acabar (el 22 de Septiembre).

* Hace poco se estrenó En la Boda de mi Hermana (When In Rome, 2009), que es un ejemplo de la comedia romántica mema a la que me refiero.

viernes, 10 de septiembre de 2010

Los dibujos animados que no sabías que son japoneses

El término anime se refiere a la animación japonesa. Estos días algunos lo asocian a series un tanto frikis que ponen en algunos canales de televisión. El estilo nipón es fácil de reconocer: personajes cabezones y de ojos grandes, y en algunos casos acompañados de robots gigantes. O eso es lo que muchos piensan. De lo que no se dan cuenta es que llevamos toda la vida viendo dibujos animados japoneses, sin asociarlos con el anime. Y nos encantan. No lo niegues, tú también eres un poco friki.

Hay series que todos asociamos con el anime japonés: Bola de Dragón , Los Caballeros del Zodíaco, Mazinger Z y Campeones para los niños, Candy Candy y Dos Fuera de Serie (Juana y Sergio) para las niñas. Doraemon y el humor burro de Shin Chan para todos (esta última, a pesar de los horarios a los que se emite en España, no es una serie para niños). En otros casos te das cuenta cuando piensas un poco: Heidi y Marco, por ejemplo, son de las dos primeras series en las que trabajó Hayao Miyazaki (ahora venerado por películas como El viaje de Chihiro, El Castillo Ambulante y Ponyo en el Acantilado). Pero hay muchísimas más. En los 80 los estudios japoneses eran los más eficientes y baratos para hacer animación, y muchas productoras europeas encargaban las series a productoras japonesas.

Preparaos para la lista de series y para un ataque de nostalgia aguda, sobre todo si seguís los enlaces a las versiones de las canciones en castellano.

(Si os salen cuadraditos en algunos títulos, es porque el texto esta en japonés y no tenéis instalada las extensiones adecuadas.)

- Vicky El Vikingo (小さなバイキング ビッケ Chīsana Viking Bikke) : Una de las mayores sorpresas de mi vida fue ver figuritas recientes de Vickie el Vikingo en las tiendas de Tokio. Aunque la historia está basada en una novela para niños sueca, la producción es enteramente japonesa. La canción en japonés carece de la marcha de la versión europea y su "¡hey, hey, Vicky!" (era la misma melodía, que luego tradujeron a distintos idiomas).




- La Abeja Maya (みつばちマーヤの冒険  Mitsubachi Māya no Bōken). Otra adaptación de una novela infantil (en este caso alemana) que los japoneses convirtieron en el referente común de la mayoría de los niños europeos durante los años 70 y 80. La versión de la canción en japonés es muy sosa, sobre todo cuando todos nos sabemos la versión en castellano. Tampoco os perdáis la versión en español latino, que es bastante majeta.




- Ulises 31 (宇宙伝説ユリシーズ31 Uchū Densetsu Yurishīzu Sātīwan) estaba financiada en parte por la francesa DIC Internacional (la productora de El Inspector Gadget). El robotijo Nono es el típico robot ingenuo y mono que se puede encontrar en muchas series anime (un día de estos hablaré de mi obsesión por los tachikomas). Atención a la intro superochentona, que poco tiene que ver con la versión de la canción que se escuchaba en Europa.




-Sherlock Holmes (名探偵ホームズ Meitantei Hōmuzu) también tenía financiación europea, en este caso la RAI.  Esta serie era un pasote, una adaptación libre de las historias de Arthur Conan Doyle con toques de steampunk. Según la Wikipedia, en uno de los episodios Lestrade intenta suicidarse por su fracasada operación para atrapar a Moriarty (una manera radical de entender el honor en consonancia con la cultura japonesa); en España, el doblaje se ocupó de disimular el intento de suicidio. Para rematarlo, seis de los episodios fueron dirigidos por Hayao Miyazaki, justo antes de que se pasara a la producción de largometrajes animados con Nausicaä del Valle del Viento.
La cabecera japonesa es muy lírica y relajante, mientras que la versión castellana tiene una canción típica de las series de dibujos de los 80, grupo musical infantil incluido.



 

-El Bosque de Tallac / Jackie y Nuca (シートン動物記 くまの子ジャッキー Seton Dôbutsuki Kuma no ko Jakkī), otra adaptación de un relato para niños, en este caso del fundador de los Boy Scouts. Esta es una producción exclusivamente japonesa, de Nippon Animation para TV Asahi.
La canción está en español, pero si os fijáis veréis que el título y los créditos están todos en japonés.



- Ruy El Pequeño Cid (リトル・エル・シドの冒険 Little El Cid no Bôken). A pesar de que España cuenta con una larga tradición de animadores con talento, la historia del héroe épico castellano la contaron los japoneses. Don Quijote, sin embargo, sí es española. No he podido localizar un vídeo en versión japonesa, así que aquí está el vídeo en castellano para que os deis cuenta de las similitudes con series como Heidi.




-Nils Holgersson (ニルスのふしぎな旅 Nirusu no Fushigi na Tabi). Al igual que Heidi, Vicky el Vikingo y La Abeja Maya, Nils Holgersson es una adaptación de otra novela sueca para niños. Para los que estáis más puestos en cuestiones de anime, algunos de los episodios fueron dirigidos por Oshii Mamoru, más conocido por las versiones cinematográficas de Ghost in the Shell. A falta de la versión en español de la cabecera, no os perdáis la versión japonesa con frases en inglés (o "japonglés" más bien).









- La Aldea del Arce (メイプルタウン物語 Maple Town Monogatari). Inspirada por los cuentos de Peter Rabbit, esta serie estaba producida por los estudios Toei Animation, que por aquel entonces también estaba produciendo Bola de Dragón y un poco más tarde Sailor Moon. La canción en la versión castellana tuvo cierta fama porque estaba compuesta e interpretada por Emilio Aragón y Rita Irasema.




-Belfy y Lillibit (森の陽気な小人たち ベルフィーとリルビット Mori no Yōki na Kobitotachi: Berufi to Rirubitto). Probablemente muy pocos se acordarán de esta serie; de pequeña tuve una temporada obsesiva con los personajillos de Belfy y Lillibit y la canción de la cabecera, que era mucho más pegadiza en su versión castellana.




Hay muchas más series infantiles que también son producciones niponas; las aquí listadas son las que conozco mejor. Descubrí esto hace unos años, cuando empecé a buscar las series favoritas de mi infancia, y vi que todas eran japonesas. Conclusión: soy friki desde pequeñita, pero seguro que no soy la única.

viernes, 3 de septiembre de 2010

Redescubre a Buster Keaton: Películas Online, Gratis y Legal

Continuando con la serie de recomendaciones de películas disponibles online, hoy os dedicamos a uno de los grandes del cine mudo hollywoodiense: Buster Keaton. Keaton era un cómico genial con cara de alcachofo, un atleta que combinaba la comedia con desafíos a los que los especialistas más experimentados no se atreverían ni de lejos. Once de sus películas están disponibles en el dominio público. Y lo que es mejor, dos de ellas son obras maestras del cine mudo que después de tantos años aún son entretenidísimas.

El Maquinista de la General (The General, 1926) es una espectacular película que tiene lugar durante la guerra civil americana, en la que los buenos son los confederados (que perderían la guerra), y que está inspirada en hechos reales. Considerada una de las mejores películas de la historia del cine, El Maquinista de la General tiene varias persecuciones con locomotoras espectaculares, y es famosa porque en el clímax de la película despeñaron una locomotora de verdad con el afán de hacer una película realista. Keaton, famoso por hacer sus acrobacias sin dobles, hace virguerías saltando de locomotora en locomotora.

El Héroe del Río (Steamboat Bill Jr.,1928) nos muestra a un Buster Keaton en plena forma, realizando algunas de las acrobacias más increíbles que se hayan visto en la gran pantalla, sin dobles y sin muchas medidas de seguridad. Además de ser una emocionante película de aventuras, también es una excelentísima comedia. La primera película del ratón Mickey, Steamboat Willie (1928), es una imitación de algunas escenas de esta película.

Aunque no sepáis inglés, no tenéis excusa para no ver estas películas, puesto que son mudas. La mayoría de la información se transmite visualmente y los intertítulos (los carteles, para entendernos) son escasos. Preparaos unas palomitas y disfrutad de las excelentes comedias de Buster Keaton.

Y si todavía no estáis convencidos, aquí tenéis un aperitivo con muchos de los mejores momentos de sus películas.

miércoles, 1 de septiembre de 2010

Scott Pilgrim vs The World: La Crónica

Salí muy decepcionada después de ver Scott Pilgrim vs The World (creo que en español será Scott Pilgrim contra el Mundo, se estrena en Octubre en España y en Argentina). La película lo tiene todo para gustarme: dirigida por Edgar Wright (Zombies Party / Muertos de Risa (Shaun of the Dead, 2004); Arma Fatal (Hot Fuzz, 2007), Scott Pilgrim es adaptación de un cómic con muchas referencias videojueguiles. La película está llena de buenas ideas, buen diálogo, es divertida... y sin embargo me ha dejado muy fría. Y es una pena, porque el trailer prometía mucho.



El fallo letal de la película es su artificialidad. Aunque por acá hay mucho crítico aviejado que le echa las culpas al estilo de los videojuegos, no es el caso. De hecho, las referencias a los juegos de 8 bits son lo mejor de la película. Lo artificial son los personajes, o más específicamente, las interpretaciones de los personajes. Me resultaba difícil creerme a estos personajes; Michael Cera tiene el carisma de una alcachofa y no soporta el peso de esta película. Es un blandengue. Las chicas, aunque están algo mejor, pecan también de caer en la caricatura.

No es de las películas en las que la gracia está en captar todas las referencias, que es algo típico del humor norteamericano. No hace falta saber mucho de videojuegos, ni haberse leído el cómic. Pero creo que son estas referencias lo que hace que a mucha gente le encante esta película. También apela a un tipo específico de frikismo (frikis norteamericanos de 25 a 35 años) que entiendo, pero con el que no siempre empatizo. Tengo la impresión de que la recepción en Europa será aún más fría que en EEUU, porque es un sentido del humor que no cuaja al otro lado del charco.

La frustración que siento después de ver esta película me ha hecho buscar inmediatamente uno de los capítulos de la serie de televisión Spaced, que también dirigió Edward Wright (no sé si se ha emitido en países de habla hispana). Spaced también está llena de referencias a películas, cómics y videojuegos, y tiene momentos caricaturescos; es la razón por la que me hacía ilusión ver esta película.  Los protagonistas de Spaced (interpretados por Simon Pegg y Jessica Stevenson, que también eran los guionistas) son de carne y hueso, entrañables y divertidos. Te los crees, y por eso cuando la serie se vuelve una feria de referencias a la cultura popular, entiendes la broma y la sigues.

En vez de ir a ver Scott Pilgrim, ved Spaced en YouTube ya mismo. Están disponibles las dos temporadas enteras, 14 capítulos de media hora (en inglés, no he encontrado subtítulos). También está llena de referencias a videojuegos, películas y cómics, también hay quitanovias y pagafantas, y tiene un estilo audiovisual ecléctico y rompedor. Spaced demuestra que no hace falta tener un gran presupuesto para llegar al corazón.